El arte neoclásico y la figura de goya 2012-13

EL ARTE NEOCLÁSICO Y LA FIGURA DE GOYA
HISTORIA DEL ARTE


1. INTRODUCCIÓN
El término Neoclasicismo, apareció a principios del siglo XIX con un acentuado valor
peyorativo y se utilizó para denominar una breve etapa de “aparente imitatio” de los modelos
de Grecia y de Roma. El interés por la antigüedad grecorromana, por el modelo político
republicano, por las teorías filosóficas del mundo clásico… se extendió a Europa en la 2ª
mitad del siglo XVIII, y tuvo su máxima expresión en la creación del llamado estilo
Neoclásico.
El Neoclasicismo condena el arte inmediatamente anterior, es decir el Barroco y el
Rococó. Asume el arte clásico de Grecia y Roma y el arte del Renacimiento como modelos de
equilibrio y medida, y se condenan los excesos decorativos de un arte basado en la
imaginación. Al lujo y exuberancia, se oponen la austeridad y sobriedad.
Sin embargo, el arte Neoclásico no puede entenderse como una mera imitación del
mundo clásico, sino más bien una revisión y adaptación de ese modelo al mundo del siglo
XIX.
El Academicismo, es decir, la necesidad de adaptarse a unas normas establecidas por
las academias, fue un rasgo fundamental. Se intentó sujetar a reglas la creación artística y
producir obras modelo, que aspiraban a alcanzar un valor de universalidad.
Surge, a mediados del siglo XVIII pero se mantiene, junto con otras tendencias, a lo
largo del siglo XIX. Los centros principales de creación serán Roma y París.
En general, podemos considerara esta tendencia artística como un intento de someter
la creación artística a reglas racionales de carácter universal: por ello resulta un arte de
escasa originalidad. Su aceptación popular fue mínima.
Algunos factores contribuyen a su desarrollo:
Las publicaciones de los tratadistas preconizando el ideal griego como punto de
partida de toda belleza, defendiendo un retorno a las fuentes de la Antigüedad.
Hay que destacar la obra de Winckelmann, “Historia del arte de la Antigüedad”.
Las excavaciones de Herculano (1719) y Pompeya (1748).
Las expediciones arqueológicas inglesas a Grecia.
La creación de las Reales Academias que dirigen la estética de su tiempo de
acuerdo con una normativa clásica.

2. ARQUITECTURA NEOCLÁSICA
2.1. Características
Se basa en la imitación de los modelos de la Antigüedad clásica griega y romana. Por
eso busca la proporción y la armonía, pero siempre dentro de una escala grandiosa y
monumental.
El material constructivo fundamental es la piedra, aparejada en sillares isódomos.

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Como soportes emplean el muro, el pilar, la pilastra y, sobre todo, la columna.
Encontramos todos los órdenes clásicos, aunque no superpuestos; el mayor protagonismo lo
tienen el dórico y el corintio.
En lo referente a los elementos sostenidos, las estructuras interiores suelen emplear
arcos de medio punto, cúpulas, bóvedas de cañón, de arista, etc.; sin embargo, en los
exteriores, sobre todo en las fachadas, presentan casi siempre elementos adintelados con
entablamentos y frontones triangulares al modo griego. Los elementos decorativos se usan
con mucha moderación.
Se proyectan muchos tipos de edificios, adecuados a la función que van a
desempeñar: palacios, iglesias, museos, bibliotecas, teatros, bolsas, observatorios, bancos,
monumentos conmemorativos…; esta variedad refleja el cambio social y los afanes culturales
propios de la época ilustrada y de comienzos del siglo XIX.

2.2. Ejemplos
En Francia las figuras más destacadas son:
Soufflot es el autor de la iglesia de Santa Genoveva, hoy denominada El
Panteón, edificio grandioso con un bello pórtico corintio y gigantesca cúpula,
que emula al templo romano.
Vignon hizo la iglesia de la Magdalena, un monumental templo períptero y
corintio.
También en París, se levantan dos obras de clara raigambre romana, el Arco del
Triunfo y la columna de la Plaza Vendôme, que conmemoran las hazañas napoleónicas.
En ningún país tuvo el Neoclasicismo un sentido tan imitativo de lo clásico como en
Alemania, como lo muestran la Gliptoteca de Munich, obra de Leo Van Klenze, y la Puerta
de Brandenburgo de Berlín.

