Apuntes Arte Grecia

1.
FUNDAMENTOS
DEL
ARTE
I.
TEMA
3.
ARTE
DE
LA
ANTIGÜEDAD
(II):
EL
ORIGEN
DE
EUROPA.
GRECIA

2. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
2
TEMA 3. FUNDAMENTOS DEL ARTE I. LA ANTIGÜEDAD (II): EL ORIGEN DE EUROPA.
GRECIA
1.Introducción
a
la
antigua
Grecia.
2.
El
arte
griego.
3.
La
arquitectura
griega.
4.
La
evolución
de
la
escultura
griega.
5.
Las
artes
decorativas
griegas.
1.INTRODUCCIÓN
A
LA
ANTIGUA
GRECIA
La
civilización
de
la
antigua
Grecia
es
una
de
las
más
apasionantes
de
todos
los
tiempos:
es
la
base
de
la
cultura
occidental.
Sobre
ella
se
asienta
nuestra
civilización
europea.
Casi
todas
las
artes
y
las
ciencias
nos
fueron
dadas
por
los
griegos.
Inventaron
el
teatro,
la
moneda,
la
filosofía,
la
democracia
y
los
juegos
olímpicos.
Las
fuentes
para
el
estudio
de
la
antigua
Grecia
son:
los
yacimientos
arqueológicos,
la
literatura
y
la
historia
escrita
por
los
griegos
de
aquella
época.
Recordemos
que
los
griegos
fueron
los
primeros
en
escribir
relatos
históricos
y
que
su
historiador
Herodoto
es
llamado
“el
padre
de
la
Historia”.
Marco
geográfico
La
civilización
de
la
antigua
Grecia
se
extendió
por
lo
que
actualmente
es:
*
Grecia
(parte
continental
y
parte
insular)
*Las
costas
de
Asia
Menor
(actualmente
Turquía
y
por
entonces
llamada
la
Jonia)
*Y
la
llamada
Magna
Grecia,
formada
por
las
colonias
del
sur
de
Italia
y
Sicilia.
En
tiempos
de
Alejandro
Magno
(siglo
III
a
de
C)
esta
civilización
se
expandió
hasta
la
India,
Egipto,
Persia,
Afganistán….
Cronológicamente
podemos
situar
los
inicios
de
la
cultura
griega
en
el
siglo
VII
a.C.
y
finalizando
en
el
146
a.C.,
siendo
ésta
una
fecha
de
referencia
cuando
la
última
polis
griega
independiente,
Corinto,
es
conquistada
por
el
Imperio
Romano.
No
es
que
se
acabe
en
ese
momento
pero
sí
empieza
una
nueva
fase
histórica
donde
Grecia
no
es
sino
una
provincia
más
dentro
de
la
civilización
dominante
romana.
Sintetizando
mucho,
durante
esos
seis
siglos
podemos
apreciar
varias
fases
o
etapas:
*la
Arcaica
(siglo
VIII-­‐fines
del
siglo
VI
a
de
C).
Fase
de
formación
de
las
polis
griegas
y
fase
de
plena
expansión
con
la
colonización
mediterránea.
*la
Clásica
(siglo
V
y
IV
a
de
C).
Los
frutos
de
la
colonización
convierten
a
las
polis
griegas
en
ciudades
ricas
y
prósperas.
Es
la
fase
de
plena
hegemonía
helena
y
de
desarrollo
cultural.
A
este
siglo
V
también
se
le
llama
“el
siglo
de
Pericles”.
*la
Helenística
o
Helenismo
(siglo
IV
al
I
a
de
C).
La
colonización
se
ha
paralizado
y
está
en
franco
retroceso.
Paralelamente
comienzan
las
guerras
civiles
entre
polis,
las
guerras
médicas
contra
el
vecino
persa
y
la
unificación
del
territorio
heleno
bajo
la
hegemonía
de
Macedonia.
Por
último,
la
cultura
helena
se
extiende
gracias
al
Imperio
de
Alejandro
Magno,
recibiendo
influencias
orientales.

3. 3
3
Organización
político-­‐social
La
antigua
Grecia
no
llegó
a
ser
nunca
un
imperio
o
una
nación
en
sentido
estricto,
sino
muchos
pequeños
ciudades-­‐
estados
-­‐llamados
polis-­‐,
con
una
lengua
común
a
todos
–el
griego-­‐
y
una
religión-­‐mitología
basada
en
la
creencia
en
muchos
dioses.
Entre
las
principales
ciudades-­‐estado
destacaron
Esparta
y
Atenas.
El
ideal
político
griego
es
la
democracia
ateniense
del
siglo
V
a.C.:
el
ciudadano
participa
de
los
asuntos
públicos
a
través
de
la
Ecclesia
(Asamblea).
Del
derecho
de
ciudadanía
son
excluidas
las
mujeres,
los
extranjeros
y
los
esclavos.
Era
una
sociedad
patriarcal
a
mayor
gloria
del
hombre
que
tendía
a
identificarse
con
el
ideal
de
valor
y
fuerza
representado
por
Heracles.
La
mujer
en
la
sociedad
griega
estaba
totalmente
minusvalorada.
La
mitología
y
la
religión
eran
importantísimas
en
la
vida
cotidiana
griega.
Elaboraron
una
religión
antropomórfica
en
la
que
los
dioses
son
concebidos
a
imagen
y
semejanza
humana
hasta
el
punto
de
que
se
diferencian
del
hombre
solamente
por
ser
inmortales
y
por
su
mayor
sabiduría
y
poder.
Cada
ciudad
solía
estar
bajo
la
protección
de
una
divinidad,
como
por
ejemplo
la
diosa
Atenea
y
la
ciudad
de
Atenas.
Las
historias
de
la
mitología
griega
van
a
ser
temas
favoritos
de
los
pintores
y
escultores
europeos
durante
siglos,
incluso
hasta
la
actualidad.
2.
EL
ARTE
GRIEGO
Los
griegos
están
considerados
como
los
“inventores”
del
arte.
Su
ideal
artístico
ha
predominado
durante
siglos
en
nuestra
cultura
occidental,
es
el
“canon
griego”.
Será
una
referencia
obligada,
una
fuente
de
inspiración
en
otras
etapas
históricas
como
el
Renacimiento,
el
Neoclasicismo…
El
arte
griego
es,
como
su
cultura,
antropocéntrico,
es
decir,
está
realizado
a
medida
del
hombre.
Ya
decía
el
filósofo
Protágoras
que
“El
hombre
es
la
medida
de
todas
las
cosas”.
Es
un
arte
basado
en
la
imitación
de
la
naturaleza
–mímesis-­‐
Pero
esa
imitación
de
la
realidad
es
idealizada.
Buscan
la
belleza,
que
está
definida
por
la
proporción,
armonía
y
equilibrio.
El
arte
griego
no
está
al
servicio
de
un
dios
o
de
un
monarca.
Es
un
arte
vinculado
a
la
polis,
presenta
así,
una
dimensión
pública
(plazas
públicas,
santuarios…).
Los
clientes
son
fundamentalmente
las
comunidades
urbanas,
aunque
también
los
gobernantes
y
los
particulares.

4. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
4
3.
LA
ARQUITECTURA
GRIEGA
La
arquitectura
es
una
de
las
manifestaciones
más
emblemáticas
del
alto
desarrollo
alcanzado
por
la
cultura
griega.
Se
caracteriza
por
la
adecuación
entre
forma
arquitectónica
y
función
y
por
la
simplicidad
de
las
formas.
A
diferencia
de
los
romanos
no
utilizaron
cúpulas
ni
bóvedas
sino
primitivos
entramados
de
vigas.
Es
una
arquitectura
de
alta
calidad
técnica,
con
dominio
de
los
materiales.
En
los
comienzos
utilizaban
como
materiales
la
madera
y
el
adobe,
después
del
siglo
VII
a
C.
se
usó
la
piedra
tallada
(mármol)
y
cortada
en
sillares.
El
sistema
constructivo
griego
es
adintelado
o
arquitrabado.
Por
lo
que
se
refiere
a
los
elementos
sustentantes,
es
decir,
el
muro
y
las
columnas,
en
la
arquitectura
griega
encontramos:
*
muros
muy
cuidados,
realizados
con
bloques
de
mármol.
Los
bloques
se
cortan
en
sillares
y
están
unidos
mediante
grapas
metálicas
(plomo),
no
percibidas
desde
el
exterior.
*Las
columnas
presentan
tres
órdenes:
dórico,
jónico
y
corintio.
En
cuanto
a
los
elementos
sostenidos,
encontramos:
*Los
entablamentos,
formados
por
arquitrabe,
friso
y
cornisa.
*Y
las
cubiertas,
que
forman
parte
también
de
los
elementos
sostenidos,
son
adinteladas.
En
el
exterior
presentan
tejado
a
doble
vertiente
o
a
dos
aguas,
lo
que
origina
en
las
fachadas
un
remate
en
frontón.
Interiormente
se
utilizaron
techos
planos
y
de
madera.
Otras
características
de
la
arquitectura
griega
vienen
dadas
por
su
visión
del
arte.
Es
una
arquitectura
que
se
funde
con
el
paisaje,
busca
la
armonía
con
él.
Valoran
mucho
las
proporciones
perfectas,
la
armonía
y
la
belleza
externa
del
edificio,
casi
más
que
la
interna.
Y
es
que
la
vida
griega,
dado
su
clima
templado
y
mediterráneo,
favorecía
la
vida
al
aire
libre.
Las
proporciones
no
son
colosales
–como
en
ocasiones
en
Egipto-­‐
sino
a
escala
humana.
Todo
el
edificio
debe
ser
eurítmico,
es
decir,
tiene
que
tener
la
justa
proporción
entre
las
partes.
Recurren
a
correcciones
ópticas
de
los
errores
visuales
en
los
que
incurre
el
espectador
como
por
ejemplo
un
pequeño
encurvamiento
del
entablamento
para
conseguir
su
total
horizontalidad.
Propugnan
también
la
simetría,
tanto
en
planta
como
en
alzado.
Por
que
respecta
a
los
elementos
decorativos
son
principalmente
relieves
y
pinturas.
Los
edificios
presentaban
una
rica
policromía
(rojos,
azules…)
heredada
de
sus
antepasados
cretenses.
Con
el
tiempo,
la
arquitectura
griega
fue
perdiendo
el
color,
lo
que
le
ha
dado
lugar
a
una
“falsa”
imagen
de
serenidad
y
mesura
griega.
Es
una
arquitectura
que
presenta
fundamentalmente
finalidad
religiosa
(hasta
la
época
clásica
sobre
todo)
pero
también
civil.
Los
templos
son
las
tipologías
de
edificios
religiosos
fundamentales
en
la
arquitectura
religiosa
y
por
lo
que
se
refiere
a
la
civil
destacan
los
teatros
y
los
estadios.
←Urbanismo
de
Mileto
Los
griegos
daban
una
gran
importancia
al
diseño
de
las
ciudades
según
trazados
en
cuadrícula,
muy
regulares
(sistema
en
damero).
El
urbanismo
griego
se
caracterizaba
por
ser
muy
funcional,
racional
y
uniforme.
El
creador
del
urbanismo
siguiendo
el
sistema
en
damero
fue
Hipodamo
de
Mileto
como
por
ejemplo
las
ciudades
de
Olinto
o
de
Mileto.
Los
órdenes
arquitectónicos
griegos
son
módulos
constructivos
y
decorativos
que
aparecen
recurrentemente
en
los
templos
griegos
y
que
tendrán
una
enorme
transcendencia
en
la
historia
del
arte.

5. 5
5
Los
órdenes
griegos:
dórico,
jónico,
corintio.
Cariátides
griegas,
templo
Erecteion,
Acrópolis
de
Atenas;
escultura
romana
copia
de
una
griega
que
representa
a
Pericles,
el
gran
y
a
la
vez
controvertido
político,
estratega
(general)
y
orador
ateniense
Tipologías
arquitectónicas
griegas:
templos
y
teatros
Los
TEMPLOS:
son
la
creación
más
importante
de
la
arquitectura
griega.
Se
construyen
siguiendo
los
órdenes
arquitectónicos,
dórico,
jónico
y
corintio.
El
templo
no
es
construido
para
cobijar
a
los
fieles
sino
para
albergar
la
estatua
del
dios.
Esto
explica
que
tenga
más
importancia
el
exterior
que
el
espacio
interno.
En
verdad,
no
hay
fachada
principal.
Privilegian
la
visión
en
diagonal
del
exterior
del
mismo.
Los
actos
religiosos
se
desarrollaban
en
el
exterior
del
templo.
Los
templos
griegos
son
de
pequeñas
dimensiones.
Los
templos
griegos
van
a
ir
evolucionando
con
el
tiempo.
Al
principio
eran
de
adobe
y
madera.
En
sus
orígenes
presentan
estructura
cuadrangular
y
apenas
se
distinguen
del
resto
de
las
viviendas.
Predominan
la
planta
rectangular
pero
también
la
hay
circular:
son
los
tholos.
Los
templos
presentaban
cubierta
plana
en
el
interior
y
a
dos
aguas
en
el
exterior.
Los
templos
solían
estar
aislados
en
lugares
alejados
del
centro
urbano.
Y
es
importante
recordar
que
en
Grecia
había
santuarios
que
eran
ciudades
sagradas
situadas
normalmente
en
alto
(sobre
colinas
o
lugares
montañosos),
como
por
ejemplo
Delfos,
Olimpia
y
Delos.
La
Acrópolis
-­‐que
quiere
decir
“ciudad
en
alto”-­‐
se
encuentra
en
Atenas
y
concentró
los
mejores
y
más
conocidos
ejemplos
de
la
arquitectura
griega
de
todos
los
tiempos.
Son
de
la
época
clásica
y
se
deben
a
la
iniciativa
de
Pericles,
un
político
griego
apasionado
por
la
cultura
que
quiso
darle
esplendor
cultural
y
monumental
a
Atenas.
Pericles
quiso
reconstruir
la
Acrópolis
que
había
sido
arrasada
por
los
persas
en
el
año
480
a
de
C
y
con
ella
algunos
templos
que
allí
había
como
el
antecedente
del
Partenón,
llamado
“prepartenón”.
La
finalidad
de
Pericles
era
doble:
religiosa
-­‐reconstruir
la
Acrópolis,
un
recinto
sagrado-­‐
y
política,
mostrar
la
grandeza
de
Grecia,
en
particular
de
Atenas,
y
la
superioridad
de
los
griegos
frente
a
los
persas.
Para
tamaña
empresa
contó
con
el
apoyo
del
gran
artista
Fidias
que
fue
el
director
general
de
las
obras.
El
alto
coste
económico
de
las
obras
le
acabaría
pasando
factura
a
Pericles
puesto
que
para
ello
utilizó
el
dinero
de
otras
ciudades
–la
liga
de
Delos-­‐,
lo
que
a
la
larga
propició
que
cayera
en
desgracia.
Aun
así,
el
siglo
V
antes
de
Cristo,
la
etapa
de
máximo
esplendor
del
arte
griego
es
conocida
como
“el
siglo
de
Pericles”.
El
templo
del
Partenón
es
el
edificio
más
impactante
de
toda
la
Acrópolis.1
1
Está
dedicado
a
la
diosa
Atenea
Partenos.
En
su
interior
albergaba
la
estatua
de
esta
divinidad
realizada
por
Fideas,
hoy
perdida.
El
Partenón
fue
construido
El
edificio
se
remata
con
un
frontón
decorado
con
esculturas
exentas.
La
rica
policromía
del
templo
se
ha
ido
perdiendo.
La
naos
está
dividida
en
tres
naves,
separadas
por
columnas,
de
las
cuales
la
central
es
más
ancha
que
las
otras
dos.
Adosada
a
la
naos
se
construye
una
habitación
cuadrada,
cuyo
techo
está
sostenido
por
cuatro
columnas:
es
el
“partenón”
o
habitación
de
las
vírgenes.
Esta
habitación
sirve
para
guardar
las
donaciones
al
templo.
El
sistema
constructivo
es
adintelado.
La
cubierta
estuvo
formada
por
armadura
de
madera
con
techo
plano
en
el
interior
y
exteriormente
presentó
un
tejado
a
dos
aguas
lo
que
provoca
la
existencia
de
frontones
en
la
fachada
anterior
y
posterior.
La
belleza
de
este
edificio
radica
en
la
relación
de
todas
las
partes
con
el
todo;
es
una
arquitectura
basada
en
la
geometría
y
las
matemáticas
que
se
refleja
en
la
utilización
de
los
órdenes
arquitectónicos.
Todo
se
ha
estructurado
en
función
de
la
escala
humana.
El
Partenón
responde
a
los
reajustes
ópticos
para
corregir
las
deformaciones
de
la
visión
humana:
no
hay
líneas
rectas
en
todo
el
edificio.
Ha

6. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
6
Acrópolis
de
Atenas;
el
Partenón;
Templo
de
Atenea
Niké,
Tholos
de
Delfos
Por
lo
que
se
refiere
a
la
arquitectura
civil,
entre
los
griegos
de
los
siglos
V
y
IV
a
de
C,
la
arquitectura
privada
no
tuvo
especial
importancia.
La
formación
de
los
jóvenes,
la
discusión
filosófica
o
política,
el
comercio
y
en
general
todas
las
actividades
públicas
sucedían
en
un
espacio
común,
el
ágora,
donde
los
edificios
públicos
se
levantaban
y
embellecían
con
orgullo
ciudadano,
si
bien
el
clima
favorecía
que
muchas
de
las
reuniones
se
hicieran
al
aire
libre.
El
ágora
era
la
plaza
pública,
no
tenía
una
forma
definida
y
se
multiplicaba
al
crecer
la
ciudad;
era
frecuente
que
se
rodease
de
pórticos
de
columnas
denominados
stoas,
en
las
que
los
ciudadanos
se
cobijaban
del
sol
o
de
la
lluvia.
Las
stoas
que
han
llegado
hasta
nosotros
son
ya
de
época
helenística.
El
ágora
en
época
de
los
romanos
se
llamará
“foro”.
Los
antiguos
griegos
crearon
estadios,
que
eran
recintos
alargados
para
las
carreras
que
se
rodeaban
de
sencillas
gradas
al
aire
libre.
Los
TEATROS
El
género
literario
del
teatro
es
un
invento
griego
como
el
edificio
que
crearon
para
sus
representaciones.
Orígenes
y
función.
El
origen
del
teatro
griego
está
íntimamente
ligado
al
culto
que
los
griegos
rendían
a
Dionisos
(dios
del
vino
y
lo
irracional
llamado
Baco
en
Roma)
y
alcanza
su
plenitud
durante
el
siglo
V
a.C.
con
las
obras
de
Esquilo,
Sófocles,
Eurípides
y
Aristófanes.
En
consecuencia,
el
teatro
puede
entenderse
casi
como
un
edificio
religioso.
En
las
fiestas
dionisíacas
tenían
lugar
representaciones
que
dieron
lugar
a
la
tragedia
y
comedia
griegas.
Pero
el
teatro
evolucionó
desde
estos
inicios,
en
los
que
el
coro
tenía
un
protagonismo
absoluto.
Poco
a
poco
personajes
concretos
se
independizaron
hasta
convertirse
en
el
centro
de
las
representaciones
que
terminaron
apartándose
del
culto
a
Dioniso.
El
teatro
desempeñó
un
importante
papel
en
la
vida
de
los
griegos:
era
una
invitación
para
reflexionar
sobre
la
condición
humana
a
la
vez
que
se
realizaba
una
dura
crítica
de
las
costumbres
y
personajes
del
momento. El
teatro
griego
era
un
espectáculo
total
que
integraba
en
su
desarrollo
las
más
variadas
artes,
no
solamente
la
literatura.
Acompañando
al
texto
escrito,
se
desarrollaron
e
integraron
la
música,
la
actuación,
la
danza,
la
escenografía
y
el
vestuario.
Todo
ello
se
unía
para
conformar
un
espectáculo
que
apasionaba
al
público
que
acudía
a
su
representación
en
Atenas.
sido
un
edificio
que
ha
pasado
por
todo
tipo
de
avatares
históricos:
fue
una
iglesia
católica
con
los
bizantinos;
con
los
turcos
fue
una
mezquita;
en
el
siglo
XVII
sufrió
diversos
ataques,
fue
usado
como
polvorín
y
fue
víctima
de
una
terrible
explosión
que
destruyó
casi
completamente
todo
el
centro
del
edificio,
incluyendo
partes
del
friso
y
de
las
metopas,
y
dañó
gravemente
otras
zonas.
Entre
1801-­‐1803
el
embajador
inglés
en
Turquía,
Lord
Elgin,
compró
la
mayor
parte
de
las
esculturas
que
quedaban
en
el
templo
y
por
eso
hoy
se
conservan
en
el
Museo
Británico
de
Londres.

7. 7
7
Arquitectura:
los
teatros
se
situaban
en
una
colina
inclinada,
no
hay
ninguno
sobre
un
terreno
plano.
En
sus
orígenes
se
realizaban
de
madera
antes
de
levantarse
en
piedra.
Todo
teatro
constaba
de
cuatro
partes
claramente
diferenciadas:
Gradas
o
graderío:
Es
el
lugar
destinado
a
los
espectadores.
Tiene
planta
ultrasemicircular.
Los
pasillos
generan
un
espacio
en
cuñas
o
triángulos
llamados:
cuneos.
Los
asientos
no
tenían
respaldo
exceptuando
los
destinados
a
los
personajes
públicos
más
importantes
que
podían
tener
respaldo
y
apoyabrazos.
Orquestra:
espacio
de
planta
circular
situado
en
el
centro
del
teatro
destinado
a
acoger
los
coros.
En
el
centro
se
alza
la
estatua
dedicada
a
Dionisos,
dios
en
cuyo
honor
se
celebra
la
fiesta.
Proscenio:
es
el
lugar
donde
se
representan
las
obras
teatrales.
Se
alza
sobre
una
plataforma.
Escena:
es
el
decorado.
Autores
griegos
de
tragedias;
asiento
para
personaje
importante
en
el
teatro
de
Dionisos
de
Atenas
La
acústica
era
perfecta
desde
cualquier
lugar
del
teatro.
El
teatro
más
antiguo
es
el
de
Dionisos,
excavado
en
la
ladera
rocosa
de
la
Acrópolis
de
Atenas
(siglo
V
a
de
C).
El
mejor
conservado
se
encuentra
en
Grecia,
en
Epidauro.
Fue
construido
por
Policleto
el
Joven
a
finales
del
siglo
IV
a.C.
Se
utilizó
un
desnivel
natural
del
terreno
de
24
metros
para
edificar
una
concha
de
120
metros
de
diámetro
que
se
divide
en
dos
zonas.
La
parte
inferior
del
hemiciclo
está
dividida
en
12
cuneus
(:forma
de
triángulo
o
cuña)
con
una
treintena
de
gradas
cada
uno
mientras
que
en
la
zona
superior
se
hallan
22
cuneus
con
20
gradas
cada
uno.
En
total
podía
albergar
hasta
15.000
espectadores
que
disponían
de
dos
tipos
de
asientos:
los
del
pueblo
consistente
en
las
propias
gradas
y
los
de
las
personalidades
políticas,
con
respaldo
y
brazos.
Los
teatros
griegos
están
presentes
en
toda
la
Grecia
continental
e
insular,
así
como
en
Magna
Grecia
y
Asia
Menor.
La
influencia
del
teatro
griego
en
el
teatro
actual

8. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
8
Los
actores
griegos
llevaban
coloristas
túnicas,
impactantes
máscaras
y
llamativas
pelucas;
en
la
segunda
y
tercera
imagen
se
pueden
apreciar
los
zapatos
con
plataformas
muy
altas
llamadas
COTURNOS
que
llevaban
los
actores
griegos
para
elevar
su
altura
e
impresionar
al
público.
La
suela
era
de
corcho.
Se
empezaron
a
usar
en
el
periodo
helenístico.
Con
el
tiempo,
quienes
lo
llevarían
serían
las
meretrices
(prostitutas).
En
las
tragedias
griegas
se
trataban
temas
de
alcance
universal
que
han
influido
muchísimo
en
la
literatura
europea,
especialmente
en
Shakespeare
(Hamlet,
Otello…).
Entre
los
dramas
tratados
podemos
destacar
el
mito
de
Edipo2
,
el
de
Medea3
etc.
En
las
tragedias
era
muy
importante
el
destino
fatal
que
acompañaba
a
los
personajes
y
era
habitual
que
los
dioses
intervinieran
en
él.
En
el
teatro
actual
permanece
la
influencia
de
la
tragedia
y
la
comedia
griega:
en
ocasiones
se
representan
obras
teatrales
griegas
pero
contextualizadas
en
la
época
actual.
Además,
aún
hoy
se
representan
las
obras
griegas
en
nuestros
teatros,
como
por
ejemplo
en
el
Festival
Internacional
de
Teatro
Clásico
de
Mérida
(Extremadura)
que
se
celebra
todos
los
veranos.
4.
LA
EVOLUCIÓN
DE
LA
ESCULTURA
GRIEGA
La
escultura
en
Grecia
alcanzó
un
extraordinario
desarrollo,
comparable
e
incluso
superior
al
de
la
propia
arquitectura.
El
punto
de
partida
de
la
escultura
griega
es
la
naturaleza.
El
hombre
fue
el
eje
de
la
misma,
consecuencia
lógica
del
carácter
antropocéntrico
de
esta
cultura.
Su
principal
modelo
será
el
joven
atleta
masculino,
"imagen
y
medida
del
hombre".
La
temática,
por
lo
tanto,
gira
en
torno
al
ser
humano.
Las
referencias
a
figuras
mitológicas
son
constantes
y
abundan
también
los
retratos.
Encontramos
tanto
esculturas
exentas
o
de
bulto
redondo
como
relieves.
En
un
principio
debieron
realizar
las
piezas
en
madera,
más
tarde
se
harán
en
piedra,
mármol
fundamentalmente,
siguiendo
una
evolución
similar
a
la
de
la
propia
arquitectura.
En
menor
medida
usaron
también
el
bronce.
También
utilizaron
la
terracota
(:
barro
cocido)
y
materiales
preciosos
como
el
oro
y
marfil
(las
piezas
realizadas
con
oro
y
marfil
se
llaman
criselefantinas
y
consistía
en
sobre
un
alma
de
madera
montar
elementos
de
marfil
esculpido,
que
representaban
el
cuerpo
y
placas
de
oro
para
la
vestimenta.
Esta
técnica
la
utilizó
Fidias
para
realizar
la
estatua
de
Atenea
Partenos
que
se
conservaba
en
el
Partenón).
El
escultor
griego
busca
plasmar
en
la
escultura
la
belleza
ideal,
el
canon.
La
escultura
griega
se
basa
en
el
concepto
de
mímesis
o
imitación
de
la
realidad,
pero
idealizada.
La
mayor
parte
de
la
escultura
griega
la
conocemos
a
través
de
copias
romanas,
ya
que
los
originales
se
han
perdido.
Toda
la
escultura,
a
excepción
de
los
bronces,
se
policromaba.
La
estatua
blanca
nace
en
el
Humanismo,
al
creer,
erróneamente,
que
las
clásicas
habían
sido
así.
Es
importante
también
recordar
que
casi
todas
las
piezas
estaban
firmadas,
el
arte,
por
tanto,
deja
de
ser
anónimo,
demostrando
con
ello
la
valoración
de
la
creación
artística
individual.
2
Este
mito
inspiró
a
Sigmund
Freud
su
teoría
del
complejo
de
Edipo. En
términos
generales,
Freud
define
el
complejo
de
Edipo
como
el
deseo
inconsciente
de
mantener
una
relación
sexual
(incestuosa)
con
el
progenitor
del
sexo
opuesto
y
de
eliminar
al
padre
del
mismo
sexo
(parricidio).
3
Medea:
personaje
desequilibrado
por
la
infidelidad
de
su
marido
y
desquiciada
por
los
celos
y
la
amargura
hasta
el
punto
de
matar
a
sus
hijos
en
un
ataque
de
desesperación.

