Este documento presenta una introducción al diseño gráfico, incluyendo su historia, elementos, normas y clasificación de productos. Explica que el diseño gráfico transforma ideas en una forma visual ordenada y estructurada. Traza los orígenes del término y cómo evolucionó la imprenta en los siglos XIX y XX. También describe elementos conceptuales, visuales y de relación, así como estilos clásicos, románticos, impresionistas y modernistas. Finalmente, clasifica productos como etiquetas, envases, editoriales y más.

1. Institución Educativa Municipal Luis Eduardo Mora Osejo El diseño grafico

2. Presentado por: Diana Estefanía Huertaspresentado a: jairo s. Inagan Rodríguez Grado: 10 computación j-m

3. HISTORIA DEL DISEÑO GRAFICO Se llama diseño gráfico a la transformación de ideas y conceptos en una forma de orden estructural y visual que abarca tanto el arte de hacer libros, periódicos y revistas, como anuncios, embases y carteles. El termino diseñador gráfico acuñado por el Norteamericano William Adison Dwinggins, no se empezó a utilizar hasta 1922, aunque ya los primitivos sistemas de escritura en columnas o filas revelaban el empleo de una cuadrícula elemental para organizar la página y facilitar la comunicación. La Revolución Industrial y la aparición de la litografía hicieron del S. XIX (finales) el punto de partida del diseño moderno, por que en esta época aumento de manera espectacular la cantidad de material impreso. En 1890: En Inglaterra, el artista y escritor socialista William Morris, fundó la Kemscott Press que es una imprenta dedicada a la impresión de libros bien acabados, trato de resaltar la importancia del arte en contra de lo que consideraba la vulgaridad del estilo, y la manufactura de las mercancías producidas en masa. Morris se inspiró en la ornamentación medieval y en las formas vegetales creando diseños naturalistas, barrocos, recargados y formales. En la época impresionista destaca Toulouse Loutec, pintor (1864 − 1901) famoso por sus carteles sobre la vida nocturna de París, compuestos a partir de siluetas planas y bloques de color como las estampas japonesas, pero organizadas en una composición dinámica. Sus cubiertas para programas y sus litografías produjeron una revolución en la técnica publicitaria. Fue el primero que concibió un arte en la calle. (1810 − 1910): El modernismo inglés con Beardsley había hecho un estilo inspirado en composiciones medievales y ultra barroco traducidas a una versión naturalista de líneas ondulantes y asimétricas en Francia dentro del abnobo, destaca la producción de carteles con Guimard (en el metro) que hizo por primera vez una fusión entre las ilustraciones y el propio cartel. Los dos grandes componentes de carteles en este país son, Jules Charet, autor de mas de mil carteles y Alphone Mucha, que llevo el cartel a la perfección máxima.

4. 2. ELEMENTOS DEL DISEÑO GRAFICO Elementos Conceptuales Elementos de Relación Un diseñador (sin importar su rama) puede realizar diseños sin conocimiento alguno sobre la materia, ya sea por gusto personal o por su sensibilidad a la creación visual (talento) sin embargo conocer de estos principios le hará ser un mejor diseñador. En general se distinguen 4 grupos de elementos Elementos Conceptuales Elementos Visuales Elementos de Relación Elementos Prácticos Elementos Prácticos Elementos Visuales Representación Significado función