2.3. Arquitectura española neoclásica
Dos circunstancias fueron decisivas para la difusión del Neoclasicismo en España:
La llegada al trono, desde Nápoles, del rey Carlos III, admirador de la
Antigüedad, reformista y comitente de numerosas infraestructuras y edificios
urbanos;
La fundación de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, que contribuyó a
la difusión del estilo.
La historia de la arquitectura neoclásica española empieza con Ventura Rodríguez,
que evolucionó desde el Barroco hasta el Neoclasicismo. La fachada de la catedral de
Pamplona es el ejemplo más representativo de su faceta neoclásica.
En la época de Carlos III, hay una notable actividad constructiva en Madrid, donde se
traza el Salón del Prado, adornado con las fuentes de Cibeles, Apolo y Neptuno; se diseña la
Colina de las Ciencias (Jardín botánico, Observatorio y Gabinete de Ciencias); y se erige la
Puerta de Alcalá, un arco de triunfo obra de Sabatini.
El arquitecto español más importante del Neoclasicismo es, sin duda, Juan de
Villanueva. Inició su aprendizaje a los 15 años en la Academia de Bellas Artes de San

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Fernando y cuatro más tarde fue seleccionado para estudiar en Roma donde residió cinco
años, decisivos para su formación artística. De vuelta a España levanta la Casita del Príncipe
en El Escorial y el Observatorio Astronómico en el Retiro madrileño.
Su obra más importante es el Museo del Prado (1785-90), edificio que estaba
originalmente destinado a Gabinete de Historia natural y no a su actual función de Museo de
pintura. Está construido alternando la piedra y el ladrillo. Si desde el exterior se nos presenta
con una apariencia adintelada en la que se emplean los tres órdenes clásicos, en el interior es
un edificio de cubiertas abovedadas.
La planta es bastante compleja, resultado de la suma de cinco cuerpos. Los dos
extremos son de apariencia exterior cúbica, aunque sus interiores difieren (en uno hay un
patio cuadrado, pero en el otro se dibuja una rotonda con cúpula). El cuerpo central se alza
perpendicular al eje norte-sur del conjunto y sobresale como si fuera un gran ábside. El nexo
de unión entre los tres anteriores lo constituyen dos cuerpos estrechos rectangulares a modo
de galerías.
Como rasgo plástico destacable de su apariencia externa, merece señalarse el hábil
juego de luz y sombra que se consigue mediante la articulación de volúmenes entrantes y
salientes.

3. ESCULTURA NEOCLÁSICA
El cambio de formas de la escultura barroca a la escultura neoclásica fue lento,
sustituyéndose el dinamismo propio del Barroco por el equilibrio y la proporcionalidad
surgido durante la 2ª mitad del siglo XVIII. El resultado fue una escultura más armoniosa
basada en modelos de la antigüedad grecorromana. En este sentido, cabe señalar que el
deslumbramiento por los modelos clásicos fue tan grande que no se tomaron como referencia
para recrearlos, como hacía el Renacimiento, sino que se copiaron, pues su perfección se
consideraba inalcanzable.
En general podemos señalar que la escultura neoclásica se caracteriza por:
La temática mitológica es omnipresente, tomada directamente o bien de forma
alegórica, mientras que en los temas religiosos se busca una idealización
alejadas de las formas del último barroco.
El material escultórico más habitual es el mármol o el bronce, olvidándose las
maderas policromadas de etapas anteriores.
Los géneros más cultivados por la escultura neoclásica son el retrato (típico de
la burguesía), el monumento público y el monumento funerario.
Un cambio sustancia fue el hecho de que la monarquía, la alta nobleza y la
iglesia dejaron de ser los únicos clientes, siendo sustituidos por una burguesía
de gustos más prosaicos.
En cuanto a la escultura urbana, que sirve de referente en los ordenamientos
viarios, las formas más frecuentes son los arcos de triunfo y las columnas
conmemorativas.

