1. AURIGA DE DELFOS (Cristina Muniesa)
ANÁLISIS DE LA OBRA
Tipología: se trata de una escultura exenta, de
bulto redondo y completa.
Los materiales de los que se encuentra hecha
son bronce, plata (en el diseño de la banda que
lleva ajustada a la cabeza), cobre(en los labios) y
cristal y piedra en los ojos.
En cuanto a la técnica, es una escultura hueca,
lo que la hace más ligera, en la que se fundieron
las piezas por separado y luego se soldaron.
La escultura del auriga es la única que se
conserva del conjunto total que estaba constituido
por una cuadriga de bronce con varios caballos,
otras dos figuras y el auriga, que se encontraba
originariamente en el templo de Apolo en Delfos.
Se trata de una escultura de tamaño natural (1,2
metros), proporcionada, que casi carece de
movimiento ya que se encuentra totalmente
rígido excepto el tronco y la cabeza que aparecen
un poco ladeados. Además, el brazo no se
encuentra totalmente pegado al cuerpo sino un
poco adelantado, sosteniendo las riendas. Es decir, se ha roto la frontalidad rígida de los kuroi.
Realismo: Se aprecia un gran detalle tanto en la túnica que viste el auriga (chitón talar) cuyos
pliegues caen rectos a partir de la cintura como en el cabello. En el rostro
destaca la serenidad de la expresión.
En el brazo que le falta a la escultura portaría el cuchillo que le servían a los
aurigas para cortar las riendas en caso de peligro.
Iconografía: representa al auriga ganador de una carrera de cuadrigas.
CLASIFICACIÓN Y CONTEXTO
Se trata de una obra del arte griego en su transición al clasicismo,
aproximadamente del año 474 a. C.
Su autoría se atribuye, aunque no se sabe con seguridad, a Pitágoras de Regio, un escultor
griego nacido en Regio (actual Regio de Calabria) donde fue discípulo del gran maestro Clearco
de Regio. Fue el primer escultor en tener en cuenta las proporciones de las esculturas y los
detalles de venas, cabellos y arterias.
Durante esta época Atenas organizó la Confederación Ateniense o Liga de Delos para luchar
contra Persia y conseguir la hegemonía del comercio marítimo. Atenas se convirtió además en
un centro político e intelectual bajo el gobierno de Pericles. La escultura del auriga (junto con la
cuadriga, los caballos y otras dos figuras que posiblemente representaran al tirano y a un
ayudante) fue un exvoto de Polyzalos, el tirano de Gela (Sicilia), como agradecimiento por una
victoria en una cadena de carros durante los juegos Píticos.
La escultura del auriga tiene una gran influencia de las figuras hieráticas (kore y korai) del
período arcaico, siendo una transición de éste al período clásico. Tuvo influencia en las
posteriores esculturas griegas clásicas.
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2. EL LAOCOONTE Y SUS HIJOS (Sergio Martín)
ANÁLISIS DE LA OBRA
Tipología.
Representa a un grupo de personas (Laocoonte y sus hijos) en actitud de lucha. Es una
escultura de bulto redondo y exenta.
La obra está realizada en mármol
blanco tallada y no está policromada, al
ser mármol es una escultura muy
pesada que presenta una textura suave,
como si de piel se tratase.
Se encuentra en el Museo Pío-
Clementino que pertenece a los Museos
Vaticanos de Roma, se trata de una
copia y fue encontrada en una
excavación en el año 1506. Si el
espectador quiere ver esta obra se tiene
que situar enfrente de ella. Su grado de
realismo anatómico es de perfección,
se representa la cara de Laocoonte con
miedo e impotencia al no poder soltarse
de las serpientes que los agarran y
sabiendo cuál es su final.