5. 3. NORMAS DEL DISEÑO GRAFICO Estilos clásicos: Al inventarse la imprenta y durante el periodo de los Incunables (1460 − 1500 libros que se imprimieron) se uso mayoritariamente el carácter gótico y para la ornamentación imitaron las orlas y las iníciales, y las finales de los libros medievales manuscritos. A lo largo del Siglo XVI se utilizo el carácter romano o humanístico del que derivaron, el romano itálico, también llamado cursivo primero y es del Siglo XVII y el romano neoclásico o moderno del Siglo XIX. Estilo romántico: Apareció a principios del Siglo XIX y se manifestó como un estilo nuevo, idealista, dinámico, etc. Introdujo en el Arte Grafico elementos atrevidos, decorativos y recargados por las iníciales y viñetas de fantasía con abundantes flores, rasgos y arabescos y fue en esta época en la que tuvieron más éxito las ilustraciones. Impresionismo: En la 2ª mitad del Siglo XIX supuso una autentica revolución tipográfica por la evolución de los métodos de trabajo si bien para el artista grafico no fue un buen periodo salvo por el impresionismo (1860 − 1910) que avanzó hacia el cartelismo y la publicidad y no a la creación de estilos. Modernismo: Es un estilo decorativo mas que artístico pues se da en las Artes Menores (fotografía, tipografía) Art. Nouveau en Francia, Modern Style o Liberty en Inglaterra, Juenstil en Alemania, Floréale en Italia; inspirándose en las formas de la naturaleza creo un estilo nuevo naturalista y recargado en cuanto a tipos y ornamentación (entre 1890 − 1910). Los ismos (1910): El futurismo, el cubismo, el dadaísmo, ultraísmo, surrealismo y otras corrientes artísticas que comenzaron a influir en la tipografía a partir de 1910 tendían a simplificar las formas y a buscar los elementos estrictamente esenciales de la obra pero empleando los caracteres en disposiciones extravagantes y desequilibradas. Culturistas y dadaístas hicieron las obras más representativas de la época y también las más excéntricas. El cubismo, en cambio por su tendencia al reposo y la serenidad, influyo mucho en la tipografía por la afinidad de sus formas geométricas con la estructura del libro y del impreso y por la facilidad de combinación entre masas de texto, ilustración, espacios en blanco, etc. La nueva tipografía (1920 − 1930): Es la denominación que se da a las realizaciones derivadas de los distintos movimientos de renovación tipográfica anteriores. Tipografía Funcional: Se trata de una vuelta a la tipografía primitiva y pura del periodo neoclásico pero presentándola de forma actualizada. En estos años destaco la Escuela Banhaus (1919), que unifico arte e industria y que hizo del Arte Grafico objeto de estudio y experiencias muy interesantes influyendo después en la s escuelas de diseño grafico sobretodo por su especial valoración de los elementos de la pagina igual para los grafismos que para los contra grafismos.

6. CLASIFICACION DE PRODUCTOS EN EL DISEÑO GRAFICO ETIQUETA ENVASES EDITORIAL Etiquetas: las cuales pueden ser frontales, colgantes, de seguridad, envolventes, etc. Envases: los más comunes son los rígidos, semirígidos, flexibles y las latas. Editorial: generalmente estos productos se clasifican de acuerdo al tamaño de información que disponen en afiches, flyers o volantes, libros, periódicos, revistas, catálogos, CD, DVD, VHS, etc. Señalética: incluye señales de peligro, señales de tráfico, señales de banderas marítimas, señales de ferrocarril, entre otras. Cartelería: carteles formativos e informativos. Identidad corporativa: marcas, iso-logotipo, papelería comercial y fiscal, billetes, aplicación de marca en arquigrafía e indumentaria, gráfica vehicular. Folletería: los folletos de acuerdo a su número de páginas pueden ser dípticos (dos páginas), trípticos (tres páginas), etc. También se los puede clasificar en publicitarios, propagandísticos, turísticos, entre otros. Diseño tipográfico: tipos sans serif o palo seco, con serif, gestuales, góticas, caligráficas y de fantasía. Diseño de instrumentos de mandos: pantallas de relojes digitales, de teléfonos móviles, de cámaras digitales, y otros aparatos. Infografía: mapas, gráficos, viñetas, formularios. Material didáctico: manuales instructivos, indicaciones de uso, fichas didácticas educacionales, etcétera. SEÑALETICA

7. EL COLOR EN EL DISEÑO GRAFICO Siempre he pensado que un buen uso de los colores es la base para un buen diseño, puedes tener una buena idea de estructura para tu diseño pero si tu paleta de colores falla, el diseño NO va a dar resultado. En mi proceso de diseño antes de siquiera bocetear algo, SIEMPRE empiezo a jugar con colores para definir mi paleta que me va a acompañar en el largo viaje del proceso de dicho proyecto. Una cosa importante es saber darle la proporción indicada a cada color dentro del diseño para que todo se vea armónico y estable, aun y cuando en tu diseño el contraste juegue un papel muy importante ( Si señor, se puede lograr una armonía visual muy pero muy estable aun teniendo un diseño con un contraste muy marcado).

8. FUENTES BIBLIOGRAFICAS WWW.GOOGLE.COM WWW.WIKIPEDIA.ORG WWW.YAHOO.COM INTERNET EXPLORER