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3.2. Escultores neoclásicos
Entre los escultores más representativos destaca Antonio Canova, italiano que marcó
el paso del Barroco al Neoclasicismo, que imita los modelos de obras griegas conservados en
su país.
De su padre, cincelador de profesión, hereda el gusto por la talla. Para aprender el arte
de la escultura se trastada a Venecia y estudia las obras de la antigüedad. En un primer
momento revela cierta influencia de Bernini, que más tarde superará. Luego viaja a Roma,
donde finalmente acabaría instalándose. En la Ciudad Eterna continuó el estudio de las
antigüedades y rápidamente se introdujo en los círculos artísticos, donde se imponen las
nuevas tendencias clasicistas. Aborda con absoluta maestría el tema mitológico. En sus
figuras se impone la elegancia y la sensualidad. Algunos ejemplos son: Amor y Psique o
Venus y Adonis. Uno de sus grupos más célebres es el de las Tres Gracias. En estas creaciones
se reproduce un concepto de belleza que obedece a la perfección.
Como retratista hemos de resaltar el retrato de Paulina Borghese Bonaparte, a la que
representa semidesnuda y con una manzana, como una Venus triunfante e idealizada.
También en Roma trabajó el danés Thorwaldsen, escultor de un idealismo formal
perfecto, pero frío y académico. Su Jasón está inspirado en el Doríforo y en el Apolo de
Belvedere. Las tres Gracias nos muestran un idealismo desprovisto de pasión y de
sentimiento.
En España, la obra más popular es la fuente de Cibeles, que realizó Francisco
Gutiérrez.

4. PINTURA
A diferencia de lo que ocurre con la escultura, la pintura apenas contaba con modelos
clásicos, puesto que los hallazgos de Pompeya y Herculano, únicas pinturas de la Antigüedad
grecorromana conocidas entonces, tuvieron escasa repercusión. Por eso los pintores
neoclásicos se inspiraron en los relieves antiguos.
La técnica preferida es el óleo sobre lienzo. La aplican cuidadosamente de modo que
resultan texturas lisas y brillantes.
El dibujo es componente prioritario, pues delimita las formas con contornos firmes y
seguros, y organiza el ritmo de las composiciones. El modelado se consigue mediante suaves
gradaciones de luces y sombras: pintan con una luz uniforme y clara, frecuentemente fría, que
precisa los volúmenes y da solemnidad al ambiente.
El color tiene menos importancia. La gama cromática se redujo, de modo que se
imponen los colores primarios que sirven para crear límites definidos entre zonas, evitando
superposiciones.
Interesa poco la perspectiva. No se suelen representar grandes espacios en
profundidad, quizás porque los pintores, al tomar como modelo los relieves clásicos, optan
por distribuir las figuras sobre un plano dominante, a modo de friso.
Las composiciones buscan la claridad, el equilibrio y la simetría. A veces el gesto y la
actitud de las figuras pecan de excesiva teatralidad. El movimiento parece estereotipado.

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Los temas preferidos son los mitológicos, los históricos y el retrato.