Su composición es básicamente visual
en la que se ve al sacerdote luchando
para liberarse y así poder salvar a sus hijos los cuales reflejan en su cara unos sentimientos de
angustia y miedo. Se utiliza mucho las líneas curvas para así dar un mayor dinamismo a la obra
y se estructura en forma piramidal siendo el padre el mayor y más importante y situado en el
centro mientras que sus dos hijos a los cuales se representa de forma muy musculosa (como si
de adultos se tratasen) a los lados del padre. Tema:
En la mitología griega este hecho se basa en:
- Laocoonte era el sacerdote del templo de Apolo Timbreo en Troya y, al igual que
Casandra, advirtió sin éxito, de que no dejaran pasar al Caballo de Troya, ya que era
una trampa tendida por los griegos. Laocoonte llegó a arrojar una lanza que se clavó
en el caballo de madera. Y dijo que iba sacrificar a un toro en honor a Poseidón y
que cuando volviera el caballo tendría que estar fuera de la ciudad, cuando
Laocoonte se disponía a sacrificar el toro a Poseidón, dos serpientes marinas,
llamadas Porces y Caribea, o Curisia, o Peribea, llegaron desde Ténedos y las
Calidnes; salieron del mar y atacaron a los hijos mellizos de Laocoonte, llamados
Atifante y Timbreo o Melanto, enroscándose alrededor de sus cuerpos; Laocoonte
intentó salvarlos pero sufrió la misma suerte.
CLASIFICACIÓN Y CONTEXTO
Estilo, autor y cronología:
La obra es perteneciente al periodo de la Grecia helenística; aunque está situada en Roma, su
origen es griego y pertenece a la escuela rodia. Se trata de una obra escultórica de mediados del
siglo I a.C. creada por Agesandro, Polidoro y Atenodoro de Rodas o de Pérgamo.
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3. Relaciones: El Laocoonte ha tenido una gran influencia el
épocas posteriores, ya sea en los artistas del Renacimiento como
Miguel Ángel que se inspiró para la creación de obras como las
figuras del techo de la capilla Sixtina (particularmente la postura
de Amán en la pareja Ester y Amán y La Serpiente de Bronce), el
Moisés de Michelangelo Buonarroti, en El Parnaso, pintura de
Rafael, también se advierte la similitud con la cabeza de
Laocoonte en la figura que representa a Homero y hasta en un
álbum de Astérix, Los laureles del César (Página 16), donde
aparece un esclavo haciendo la pose de Laocoonte con unas
cuerdas simulando las serpientes.
BIBLIOGRAFIA
http://es.wikipedia.org/wiki/Laocoonte_y_sus_hijos#Referencias
http://html.rincondelvago.com/laocoonte-y-sus-hijos_1.html
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4. EL PANTEÓN DE ROMA (Olga Valero)
1.- ANÁLISIS DE LA OBRA:
Se trata del Panteón romano (templo dedicado al culto
de todas las deidades romanas) de Adriano que en la
Edad Media fue transformado en Iglesia, que es como lo
conocemos hoy en día.
Su planta es circular con 7 exedras, trapeciales y
circulares alternativamente (que ayudan a descargar
peso), con un pronaos octástilo adosado, correspondiente
al panteón de Agripa anterior.
Los muros sirven de soporte, tienen arcos de descarga
que ayudan a distribuir el peso y emplea un aparejo
isódomo.
Los materiales empleados son: el exterior está construido en ladrillo (lo que aligera) con filas
alternativas de piedra para ayudar al soporte dejando la decoración al interior, cuya cúpula está
hecha con hormigón (muy ligero ya que se mezcla con piedra volcánica). Las columnas del
pronaos tienen fustes de granito gris y mármol rojo.
Sus soportes varían según la parte que observemos. En el pronaos nos encontramos con
columnas de orden corintio pero con el fuste liso. En el cuerpo intermedio encontramos pilastras
corintias (esta vez si que con el fuste estriado). Por último, en el interior (rotonda) encontramos
columnas en las exedras de orden corintio y pilastras también corintias.
La cubierta más importante es la bóveda de media naranja de la rotonda. Está construida con
una técnica autoportante de anillos concéntricos que permite su óculo descubierto, por lo que es
una cúpula sin clave. A su vez tiene casetones que permiten rebajar el peso. Exteriormente tiene
forma de platillo, ya que se forma por una serie de anillos concéntricos que van disminuyendo de
tamaño. El pronaos tiene una bóveda de cañón
que soporta un tejado a dos aguas, con ayuda de
unas cerchas de madera (originariamente de
bronce). Por último, el cuerpo intermedio también
tiene una bóveda de cañón de escasa longitud.
Prácticamente carece de vanos, los que tiene en
el interior son ventanas rectangulares que dan a un
corredor que sirve de descarga. También tiene
pequeñas salidas de ventilación con forma de
pequeños arcos de medio punto. La entrada desde
el pronaos a la rotonda es un gran arco de medio
punto.