9. 9
9
La
escultura
griega
influirá
decisivamente
sobre
civilizaciones
y
estilos
posteriores:
el
arte
romano,
renacentista
(Miguel
Ángel),
barroco
(Bernini),
neoclásico
(Thorvaldsen
y
Canova)…
Al
igual
que
en
la
arquitectura,
existen
diversas
etapas:
·∙
Período
arcaico:
del
S.VII
al
500
a.C.
·∙
Período
de
transición
o
Estilo
Severo:
del
500
al
475
a.C.·∙
·∙
Período
Clásico:
del
480
al
313
a.C.
·∙
Período
Helenístico:
del
313
al
146
a.C.
La
escultura
griega
va
a
experimentar
una
profunda
evolución,
desde
el
ETHOS
(serenidad,
armonía,
rigidez)
al
PATHOS
(explosión
de
sentimientos,
composiciones
abiertas
y
dinámicas).
Los
orígenes
de
la
escultura
griega
son
orientalizantes:
en
sus
primeros
momentos
reflejan
la
influencia
de
la
escultura
egipcia
(hieratismo,
geometrización,
frontalidad,
estatuas
bloque,
ojos
almendrados),
sin
embargo,
su
evolución
constante
dio
lugar
al
desarrollo
de
formas
originales
que
se
apartan
de
los
primeros
modelos.
Existe
además,
cierta
conexión
con
los
relieves
persas.
*En
la
PREHISTORIA
griega
encontramos
ya
unos
ejemplares
interesantísimos
de
escultura
llamados
los
"ídolos
de
las
Cícladas".
Son
estatuillas
del
tercer
milenio
antes
de
Cristo,
hechas
fundamentalmente
en
mármol
y
otras
en
terracota
pintada
como
el
famoso
tañedor
de
lira
de
aproximadamente
el
2700-­‐2300
a
de
C.
Acompañaban
a
los
muertos
en
sus
tumbas
y
presentaban
los
aspectos
físicos
y
atributos
sexuales
poco
marcados.
*En
la
ÉPOCA
ARCAICA
(hasta
el
siglo
V
a
de
C)
dominan
las
representaciones
de
Kuros
(Kuroi
en
plural)
y
Koré
(Korai
en
plural).
Los
Kuroi
representan
a
jóvenes
desnudos
de
aspecto
atlético.
Son
estatuas
funerarias
que
conmemoraban
al
vencedor
de
los
juegos
olímpicos,
el
atleta
o
héroe.
Suponen
el
ideal
de
belleza
masculino.
Tienden
a
formas
rígidas,
geométricas
y
hieráticas
acusando
la
ley
de
frontalidad
de
influencia
oriental.
Presentan
influencias
de
la
escultura
egipcia
como
demuestra
el
carácter
de
bloque
con
el
que
es
concebida
la
obra,
por
la
posición
de
los
brazos,
pegados
al
cuerpo,
las
manos
cerradas,
el
tratamiento
del
cabello
en
forma
de
peluca,
la
geometrización
del
cuerpo
y
la
inexpresividad.
El
torso
tiene
forma
triangular.
Una
de
las
piernas
está
adelantada
en
un
intento
inútil
por
sugerir
el
movimiento.
Los
rostros
son
de
líneas
duras,
en
ellos
los
ojos
son
de
forma
almendrada
y
se
pintan
el
iris
y
las
pupilas.
Presentan
la
llamada
sonrisa
arcaica,
algunas
veces
más
que
sonrisa
parece
una
mueca.
Los
rasgos
anatómicos
son
muy
esquematicos.
Son
figuras
arquetípicas,
no
se
pueden
considerar
retratos.
Estas
esculturas
están
realizadas
en
mármol.
Las
Koré
(Koroi
en
plural)
son
el
equivalente
femenino
de
los
kuroi.
A
diferencia
de
los
kuros
aparecen
vestidas,
envueltas
en
una
larga
túnica,
encima
de
la
cual
se
coloca
un
largo
manto
o
un
corto
chal.
En
Grecia
el
desnudo
femenino
es
tardío,
de
ahí
la
importancia
del
vestido
y
la
ornamentación.

10. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
10
Ejemplos
de
kuroi,
se
aprecia
claramente
cómo
fueron
evolucionando
hacia
un
mayor
naturalismo;
Koré.
*ÉPOCA
CLÁSICA
(siglo
V
a.
C)
Es
el
momento
de
mayor
esplendor
de
la
escultura
griega:
perfección
anatómica,
búsqueda
de
un
canon4
o
belleza
ideal
según
cálculos
matemáticos,
se
pierde
la
rigidez
y
se
alcanza
el
dinamismo…
La
composición
predilecta
será
el
contraposto:
la
figura
descansa
sobre
una
pierna
y
flexiona
la
otra
dejándola
en
reposo;
la
descarga
del
peso
sobre
un
lado
produce
un
desnivel
en
las
caderas
y
en
el
eje
vertical
de
la
estatua.
Se
rompe
así,
la
ley
de
la
frontalidad.
Esta
será
la
postura
predilecta
en
el
arte
clásico.
Otra
característica
será
el
idealismo
y
el
equilibrio:
se
tiende
a
la
creación
de
figuras
humanas
idealizadas.
Los
escultores
más
destacados
del
Clasicismo
fueron
Mirón,
Fidias
y
Policleto.
Mirón
Fue
un
gran
broncista,
aunque
conocemos
sus
obras
a
través
de
las
copias
realizadas
en
mármol
por
los
romanos.
Los
estudios
de
Mirón
se
centran
en
el
estudio
de
la
anatomía
en
movimiento.
Sin
embargo,
sus
esculturas
son
un
tanto
inexpresivas.
Su
obra
más
relevante
es
el
Discóbolo,
copia
romana
en
mármol
del
original
en
bronce.
Policleto
Policleto,
contemporáneo
de
Fidias,
fue,
a
la
vez
que
escultor
-­‐sobre
todo
broncista-­‐,
un
gran
teórico:
fijó
la
proporción,
el
ritmo
y
la
simetría
del
cuerpo
humano
en
un
canon
o
prototipo
investigando
las
proporciones
más
armónicas.
Él
instauró
el
canon
de
las
siete
cabezas
(la
altura
del
cuerpo
debe
ser
siete
veces
mayor
que
la
de
la
cabeza).
Las
principales
esculturas
de
Policleto
son
el
Doríforo,
el
Diadumeno,
Héracles
y
la
Amazona
herida.
Al
Doríforo
se
la
llama
también
el
“canon”.
Marca
el
contraposto
y
al
inclinar
hacia
la
derecha
la
cabeza,
describe
una
suave
curva
en
forma
de
"S"
invertida,
sistema
muy
apreciado
en
el
período
gótico
y
utilizado
para
conferir
armonía
a
las
estatuas
de
la
Virgen.
El
Doríforo,
también
llamado
“el
canon”;
el
Diadumeno.
Ambas
obras
realizadas
por
Policleto.
4
Los
griegos
emplean
como
módulo
la
cabeza:
en
las
esculturas
de
Policleto
(1/7),
en
las
de
Lisipo
(1/8),
etc.

11. 11
11
Fideas
Atenas
impone
en
el
siglo
V
a
de
C
su
liderazgo
cultural
en
escultura
a
través
de
la
figura
de
Fidias,
cuya
influencia
marcará
el
arte
griego
durante
toda
su
época.
Es
el
gran
escultor
del
Clasicismo.
Su
actividad
se
centra
en
torno
a
la
Acrópolis,
pues
Pericles
lo
convirtió
en
el
coordinador
de
las
obras
del
Partenón.
Lo
que
más
destaca
en
Fidias
es
su
tratamiento
de
los
ropajes.
Es
la
técnica
llamada
de
“paños
mojados”
que
deja
traslucir
la
anatomía
a
través
de
las
vestimentas.
Con
esta
técnica
acentúa
el
juego
de
la
luz
y
dinamiza
las
figuras.
Los
principales
ejemplos
de
Fidias
son
las
esculturas
de
la
Atenea
Promacos,
Atenea
Partenos,
el
Zeus
de
Olimpia
y
las
esculturas
del
Partenón
(frontones,
frisos
y
metopas).
Los
temas
que
representa
en
el
Partenón
son
episodios
mitológico-­‐religiosos
en
los
que
simboliza
el
triunfo
del
orden
y
la
racionalidad
frente
a
las
pasiones
y
el
caos,
aluden
al
triunfo
de
los
griegos
sobre
los
persas
en
las
guerras
médicas.
Los
relieves
fueron
pintados
en
vivos
colores.
Impresionantes
esculturas
del
Partenón
realizados
por
Fideas
Praxíteles
Praxíteles
es
un
escultor
del
siglo
IV
a
de
C.
Trabaja
preferentemente
el
mármol.
Entre
sus
obras
destaca
la
Venus
de
Cnido.
Nos
ha
llegado
por
una
copia
romana.
Representa
a
la
diosa
del
amor
saliendo
de
las
aguas
del
mar
de
cuya
espuma
nació
según
el
mito
más
conocido.
Fue
una
escultura
famosísima
en
época
de
Praxíteles
y
tuvo
una
enorme
influencia
en
el
arte
griego
y
romano
posterior.
Aparece
ensimismada,
algo
ausente.
No
eran
frecuentes
los
desnudos
femeninos
en
el
arte
griego
anterior
y
sólo
a
partir
del
siglo
IV
a
de
C
es
concebible
una
visión
sentimental
y
sensual
del
cuerpo
femenino.
Venus de Cnido de Praxíteles; El Apoxiomeno de Lisipo; Ménade de Scopas.

12. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
12
Lisipo
Lisipo:
fue
el
mejor
broncista
de
Grecia.
Fue
un
artista
de
renombre,
retratista
oficial
de
Alejandro
Magno,
pero
su
tema
preferido
eran
los
atletas.
Pertenece
al
clasicismo
tardío
(la
primera
mitad
del
siglo
IV
a
de
C).
Perfeccionó
el
canon
(alargamiento
de
los
miembros,
reducción
de
la
cabeza).
Es
un
canon
más
naturalista
que
el
de
Policleto.
Scopas
Scopas:
Escultor
y
arquitecto
del
siglo
IV
a
de
C.
En
sus
esculturas
muestra
los
distintos
estados
anímicos:
amor,
pasión,
desesperación,
tragedia
y
patetismo.
Realizó
esculturas
de
Ménades:
las
Ménades
o
bacantes
eran
las
mujeres
adeptas
a
los
ritos
dionisíacos
que
danzaban
de
manera
desenfrenada,
fruto
del
alcohol.
Vemos
un
cuerpo
en
movimiento
que
se
arquea
tanto
que
casi
llega
a
la
convulsión.
El
dinamismo
y
la
violencia
de
esta
figura
se
alejan
de
los
presupuestos
clásicos
y
se
acercan
más
al
helenismo.
*ETAPA
HELENÍSTICA
(siglo
IV
al
I
a
de
C)
Denominamos
Helenismo
o
etapa
helenística
a
la
etapa
final
de
la
civilización
griega.
Durante
este
periodo
la
cultura
helena
se
extiende
gracias
al
Imperio
de
Alejandro
Magno,
recibiendo
influencias
orientales.
Esta
etapa
se
prolonga
hasta
época
romana.
Con
el
Helenismo
se
produce
la
universalización
de
la
cultura
griega.
Durante
el
Helenismo
la
escultura
abandona
ya
definitivamente
el
equilibrio
clásico
y
adopta
otras
características:
la
representación
del
dolor,
el
movimiento,
la
grandeza,
el
dramatismo
e
incluso
la
fealdad.
Se
prefiere
el
desequilibrio
de
los
cuerpos
retorcidos
a
las
serenas
posturas.
Es
el
triunfo
del
pathos.
Mientras
que
en
el
clasicismo
los
temas
eran
religiosos
y
sólo
al
final
se
introduce
con
Lisipo
el
retrato,
con
el
helenismo
se
amplia,
los
temas
son
infinitos.
Esculturas helenísticas: Venus de Milo; torso Belvedere; Victoria de Samotracia; el Laocoonte.
Hay
varias
escuelas
helenísticas:
ESCUELA
DE
ATENAS:
Niño
de
la
espina,
Venus
de
Milo
y
el
torso
Belvedere.
ESCUELA
DE
RODAS:
la
Victoria
de
Samotracia,
el
Laocoonte.
El
Laocoonte
es
un
grupo
escultórico
de
mármol
del
siglo
II
a
de
C.
Se
conoce
esta
obra
a
través
de
una
copia
romana,
pero
el
original
debió
estar
realizado
en
bronce
con
la
técnica
de
la
cera
perdida.
Recoge
un
episodio
de
la
guerra
de
Troya
en
el
que
Laocoonte,
sacerdote
de
Apolo,
muere
estrangulado
por
serpientes
marinas
enviadas
por
Poseidón
para
que
no
revelara
el
secreto
del
caballo
de
Troya
(los
griegos,
escondidos
en
el
interior
de
un
caballo
de
madera,
pretendían
engañar
al
enemigo
y
entrar
en
la
ciudad
asediada).
Influyó
muchísimo
en
la
escultura
del
Renacimiento,
Barroco…
ESCUELA
DE
PERGAMO:
Altar
de
Zeus
(parte
se
conserva
en
un
Museo
de
Berlín).
Era
un
altar
al
aire
libre
para
hacer
sacrificios
a
los
dioses.
Otras
esculturas
de
esta
escuela
son
Afrodita
agachada
y
El
niño
de
la
oca:
representa
a
un
niño
atrapando
una
oca,
una
especie
de
versión
cómica
de
las
clásicas
esculturas
de
luchas
que
eran
frecuentes
desde
el
arcaísmo.
ESCUELA
DE
ALEJANDRÍA
en
Egipto:
Figuras
grotescas,
enanos
contrahechos,
pícaros,
tanagras,
etc.
(influencia
de
Egipto
y
Praxíteles).

13. 13
13
5.
LAS
ARTES
DECORATIVAS
GRIEGAS
Artes
decorativas
de
la
antigua
Grecia:
cerámica,
vidrio
–Vaso
Portland-­‐
y
mosaicos
Las
artes
decorativas
en
Grecia
alcanzaron
un
gran
esplendor,
sobre
todo
por
lo
que
se
refiere
a
cerámica,
vidrio,
mosaicos,
joyería…
La
casi
total
desaparición
para
la
posteridad
de
la
gran
pintura
mural
griega
ha
reservado
a
la
CERÁMICA
de
la
antigua
Grecia
una
gran
importancia,
pues
junto
con
el
MOSAICO
nos
permiten
informarnos
de
cómo
serían
aquellas
obras.
Pinturas
de
la
GRECIA
PREHELÉNICA:
Creta,
Palacio
de
Knossos,
c.
siglo
XV
antes
de
Cristo
Pintura
GRECIA
ANTIGÜEDAD:
pintura
mural
de
Paestum,
siglo
V
a
de
C,
Paestum
(Magna
Grecia,
sur
de
Italia).
En
las
tumbas
de
Paestum
se
encontraron
ejemplos
de
pintura
mural
griega.
Hoy
se
conservan
en
su
Museo
Arqueológico.
La
CERÁMICA
GRIEGA
presenta
un
carácter
totalmente
utilitario
-­‐en
parte
hoy
olvidado
por
la
forma
meramente
ornamental
en
que
la
contemplamos
en
museos
y
colecciones-­‐
y
funcional.
La
cerámica
griega
es
una
fuente
histórica
fundamental
para
conocer
la
forma
de
vida
de
la
antigua
Grecia.
La
temática
era
muy
variada:
motivos
mitológicos,
históricos,
vida
cotidiana,
grotescos
e
incluso
obscenos.
Los
motivos
ornamentales
presentan
carácter
geométrico,
vegetal,
figurativo,
animalístico,
etc.
A
las
piezas
cerámicas
se
las
suele
denominar
“vasos”
(en
inglés
vase
y
en
francés
vase).
Motivos
ornamentales
de
la
cerámica
griega:
vegetales,
figurativos,
geométricos

14. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
14
Alfareros
y
pintores
trabajaron
juntos
en
el
mismo
taller.
En
las
grandes
ciudades
como
Atenas
o
Corinto,
los
talleres
se
concentraban
en
determinados
barrios
como
el
llamado
Cerámico
de
Atenas
y
reunían
a
un
gran
número
de
artesanos,
maestros
y
aprendices.
En
algunos
vasos
griegos
aparecen
las
firmas
de
alfareros
y
pintores.
Los
alfareros
utilizaban
la
fórmula
“ha
hecho”
y
los
pintores
“ha
pintado”.
Todas
las
ciudades
griegas
fabricaron
vasos
cerámicos
a
lo
largo
de
los
siglos.
Algunos
centros
alfareros
adquirieron
tal
maestría
en
la
creación
de
productos
refinados
y
de
alta
calidad
que
lograron
un
lugar
preeminente
en
la
historia
artística
del
mundo
antiguo:
fue
le
caso
de
Atenas,
Corinto,
Laconia,
Mileto,
la
Magna
Grecia…
Algunas
de
estas
producciones,
protegidas
e
impulsadas
por
los
gobernantes
de
sus
ciudades,
alcanzaron
un
volumen
casi
industrial
y
convirtieron
la
fabricación
y
exportación
de
vasos
cerámicos
en
un
rentable
negocio.
La
cerámica
griega
se
exportó
por
todo
el
Mediterráneo
desde
el
siglo
VIII
a
de
C
hasta
el
IV
a.
de
C.
Firma
del
famoso
pintor
Sófilos:
Sófilos
me
pintó;
lekito
de
fondo
blanco;
grabado
del
siglo
XIX
que
reproduce
un
detalle
de
un
vaso
cerámico
en
el
que
aparecen
Atenea
y
Poseidon.
Va
firmado:
Amasis
me
hizo;
El
lécito
es
una
tipología
cerámica
de
carácter
funerario.
Suele
tener
fondo
blanco.
También
se
podía
utilizar
para
perfumes.
EVOLUCIÓN
de
la
cerámica
griega:
*ETAPA
PREHELÉNICA:
dentro
de
este
antiquísima
etapa
destaca
la
denominada
CERÁMICA
DEL
PERIODO
GEOMÉTRICO
(
c.
siglos
XVIII
a
de
C):
en
el
cementerio
de
Dipilón
aparecieron
muchas
piezas
cerámicas
con
decoración
geométrica
y
figuras
muy
esquemáticas.
Presentan
en
su
decoración
puntos,
líneas
paralelas,
triángulos,
círculos,
rombos,
espirales,
etc.,
ordenados
en
bandas
de
distinta
anchura.
En
el
centro
de
la
vasija
–llamada
panza-­‐
puede
aparecer
alguna
escena
con
idéntico
esquematismo
y
estilización.
Generalmente
son
escenas
funerarias.
El
tamaño
de
estos
vasos
es
grande,
de
entre
1.5
y
2
metros.
Ánfora
de
Dipilón,
Museo
Nacional
de
Atenas.
1,55
cms.
Hacia
el
750
a.
C.
*En
la
época
ARCAICA
encontramos
la
técnica
cerámica
llamada
de
FIGURAS
NEGRAS
SOBRE
FONDO
ROJO.
En
estos
vasos
cerámicos
lo
narrativo
tiene
más
importancia
que
lo
decorativo,
adquiriendo
cada
vez
más
protagonismo
la
figura
humana.
Van
desapareciendo
las
bandas
hasta
llegar
a
un
tema
único,
una
especie
de
cuadro

15. 15
15
pintado
en
el
centro
de
la
vasija.
Normalmente
se
trata
de
una
cerámica
de
lujo.
Solía
usarse
como
urna
cineraria,
gracias
a
lo
cual
han
llegado
a
nuestros
días.
Ejemplos:
Vaso
François
(570
antes
de
C)
del
ceramista
Ergotimos;
o
el
Vaso
de
Ajax
y
Aquiles
pintado
por
Exequias.
Ejemplos
de
cerámica
griega
de
figuras
negras
sobre
fondo
rojo:
Crátera
Vaso
François,
Vaso
de
Ayax
y
Aquiles
*La
época
CLÁSICA:
en
este
momento
se
invierte
la
policromía,
apareciendo
la
técnica
de
las
FIGURAS
ROJAS
SOBRE
FONDO
NEGRO.
Las
escenas
irán
ganando
naturalidad,
expresividad
y
movimiento,
con
un
paulatino
dominio
de
la
perspectiva.
El
estilo
se
supone
que
fue
inventado
por
un
pintor
cerámico
del
Ática
(la
región
de
Atenas)
llamado
Psiax,
al
que
se
le
llama
PINTOR
DE
ANDÓCIDES
porque
solía
trabajar
con
el
ceramista
ANDÓCIDES.
Andócides
habitualmente
firmaba
sus
obras,
algunas
de
las
cuales
se
conservan
en
el
Museo
Arqueológico
Nacional
(Madrid).
El
ceramista
Andócides
y
el
pintor
de
cerámica
Psiax
realizaron
vasos
de
estilo
“bilingüe”:
son
aquellas
que
presentan
por
una
cara
figuras
rojas
sobre
fondo
negro
y
por
otra
figuras
negras
sobre
fondo
rojo.
Este
tipo
de
vasos,
que
surgieron
en
el
siglo
VI
a
de
C
son
valiosísimos.
Las
figuras
en
color
negro
permitían
un
mayor
detallismo
que
las
realizadas
con
color
rojo.
Ejemplo
de
ánfora
de
estilo
bilingüe,
c.
510
a
de
C.
Es
de
estilo
bilingüe
porque
por
un
lado
aparece
Apolo
y
otras
figuras
rojas
sobre
fondo
negro
y
en
el
otro
lado
aparece
Dioniso
con
otros
personajes
de
figuras
negras
sobre
fondo
rojo.
Esta
ánfora
está
firmada
por
el
ceramista
Andócides
en
el
pie
de
la
pieza.
La
pintura
se
debe
al
artista
Psiax
en
cuyo
taller
se
inventó
el
estilo
de
figuras
rojas.
Aparecen
frisos
o
bandas
de
motivos
ornamentales
de
carácter
vegetal
enmarcando
las
escenas.
Ramas
de
hidra
decoran
las
asas.
Museo
Arqueológico
Nacional,
Madrid.
*La
época
HELENÍSTICA
o
HELENISMO:
a
lo
largo
del
V
antes
de
Cristo
se
irán
añadiendo
otros
colores,
hasta
llegar
a
la
cerámica
polícroma
que
es
la
característica
de
la
etapa
helenística.
De
este
periodo
destacan
las
tanagras,
que
aunque
surgidas
en
épocas
anteriores,
alcanzan
en
el
helenismo
un
gran
desarrollo.

16. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
16
*Las
FORMAS
de
la
cerámica,
bien
creadas
en
Grecia
o
recibidas
de
culturas
anteriores
y
perfeccionadas
hasta
alcanzar
su
aspecto
definitivo
son
principalmente:
el
“ánfora”,
muy
usada
en
la
antigüedad
y
caracterizada
por
el
cuello
estrecho
y
largo
y
dos
asas
verticales;
se
utiliza
para
contener
agua,
vino
o
aceite.
La
“crátera”
sirve
para
mezclar
vino
con
agua
y
puede
presentarse
con
boca
más
ancha
que
el
cuerpo
y
asas
casi
horizontales
o
con
la
boca
más
estrecha
y
asas
verticales
formando
volutas
en
su
remate
superior,
en
la
unión
con
la
boca.
Se
utilizaba
en
los
banquetes
llamados
“simposios”.
La
“hidria”
para
agua,
de
forma
ovoide
y
cuello
más
estrecho,
suele
presentar
tres
asas,
dos
horizontales
y
una
vertical.
El
“lécito”,
una
de
las
vasijas
más
elegantes,
empleado
con
fines
funerarios
o
para
tocador,
es
de
forma
alargada
con
asa
vertical
desde
la
panza
al
borde
del
cuello.
El
“kylix”
y
“el
skifos”
son
dos
formas
de
tazas
con
asas
horizontales.
Ejemplos
de
tipologías
cerámicas
griegas:
Hidria,
Kylix,
Skifos
TANAGRAS:
figuritas
de
terracota
femeninas.
Suelen
presentar
restos
de
policromía
(rojos,
negros,
naranjas,
púrpuras,
pero
nunca
verde
porque
era
muy
caro
ya
que
procedía
de
la
gema
malaquita.
En
la
primera
imagen
hay
trazas
de
color
rojo
en
el
pelo.
Las
tanagras
solían
ir
elegantemente
“envueltas”
en
sus
túnicas
(himation).
En
ocasiones
presentan
curiosos
tocados
y
cabelleras
recogidas.
El
pelo
corto
era
señal
de
duelo
o
de
esclavitud.
El
origen
de
las
tanagras
se
halla
en
Tanagra,
Beocia
(Grecia).
La
misma
calidad
excepcional
que
encontramos
en
la
cerámica
griega,
se
aprecia
también
en
las
otras
manifestaciones
de
las
ARTES
DECORATIVAS.
La
mayoría
de
los
ejemplos
más
notables
corresponden
al
periodo
helenístico.
Influirán
muchísimo
en
el
arte
romano.
La
JOYERÍA
en
Grecia
se
utilizaba
para
eventos
públicos
u
ocasiones
especiales,
no
eran
de
uso
común.
Se
solían
ofrecer
como
regalos
y
era
un
símbolo
de
estatus
social
y
económico.
Solían
tener
función
apotropaica
para
evitar
el
mal
de
ojo
y
propiciar
poderes
sobrenaturales.
Con
frecuencia
tenían
simbolismo
religioso
y
de
hecho
se
regalaban
a
los
dioses.
La
mayor
producción
procedía
del
norte
de
Grecia
y
Macedonia.
Entre
los
motivos
apotropaicos
destacan
los
nudos
de
Hércules,
las
victorias
aladas
o
Niké,
las
serpientes….
Aunque
la
mayor
parte
de
la
joyería
griega
era
hecha
con
oro
y
plata,
así
como
márfil
y
gemas,
se
hacían
también
copias
en
bronce
y
arcilla.
Se
han
encontrado
pequeñas
piezas
talladas
en
VIDRIO
(contenedores
de
perfumes,
etc)
y
entre
todas
las
piezas
de
vidrio
destaca
el
famosísimo
Vaso
Portland
(Museo
Británico
de
Londres,
siglo
I
d
de
C),
obra
que
aunque
data
de
la
época
romana
debe
considerarse
griega
ya
que
coincide
con
los
años
de
afluencia
a
Roma
de
artistas
de
esa
procedencia.

17. 17
17
Por
otra
parte
los
griegos
decoraban
suelos
y
revestimientos
murales
con
MOSAICOS.
Propiamente
dicho,
el
mosaico
es
de
origen
griego
y
su
difusión
y
acabado
más
perfecto
llegó
con
los
romanos.
Su
técnica
es
muy
cercana
a
la
pintura
y
reflejo
de
ella.
Presentaban
motivos
mitológicos,
históricos
o
de
género
entre
encuadramientos
ornamentales
geométricos
o
vegetales,
con
predominio
de
los
colores
blanco
y
negro.
Ej.
mosaicos
de
Olinto,
Pella,
Alejandría,
Delos.
Anillo
de
oro
con
el
salto
de
toro.
Joyería
cretense,
c.
2000
a
de
C;
la
llamada
“máscara
de
Agamenón”,
orfebrería
de
Micenas.;
vasos
de
Vafio,
realizado
en
oro
(c.
1500-­‐1450
a.
de
C).
Brazalete
con
el
nudo
de
Hércules,
la
victoria
alada
y
las
serpientes,
etapa
helenística;
anillo
con
el
nudo
de
Heracles
o
Hércules:
era
llamado
también
nudo
de
matrimonio,
una
especie
de
amuleto
apotropaico
para
prevenir
el
mal
y
propiciar
el
bien.
Era
un
símbolo
de
unión
y
enlace.
También
propiciaba
la
fertilidad.
Lo
encontraremos
también
en
la
civilización
romana.
Está
realizado
en
oro
y
lapislázuli.
Los
datos
que
tenemos
sobre
el
MOBILIARIO
GRIEGO
se
han
obtenido
a
través
de
estudios
realizados
sobre
piezas
cerámicas,
bajorrelieves
y
relieves
funerarios.
Sin
embargo,
hoy
en
día,
uno
de
los
diseños
más
conocidos
de
la
silla
es
debido
precisamente
a
esta
civilización.
Se
trata
de
la
silla
klismos.
A
través
de
este
diseño
se
puede
concluir
que
la
estructura
de
los
muebles
griegos
era
sencilla
y
muy
pensada
para
la
comodidad
del
cuerpo
humano
(ergonomia).
Otros
diseños
griegos
son
el
kliné
o
lecho
de
descanso,
y
el
triclinio
("triple
kline"),
camas
donde
los
griegos
almorzaban
y
cenaban
y
recibían
a
sus
visitas.
Silla
Klismos;
reconstrucción
silla
Klismos;
Kline
o
lecho
de
descanso
con
escabel;
triclinios.

18. Ana Galván Romarate-Zabala
Fundamentos del Arte I
18
Otros
OBJETOS
de
la
vida
cotidiana
de
la
antigua
Grecia:
ESTRÍGILE:
instrumento
de
bronce
o
hierro
que
utilizaban
los
atletas
para
limpiarse
después
de
realizar
deporte.
De
esta
manera
el
atleta
retiraba
la
mezcla
de
aceite,
polvo
y
sudor
que
recubría
su
cuerpo;
MONEDA
griega:
la
moneda
fue
un
invento
griego
(de
Lidia,
Asia
Menor).
En
la
imagen
vemos
la
lechuza,
símbolo
de
la
sabiduría
de
la
diosa
Atenea,
protectora
de
Atenas;
INSTRUMENTOS
MÉDICOS
de
la
antigua
Grecia.
CASCO
griego
de
bronce;
TRÍPODE
de
bronce
del
siglo
VI
a
de
C:
entre
los
motivos
ornamentales
aparecen
palmetas,
esfinges,
caballos,
flor
de
loto
(debajo
de
cada
caballo).
Las
patas
en
este
caso
terminan
en
garra
de
animal,
como
en
muchos
muebles
egipcios.
El
trípode
era
una
tipología
de
mueble
multifuncional:
podía
usarse
como
mesita,
o
para
poner
encima
un
vaso
cerámico,
o
como
altar
de
sacrificio
en
rituales
religiosos.
También
podían
ser
regalos
o
premios
en
competiciones
olímpicas.
Entre
las
artes
decorativas
griegas
también
destacan
las
ARTES
DEL
METAL
de
pequeño
tamaño,
generalmente
de
bronce,
donde
podemos
encontrar
muchas
figuritas,
animales,
etc.
En
la
imagen:
una
bailarina
velada
de
la
etapa
helenística
que
se
conserva
en
el
MET
de
Nueva
York;
estatuilla
de
Eros
de
bronce
de
la
etapa
helenística,
MET,
Nueva
York.
Jinete
y
caballo
de
bronce.