4.2. Autores y obras más significativas
Francia fue el centro de la pintura neoclásica. El verdadero promotor de la pintura
neoclásica en Francia fue Jean Louis David. Se formó a partir del arte grecorromano y de los
antiguos maestros de la pintura italiana (Rafael, Caravaggio).
La temática de su obra está inspirada en el mundo antiguo, aunque le otorga un
significado contemporáneo con un mensaje moral destinado a la sociedad del momento.
Elegía acontecimientos de la antigüedad que glorificaban las virtudes del patriotismo, el valor
y el sacrificio, asociándolos a comentarios políticos sobre la Francia de su época: desde la
revolución hasta el imperio napoleónico.
Se inspiró en los relieves, de los que tomó la simetría y la ordenación paralela de las
figuras. Sus figuras están modeladas como la estatuaria antigua, parecen esculturas de griegos
y romanos. La anatomía está representada con precisión: cabezas, cuellos y torsos se
relacionan entre sí con exactitud física.
El Juramento de los Horacios, está concebido como espacio arquitectónico, reviviendo
la claridad racional de los sistemas de perspectiva del Renacimiento. David se apropia de una
leyenda romana para expresar un compromiso político que exalta el patriotismo. Horacio
entrega las 3 espadas a sus tres hijos, después de prestar ellos el compromiso de luchar por su
país. Las mujeres las agrupa es un extremo de la obra, con una expresión trágica, sin saber que
uno de sus comprometidos morirá en el combate.
David fue autor de retratos: Muerte de Marat. En este último convierte un hecho
histórico, el asesinato del héroe de la revolución Francesa, en arte. También retrata
momentos de la historia política de Francia en: El juramento del juego de la pelota, La
coronación de Napoleón.
Ingres fue un excelente dibujante, tanto, que ha dado lugar a la frase hecha, dibujar a lo
Ingres, para referirse a quien lo hace de forma perfecta. Estudió largos años en Italia,
guardando siempre gran admiración por Rafael y toda la pintura italiana renacentista. Gran
defensor del Neoclasicismo, algunas de sus obras pueden ser catalogadas ya de
prerrománticas, como La fuente, cuyo desnudo marmóreo se complementa con una cierta
melancolía. Su tema preferido fue el desnudo femenino: Odaliscas, El baño turco.
En España la nómina de pintores neoclásicos es muy poco significativa, aunque vino al
servicio de la corte un pintor prestigioso, el alemán Antonio Rafael Mengs, muy influido por
las ideas de Winckelmann. Carlos III le encargó pintar en el palacio real de Madrid el fresco de
La Apoteosis de Trajano, que ejerció gran influencia en los pintores españoles. Colaborador
de Mengs fue Francisco Bayeu. Ya en el siglo XIX, merecen citarse Vicente López, excelente
retratista, y José de Madrazo que en La muerte de Viriato enlaza con la manera de hacer de
David.

5. GOYA
Francisco de Goya (1746-1828) es el mayor representante del arte español del siglo
XVIII. Su arte surge en el momento más decaído de nuestra tradición pictórica. Fue el artista

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que mejor supo reflejar las contradicciones de este momento histórico, en una España
atrasada social, económica y políticamente.
Goya fue pintor de corte de los monarcas borbónicos (Carlos IV y Fernando VII).
Recibió muchos encargos de la burguesía y aristocracia, trabajos que alterno con obras en
las que daba rienda suelta a su imaginación.
En su evolución pictórica señalaremos que Goya comenzó realizando obras en un
estilo próximo al Rococó y sobrevivió al academicismo (Neoclasicismo), creando un estilo
propio y personal. Goya anticipó con su arte los caminos para la modernidad, trazando las
pautas del arte contemporáneo. Esta anticipación favoreció el triunfo de la estética
impresionista; además, sus pinturas deformes constituyen un precedente del
expresionismo pictórico. Trabajó con temas que anunciaban el surrealismo y se adelantó al
realismo al retratar a las clases sociales más pobres.
Tras un periodo inicial de formación en Zaragoza y Roma, y las enseñanzas de su
suegro, Francisco Bayeu, que marcan la producción de esta primera etapa. En 1774, Goya se
trasladó a la corte, donde pintó los cartones para la Real Fábrica de Tapices. Los cartones
guardan cierto gusto rococó, como El quitasol, La gallina ciega… con colores suaves, cierta
elegancia, gracia y delicadeza.
Goya empezó a trabajar como retratista en la corte. Los retratos son fieles a la realidad
y, en ellos, recoge además la realidad psicológica del personaje. Retrata a los monarcas y
familiares con un gran parecido físico y, a la vez, demasiado humanos y casi decadentes. Pone
más atención en los rostros que en los vestidos, en los que la pincelada es una mancha de
color. Los retratos fueron muy numerosos: Los duques de Osuna y sus hijos, La condesa de
Chinchón, La familia de Carlos IV, La maja vestida y La maja desnuda.
En 1799 se publicó la serie de ochenta aguafuertes titulada Los caprichos, en la que
cada grabado incluye una leyenda que explica el contenido irónicamente. Estos comentarios
sociales en forma de grabados didácticos contenían observaciones sobre realidades de la vida
pública. En estos aguafuertes se censuran los vicios y errores humanos. Los temas aluden a las
extravagancias y locuras de la sociedad de la época, el mundo de las brujas, los monstruos, la
locura, la desgracia… Destacan los grabados titulados El sueño de la razón produce
monstruos y Que viene el coco.
Goya fue testigo de los horrores de la era napoleónica. Desde 1808 comenzó a trabajar
en una serie de 82 aguafuertes, Los desastres de la guerra. Se trata de imágenes de la guerra,
sobre las matanzas civiles, mutilaciones y saqueos, con fondos nocturnos y un punto de vista
bajo. En estas estampas contrasta la iluminación blanca con distintas intensidades de negro, lo
que aumenta el dramatismo. En 1814 realizó dos cuadros emblemáticos del enfrentamiento
con los franceses. El 2 de mayo de 1808 en Madrid (la carga de los mamelucos) y Los
fusilamientos del 3 de mayo de 1808 (los fusilamientos de la Moncloa) son obras históricas
donde no hay héroes.
Para la decoración de la Quinta del Sordo, su casa en las cercanías de Madrid, Goya
realizó 14 pinturas, las Pinturas Negras. Su nombre se debe al hecho de que están envueltas
en una siniestra negrura, en tonos y temas oscuros. Son pinturas casi monocromas, de colores
apagados, representan escenas nocturnas (aquelarres, misas negras) y figuras casi
monstruosas. La técnica se basa en la mancha, más que en la precisión anatómica o de