La fachada del pronaos es similar a la de un templo clásico griego, tiene 8 columnas corintias.
En el friso se encuentra la inscripción del Panteón de Agripa en bronce. El frontón, hoy liso,
debía estar decorado con figuras de bronce que no se han conservado.
Los elementos decorativos externos se han perdido, a excepción de la inscripción de Agripa,
en un principio estaba recubierto de mármol y bronce. En el interior, encontramos los casetones
de la bóveda y todo el tambor está recubierto con mármoles y pinturas, también tiene pequeñas
construcciones (posteriores) a modo de capilla que sobresalen entre las exedras. Los niveles se
separan entre sí con entablamentos y cornisas (también en el exterior). También hay pinturas y
esculturas que se han ido añadiendo en etapas posteriores.
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5. Sus dimensiones son enormes. La cúpula tiene 43,3 m de diámetro, que es igual a la altura
total del edificio, por lo que se puede inscribir una esfera perfecta y completa en su interior. El
óculo que la remata tiene 9 m de diámetro.
Tiene una concepción espacial unitaria (aunque tenga exedras alrededor), cerrada y
simétrica. El eje direccional se aprecia desde la entrada, ya que te guía hacia la exedra central
que es de mayor tamaño (es la única que parte el entablamento). La función original del edificio
era de culto a todos los dioses romanos, en especial a las 7 grandes deidades (una por exedra),
que equivaldrían al sol, la luna y los planetas; aunque en la actualidad se dedica al culto cristiano
(Santa María de los Mártires). Su única fuente de luz es la que entra
por el óculo (por el que entra también la lluvia, nunca se inunda
porque el suelo esta ligeramente inclinado hacia el centro, donde hay
unos pequeños orificios que desaguan) jugando con los colores de
las paredes (ocres, verdes y blancos) y con los mármoles del suelo
(con formas de cuadrados y círculos de colores vivos). La relación
entre el aspecto interior y exterior es casi opuesta; al contrario que los
templos griegos, los romanos centran su esplendor decorativo en el
interior, no en el exterior, de forma que el exterior del Panteón es
austero, sencillo y con materiales no muy nobles, en cambio el
interior está cargado de riqueza en materiales (mármoles) y
decoración.
En cuanto a su relación con el entorno, es el centro de la Plaza
de la Rotonda (que es como se le llamaba al Panteón) y ya lo era
cuando se creó, por tanto, todo se organiza a su alrededor.
En un principio, tenía parte de función propagandística de Agripa y del emperador Augusto,
pero luego ya paso a dedicarse al culto de los dioses.
2.- CLASIFICACIÓN Y CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL:
Pertenece al arte romano en su periodo del imperio, el pronaos imita el arte clásico griego
(ya que es la parte más antigua) y la rotonda es ya es puramente romana.
El Panteón primitivo de Agripa (que corresponde al actual pronaos) es de entre el 27-25 a.C.,
lo que conocemos actualmente en su conjunto es la reconstrucción (tras sufrir varios incendios y
sus reconstrucciones) y ampliación que hizo el emperador Adriano en el 123-125 d.C. y se debió
inaugurar entre 125 y 128 d.C.
No se sabe a ciencia cierta quién fue su arquitecto pero se le suele atribuir a Apolodoro de
Damasco.
El Panteón de Agripa pertenece a la serie de construcciones que éste proyectó en el 25 a.C.
en lo que se conocía como Campo de Marte; estaba previsto que se dedicase, por un lado, a
ensalzar la grandeza del Imperio Romano, a través del propio Agripa y del emperador Augusto; y
por otro lado al culto a los dioses protectores de la gens Julia: Marte, Venus y Julio César
divinizado. Posteriormente, con Adriano, no aparece ninguna
inscripción que diga que fue él quien lo mandó reconstruir,
como tenía por costumbre (a diferencia de sus predecesores)
y lo destinó al culto del panteón romano.