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perspectiva. Las Pinturas Negras: El aquelarre, Viejos comiendo sopa o Saturno devorando
a sus hijos, interesó a surrealistas y expresionistas.
Su última época transcurre en Burdeos, a partir de 1824, donde retrató la gente y la
vida sórdida y miserable de su entorno. Estos cuadros están pintados con una pincelada
amplia y libre, suelta y abocetada, rápida y escueta, de claro matiz contemporáneo. La lechera
de Burdeos es una obra que anuncia el impresionismo.

PREGUNTAS PAEG:
El Neoclasicismo. Urbanismo y arquitectura.
El Neoclasicismo. Escultura: Canova. Pintura: David.
Goya.

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DIAPOSITIVAS PAEG EL ARTE NEOCLÁSICO Y LA FIGURA
DE GOYA

1. EL QUITASOL (Goya, 1777)
Uno de los cartones para tapices que Goya
realiza para la Real Fábrica de Tapices de
Santa Bárbara. Concretamente, el Quitasol
pertenece a la segunda serie que pinta, cuyo
tapiz decoraría el comedor de los príncipes
de Asturias, en ese momento el infante don
Carlos (futuro Carlos IV) en el Palacio del
Pardo (Madrid). Este cartón iría acompañado
de otras obras como El Bebedor.
Representa una escena costumbrista de una
joven, vestida a la francesa, cubierta por un
quitasol, que sostiene un criado vestido a lo “majo”. Como el propio Goya describió: representa
a una muchacha sentada en un ribazo, con un perrillo en el halda; a su lado un muchacho en pie
haciéndole sombra con un quitasol [...]
Se trata de una composición clásica triangular, de colores vivos, de intensa luminosidad, y
como toda la serie de tema campestre, alegre, como correspondía a la ubicación del Palacio,
cerca de la ribera del Manzanares donde se realizaban las romerías de la ciudad.
No olvides hablar de: Estilo (Del Neoclasicismo al Romanticismo), Etapa (Goya), Título/Obra
(El quitasol), Autor (Francisco de Goya y Lucientes), Situación (Museo del Prado, España),
Cronología (siglo XVIII), Época histórica/cultural (Antiguo Régimen, Edad Moderna),
Relacionar/comparar (situar esta obra en su lugar cronológico-estilístico dentro de la
evolución de la pintura de Goya, razonando dicha clasificación; también situar la obra de Goya
dentro de la pintura europea del momento, entre el Rococó, el Neoclasicismo y el
Romanticismo), Influencia obra-época (la pintura de Goya como ejemplo claro de la realidad
histórica que le tocó vivir con el fin del Antiguo Régimen y la biografía personal del artista en
su obra).