Por último, hay que decir que el Panteón ha influido
enormemente en la arquitectura posterior. Su cúpula no se
había conseguido superar hasta hace relativamente poco
(por sus dimensiones y su carencia de clave). Así, las
grandes cúpulas como el Duomo de Florencia (Brunelleschi),
San Pedro del Vaticano (Miguel Ángel), San Pablo de
Londres (Wren), se inspiran en ella pero no la llegan a
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6. alcanzar. Y también influye mucho en las construcciones norteamericanas (Rotonda de la
Universidad de Virginia de Thomas Jefferson). Incluso el cine se inspira en él, como se ve en la
última escena de Ágora de Amenábar en la que la cúpula del edificio se inspira en la del
Panteón.
LA MAISON CARRÉE (“Casa Cuadrada” en francés) (María Arnau)
ANÁLISIS DE LA OBRA
La Maison Carrée fue construida para ser un
templo de culto imperial. A lo largo de la
historia ha tenido distintas funciones desde
ser una casa particular, el ayuntamiento, sala
de reuniones, museo…hasta ser una sala de
exposiciones como es actualmente.
Es un edificio de planta rectangular con una
techumbre a dos vertientes, con un pórtico. Es
un templo próstilo y hexástilo. Es también
pseudoperíptero, ya que aunque observamos
columnas en todos sus lados, éstas se hallan
adosadas en un muro. Las columnas son de
orden corintio ya que se ven las hojas de
acanto. El material que utiliza es mármol, un material resistente ya que hoy en día se conserva
en muy buen estado.
El templo está formado por 6 columnas corintias, con una basa, un fuste estriado y un capitel
formado por hojas de acanto, encima del capitel está el arquitrabe y encima el friso que ahora es
liso pero que en su tiempo estuvo decorado con vegetales; y 14 columnas adosadas con los
mismo rasgos. La cornisa y el frontón con un tímpano liso pero que también estuvo decorado con
vegetales. Todas las columnas, aparte de decoración, tienen una función estructural ya que
soportan el peso del arquitrabe, friso, techumbre… El paramento es de aparejo isódomo. Tiene
doble vertiente, y el material utilizado para el tejado son las tejas.
No hay vanos para que entre la luz ni para sujetar el peso ya que todo él recae sobre las
columnas, puesto que es un templo será oscuro por dentro. Sólo hay una puerta principal que
nos introduce a una capilla, sin separación de naves.
En la fachada destaca el tímpano, el frontón, la cornisa, el friso, el arquitrabe y las columnas ya
que la puerta para entrar al edificio está metida hacia dentro (pronaos) y no destaca tanto.
Es un templo muy pequeño en comparación con los edificios de su época y estilo, aunque tiene
unas medias de 26 metros de longitud por 15 metro de anchura.
Hoy en día no hay elementos de decoración ya que han ido desapareciendo a lo largo del paso
del tiempo. El edificio se encuentra en un espacio abierto ya que está ubicado en el centro de
la ciudad, en medio de una plaza, rodeado de edificios mucho más modernos que él. Tiene una
función simbólica.
CLASIFICACIÓN Y CONTEXTO
Es un edificio romano por lo tanto es de estilo romano y con antecedentes griegos. Está
situado en Nîmes, Francia desde su construcción en el 16
a.C. En este tiempo todo el imperio romano está gobernado
por Augusto. En ese mismo año fue inaugurado el teatro
Romano de Mérida. Fue patrocinada por Agripa en honor de
su suegro Agusto, su esposa Livia y sus hijos Cayo y Lucio.
Este templo es muy similar a otros romanos que no se
conservan en tan buen estado como éste como por ejemplo
el que se colocó en el Ara Pacis en Roma, un monumento a
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7. la gloria de Augusto, la pax romana. También en el otro lado del océano hay un edificio muy
semejante no en proporciones pero sí en estructura al Partenón griego (que tiene una influencia
en la Maison Carrée), que es el Partenón de Nashville, en Estados Unidos, aunque éste es del
siglo XIX.
DISCÓBOLO DE MIRÓN (Raquel Sánchez)
1- ANÁLISIS DE LA OBRA
Es una escultura de bulto redondo, completa. La original era de
bronce pero las copias que hoy en día existen son de mármol.
Las esculturas que hoy podemos ver no están policromadas, pero
la original tenía los ojos de color. La técnica utilizada en la original fue en
bronce, pero la de la copia fue la talla del mármol. La textura que tiene
es suave de mármol pulido.
La masa da sensación de ligereza, ya que el escultor ha conseguido
una figura equilibrada.