2. EL SUEÑO DE LA RAZÓN PRODUCE MONSTRUOS (Goya, 1799)
Grabado nº 43 de la serie de 80 conocida como Los Caprichos y que fue
puesta a la venta en 1799. En un principio esta estampa iba a presidir la
serie para después ser relegada en la edición definitiva. Aparece el
propio pintor, vencido por el sueño sobre su mesa, y rodeándole sus
propios monstruos y fantasmas. La razón siempre vence a la ignorancia.
Cuando el hombre no escucha a la razón, todo son visiones. Los
monstruos del artista se liberan al llegar el sueño. La fantasía,
abandonada de la razón produce los monstruos, unido a ella es la madre
de todas las artes.

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Goya ha sido uno de los mejores grabadores del arte español. En este campo pudo liberar más
su arte ya que no estaba condicionado por un cliente. Utilizó métodos novedosos como
mezclar aguatinta y aguafuerte, consiguiendo recursos pictóricos de una calidad
extraordinaria. En la serie de Los Caprichos hace una crítica mordaz a toda la sociedad de su
época: la religión, la medicina, la nobleza… siendo considerada peligrosa y en la que tuvo que
intervenir la Inquisición. Para evitar problemas, Goya regaló la serie sin vender al rey Carlos
IV a cambio de una pensión para su hijo.
Además de Los Caprichos, realizó otras series como Tauromaquia, Disparates y Desastres de
la Guerra.
(El sueño de la razón produce monstruos), Autor (Francisco de Goya y Lucientes), Situación
(Museo del Prado, España), Cronología (siglo XVIII), Época histórica/cultural (Antiguo
Régimen, Edad Moderna), Relacionar/comparar (situar esta obra en su lugar cronológico-
estilístico dentro de la evolución de la pintura de Goya, razonando dicha clasificación; también
situar la obra de Goya dentro de la pintura europea del momento, entre el Rococó, el
Neoclasicismo y el Romanticismo), Influencia obra-época (la pintura de Goya como ejemplo
claro de la realidad histórica que le tocó vivir con el fin del Antiguo Régimen y la biografía
personal del artista en su obra).

3. LA FAMILIA DE CARLOS IV (Goya, 1800-1801)
Se trata de un retrato colectivo a modo neoclásico, donde las figuras están perfectamente
ordenadas como un friso y ausentes de movimiento.
Los personajes aparecen con trajes de corte como
preparados para una ceremonia. Se distribuyen en
tres grupos, destacando el central donde aparecen
Carlos IV y su mujer, María Luisa de Parma, y sus dos
hijos más pequeños. A la izquierda el infante y futuro
rey, Fernando VII. La composición se cierra por una
pared evitando la perspectiva. La luz, destaca a los
personajes, dejando en la penumbra al propio pintor
en un recurso que homenajea a Las Meninas de
Velázquez, pintor al que Goya tanto admiró.
En la obra se rechaza lo anecdótico, no usa apenas el dibujo y es la luz y el color los que
modelan las figuras, destacando la calidad de los materiales y los brillos. La obra fue
encargada por el propio Carlos IV a Goya, que deseaba un retrato colectivo de toda su familia.
Realizó en Aranjuez apuntes de todos los personajes, y a pesar que son muchos los que han
visto en la obra una caricatura de la familia real, sobre todo en el rostro del rey, la obra fue
aceptada sin ningún tipo de objeción.
(La familia de Carlos IV), Autor (Francisco de Goya y Lucientes), Situación (Museo del Prado,
España), Cronología (siglo XIX), Época histórica/cultural (Antiguo Régimen, Edad Moderna),

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su obra).

4. LOS FUSILAMIENTOS DEL 3 DE MAYO DE 1808 (Goya, 1814)
Obra también conocida también como Los Fusilamientos de La Moncloa, que Goya pinta para
resarcirse de su colaboración con el rey francés José I, y propone en sus propias palabras
“perpetuar por medio del pincel las más notables y heroicas acciones o escenas de nuestra
gloriosa insurrección contra el tirano de Europa”. Así pinta esta obra, junto a la del Dos de
Mayo o La carga de los Mamelucos.
Tras el levantamiento de la población civil de
Madrid el 2 de Mayo, contra la invasión francesa,
se inicia la guerra de independencia (1808-
1814). Esa misma noche, los franceses fusilaron
en la montaña del príncipe Pío a aquellos civiles
sublevados que habían sido hechos prisioneros.
Goya retrata la escena de un fusilamiento,
centrado en el foco de luz, que ilumina al grupo
de los condenados, y principalmente al personaje
de camisa blanca que levanta los brazos, como
un nuevo Cristo que va a ser ejecutado. Frente a ellos, los franceses, de espaldas, anónimos,
formando en una diagonal, como una máquina de matar. Tras ellos, un grupo de personas que
presencian horrorizados la escena. El paisaje es simple, se recorta una ciudad, Madrid, y sobre
ella, un cielo negro que aumenta el dramatismo. La diversidad de actitudes en los personajes,
la luz del foco semioculta, la degradación de la luz, los colores oscuros que priman, sólo
destacando el blanco de la camisa y el rojo de la sangre, la pincelada se suelta y los contrastes
de luz y sombra se configuran con manchas de color, en una obra dramática sobre unos
héroes que van a morir, tema muy utilizado por el Romanticismo.
(Los fusilamientos del 3 de Mayo), Autor (Francisco de Goya y Lucientes), Situación (Museo
del Prado, España), Cronología (siglo XIX), Época histórica/cultural (Guerra de Independencia,
Edad Contemporánea), Relacionar/comparar (situar esta obra en su lugar cronológico-
estilístico dentro de la evolución de la pintura de Goya, razonando dicha clasificación; también
situar la obra de Goya dentro de la pintura europea del momento, entre el Rococó, el
Neoclasicismo y el Romanticismo), Influencia obra-época (la pintura de Goya como ejemplo
claro de la realidad histórica que le tocó vivir con el fin del Antiguo Régimen y la biografía
personal del artista en su obra).

5. SATURNO DEVORANDO A SUS HIJOS (Goya, 1820-1823)
Obra que pertenece a la serie de 14 cuadros que Goya pinta para decorar los muros de su casa,
conocida como la Quinta del Sordo. Realizadas al óleo al secco sobre la pared, fueron
trasladadas a lienzo en 1843. Goya había adquirido la casa frente a la pradera de San Isidro en

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1819 y comienza a sufrir su enfermedad, encerrándose en un mundo
fantasmal, de pesadilla, que fija en estas obras. Sin presentar un
programa unitario, en todas prima el negro, las manchas modelan las
figuras deformadas por el artista.
En esta representa al Dios Saturno, que devoraba a sus hijos para que
no se cumpliese la profecía de que uno de ellos lo destronaría. Goya
representa al Dios como un monstruo de mirada enloquecida, los
dedos se hunden en el cuerpo, que no es el de un bebe, sino el de un
adulto, su boca se abre para devorar el cadáver que resalta por su
mayor iluminación y el rojo de la sangre.
No olvides hablar de: Estilo (Del Neoclasicismo al Romanticismo),
Etapa (Goya), Título/Obra (Saturno devorando a sus hijos), Autor
(Francisco de Goya y Lucientes), Situación (Museo del Prado,
España), Cronología (siglo XIX), Época histórica/cultural (Liberalismo, Edad Contemporánea),
su obra).

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ACTIVIDADES
1. Desarrolla el tema: Características generales del Neoclasicismo y su proyección en
la arquitectura y la escultura.
Sitúa en su contexto histórico-cultural el origen y desarrollo del Neoclasicismo.
En el marco de ese contexto, analiza las aportaciones al arte neoclásico de la obra
de Juan de Villanueva y Antonio Canova.