Se creó para ser colocada en una calle de Atenas, la reproducción
está colocada en el museo en el Museo Nazionale Romano (Roma).
Tiene gran realismo, el tamaño es como el de un hombre (aprox.
1.60m) y representa muy bien detalles del cuerpo como venas,
musculatura…, aunque la cara es totalmente inexpresiva. La escultura
está en torsión.
La obra tiene un equilibrio corporal perfecto y aún más la original
que no estaba sujeta por
ninguna pilastra como está la
copia, todo este equilibrio se
consigue por la
contraposición de las curvas
de los dos brazos.
Esta obra se creó para representar al atleta Hiakyntos en el
momento de lanzar su disco, cuando las articulaciones se
flexionan.
2- Clasificación y contexto histórico-social.
Es del estilo griego clásico. La creación es aproximadamente hacia el 450 a.C.
Su autor es Mirón, escultor griego, pertenece al clasicismo. Se caracteriza por la representación
del movimiento.
El contexto histórico en el que se creó la obra fue en la época de gran auge en Grecia.
En Atenas se gastaba mucho dinero en arte para decorar cualquier templo y todos los edificios
de la Acrópolis, por lo que era un momento para que los artistas se motivasen y se inspirasen en
sus tareas.
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8. DORÍFORO DE POLÍCLETO (Eva Casinos)
1. Análisis de la obra
Es un tipo de escultura exenta, de bulto redondo y completa.
La copia romana es de mármol y la técnica utilizada es la talla
esculpida, mientras que el original griego estaba hecho en
bronce. No está policromada y su superficie está tallada con
cierta rudeza. Está hecho de mármol por lo tanto es una
escultura pesada pero no da esa sensación. Es necesario un
apoyo en la parte posterior para equilibrar la figura.
La copia de la escultura original que mejor se conserva está
expuesta en el Museo Nacional de Nápoles.
El Doríforo representa la perfecta proporción del cuerpo
humano, es la obra más famosa de Polícleto pues en ella
concreta su canon de belleza del cuerpo humano estableciendo
la medida de siete cabezas como la medida proporcional
perfecta. Su vientre y su pecho están muy marcados y sus
pectorales y muslos algo exagerados y rígidos lo que causa una sensación un poco antinatural.
En el rostro destaca la serenidad y el idealismo clásico.
El cuerpo del Doríforo dibuja una especie de S, la postura que toma es un contraposto (una
pierna sujeta el peso del cuerpo y la otra apenas toca el suelo con una rodilla flexionada), su
cuerpo está en posición asimétrica, su brazo izquierdo donde sostenía una lanza está en tensión
y el hombro ligeramente levantado, mientras que su brazo derecho está relajado. El momento
que representa la escultura es una actitud de avanzar, es como una pausa en su movimiento.
Es una escultura de tema atlético, representa a un atleta con una lanza, Doríforo en griego
“portador de la lanza”.
2. CLASIFICACIÓN Y CONTEXTO HISTÓRICO-SOCIAL
Es una escultura clásica griega del siglo V a.C. (440-430 a.C.).
En este periodo clásico, el ideal de belleza centro la anatomía corporal en la medida del canon y
en la representación de una cabeza idealizada con facciones
inexpresivas que simbolizaba la perfección estética del momento.
Su autor fue Policleto que estudió en la escuela de Argos, en el
Peloponeso y las fuentes alaban sus obras no solo por su calidad sino
por su función didáctica. Representó la proporción del cuerpo humano
basándose en un tratado sobre la proporción y medida llamado Canon.
Se centró en la representación del cuerpo masculino (ideal de belleza
desde el arcaísmo). Además teóricamente, era un consumado broncista
lo que se deduce por las copias en mármol romanas de sus obras y
textos escritos.
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9. El momento histórico donde se realizó esta obra fue en la Grecia clásica con acontecimientos
históricos como las guerras persas y la posterior democracia ateniense.
Esta obra clásica conserva aún algunos rasgos de arcaísmo como los músculos de los
pectorales planos y las líneas de las caderas perfectamente marcadas. El movimiento de
contraposto tiene una ligera evocación a algunos de los kuroi de la época anterior y a la vez
tiene un aspecto dinámico muy diferente a la simetría estática de estos.
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