2. Análisis y comentario de una obra escultórica.

Paulina Bonaparte como Venus victoriosa. Canova (Galería Borghese, Roma)

Clasifica la obra: estilo, época y autor.
Analiza formalmente la imagen y señala sus rasgos más destacados: tipo, material,
técnica, proporciones, tratamiento de la anatomía y de las superficies, luz,
utilización de las tres dimensiones, grado de realismo, expresión corporal y facial,
peso y movimiento.
Comenta los rasgos que caracterizan la producción artística de este escultor y cita
sus obras más representativas.
Explica los aspectos más destacables del ambiente cultural que enmarcan la
producción artística del período en que vivió este autor.
Establece una comparación morfológica y temática de esta escultura con el arte
clásico de la Antigüedad y el Renacimiento.

3. Define los rasgos característicos de la arquitectura y escultura de Juan de Villanueva
y Canova respectivamente, señala sus aportaciones al arte de su época y cita sus
obras más destacadas.

4. Realiza una redacción sobre el tema “La obra de David y la pintura neoclásica”
(marco cronológico, contexto histórico-cultural, rasgos generales de su pintura,
evolución y obras destacadas), integrando en ella la información que te proporciona
el texto y la imagen y siguiendo las pautas que se proponen.

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“En la composición, destacan el estilo depurado, la austeridad de medios y la
claridad expositiva. La «precisión de contorno; esa distinción característica de los
antiguos» (Winckelmann) es, asimismo, una particularidad que, si bien ya había aparecido
en otras creaciones artísticas del pintor, se agudiza en ésta y adquiere una acusada fuerza.
El espacio teatral, como en Greuze y Hogarth, se ve acentuado por la luz caravaggiesca
procedente de la izquierda del óleo. La plástica energía de las figuras masculinas, de tensos
músculos, unidas en el ritual del juramento de las espadas (que procede del medioevo, y
no de la antigua Roma) contrasta —con una transición por lo demás algo abrupta— con el
pasivo desconsuelo del grupo de mujeres, cuyas cabezas, finamente diseñadas, forman, al
unirse, la cúspide de la pirámide que construyen sus cuerpos.
El ascetismo davidiano de estos años hubiera podido prescindir de la figura
femenina con manto oscuro del fondo, pero el artista, a fin de acentuar seguramente el
dramatismo de la escena, hace esta concesión a la cultura del sentimiento, al modo
«greuziano», propia de la época. Otra novedad, en fin, que aporta David con esta obra
respecto al resto del Neoclasicismo (véase El Parnaso de Mengs o La vendedora de cupidos
de Vien) es su «credibilidad», resultante de la componente realista que aparece en sus
mejores creaciones.” Bornay, E.: Arte del siglo XIX. En Vol. 8 de la Historia del Arte dirigida
por Milicua, J. Planeta. Barcelona, 1992, p. 52.

El juramento de los Horacios. Jacques Louis David (Museo del Louvre, París)

Clasifica la obra: estilo, época y autor.
Señala sus rasgos característicos: proporciones de las figuras y tratamiento de la
anatomía; tratamiento de las superficies (calidades y texturas), grado de realismo o
de esquematización; peso, movimiento, composición; forma de articular el
conjunto; relación línea / color; valores cromáticos y relación luz / color, y recursos
usados para representar el espacio.

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Describe los rasgos estilísticos más destacados de la obra de este pintor y cita sus
obras más importantes.
Explica la relación de esta obra —por la temática representada y el tratamiento y
disposición de las figuras— con el arte clásico de la Antigüedad y del Renacimiento.
Comenta los elementos del contexto histórico y cultural en los que se enmarca la
obra de este pintor.

5. Define los rasgos característicos de la obra de David, señala sus aportaciones a la
pintura neoclásica y cita las obras más representativas de su estilo y vistas en clase.

6. Explica las diferencias estilísticas entre la pintura de David y la de Goya, teniendo en
cuenta las imágenes proyectadas en clase.

7. Define los rasgos característicos de la obra de Goya; Explica su contribución a la
renovación de la pintura europea, y cita sus obras más destacadas.

8. Analiza y comenta la obra: Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808.

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El arte neoclásico y la figura de goya 2012-13

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