1. Curso: ARTE I
Prof. Fernando Rodríguez Compare
Facultad de la Cultura
LICENCIATURA EN GESTIÓN CULTURAL
Y ECONOMÍA CREATIVA

2. ESTÉTICA: ARTE Y BELLEZA
“El viaje más hermoso no es aquel en el que se visitan
nuevos lugares, sino aquel que visitas los mismos para
mirarlos con otros ojos.”
Marcel Proust
Alexei Butirskiy (Moscú – 1974)

3. CUESTIONES FUNDAMENTALES EN LA DISCUSIÓN
ESTÉTICA Y LA FILOSOFÍA DEL ARTE:
• - ¿QUÉ ES LA EXPERIENCIA O LA VIVENCIA ESTÉTICA?
• - ¿QUÉ ES LO BELLO? Y ¿HAY DIFERENTES TIPOS DE
BELLEZA?
• - ¿TODO LO BELLO ES ESTÉTICO?
• - ¿PUEDE EXISTIR UNA COSA ESTÉTICA Y AL MISMO
TIEMPO FEA, DESAGRADABLE, HORROROSA, ETC...?

5. LA OBRA DE ARTE:
• - ¿EXPRESA
SENTIMIENTOS, IDEAS, PENSAMIENTOS?
• - O ¿ES EL AUTOR QUIEN LOS EXPRESA A
TRAVÉS DE ESA OBRA?
• - O ¿ES EL ESPECTADOR U OBSERVADOR EL
QUE LOS PONE O INVENTA?
• - SI LA NATURALEZA ES BELLA, ¿PODEMOS
DECIR QUE LA NATURALEZA EXPRESA ALGO?

7. PARA DISFRUTAR DEL ARTE:
• - ¿HAY QUE SER ARTISTA?
• - ¿HAY QUE TENER UN "DON" ESPECIAL O UN
"GUSTO" ESPECÍFICO?
• - ¿EL "GUSTO ESTÉTICO" ES UNIVERSAL O SÓLO DE
UNOS POCOS?
• - ¿HAY QUE TENER CONOCIMIENTOS ESPECIALES?
• - ¿HAY ELITES "CONOCEDORAS?
• - ¿SE PUEDE EDUCAR ARTÍSTICAMENTE?

9. Todo, absolutamente todo en el universo posee una
belleza (hasta lo feo). Desde las artes, pasando por la
naturaleza y las máquinas, la obra más perfecta y bella
es el cuerpo humano. Éste ha sido materia de
investigación desde diferentes disciplinas. A través del
tiempo, se ha tratado el tema de la estética, no sólo
desde las artes, sino desde la literatura, la filosofía, e
incluso desde la medicina. Ambos términos logran estar
juntos en diferentes épocas de la historia, hablando
desde diferentes perspectivas.

10. DEFINICIONES DEL TÉRMINO:
ESTÉTICA
Etimológicamente, la palabra “estético” deriva del griego
aistêtiké (de aisthesis = sensación, sensibilidad), de lo que
inferimos que la Estética cubre un vasto campo de la
representación sensible, el ser humano tiene una imagen de
sí, toma conciencia de sí: se ve.
“La estética es la ciencia que estudia e investiga el origen
sistemático del sentimiento puro y su manifestación, que es el
arte”, según afirma Kant en su "Crítica del juicio".
Se puede decir que es la ciencia cuyo objeto primordial es la
reflexión sobre los problemas del arte.

11. Si bien junto al
Arte, la Belleza ha
constituido
históricamente el
objeto de análisis
de la Estética, es
indudable que hoy
es el Arte, y no la
Belleza, el que
delimita el campo
de la Estética. La
belleza ha perdido
el rol protagónico
que tuvo en otros
momentos.

12. Puesto que la recepción de algunos fenómenos estéticos
exceden el ámbito de lo sensible a favor del concepto,
deberíamos definir a la Estética como disciplina que estudia la
experiencia estética no partiendo necesariamente de la
sensación, como lo dicta su etimología.
Hegel sostiene que el
término Estética no
define lo bello en
general, sino
puramente lo bello en
el Arte. La expresión
más adecuada para
esta ciencia sería la de
“filosofía del arte”, y
más
específicamente, “filo
sofía del arte bello”.

13. Ya en el siglo XIX, Hegel advirtió la existencia de obras de arte
que apelaban más al pensamiento que a las sensaciones, que
invitaban más a “la consideración pensante”, lo que acercaba
indudablemente a los requerimientos del arte conceptual del
siglo XX.

14. NACIMIENTO Y EVOLUCIÓN DEL CONCEPTO DE
ESTÉTICA
Existen obras de arte desde la Prehistoria, sin embargo, la
Estética como disciplina autónoma es más
contemporánea.
Desde la Antigüedad a Edad Media hubo reflexiones sobre
la belleza y el arte, pero no existía la Estética como tal.
Dichas reflexiones provenían de la Filosofía y más
específicamente, de la Metafísica.
Platón sostenía que el Arte era fruto de la
Metafísica, fundándose en la bipartición del mundo en
dos: el Mundo de las Ideas
(verdadero, inteligible, inmutable) y el Mundo Sensible
(copia o imitación del mundo de las Ideas).
A este mundo ilusorio y cambiante pertenece la obra de
arte.

15. HISTORIA DE LA ESTÉTICA
IDEAS ESTÉTICAS PRINCIPALES REPRESENTAN TES
EPOCA ANTIGUA P. Arcaico: HOMERO – HESÍODO – Poetas líricos (Píndaro,
Safo, Solón)
P. Clásico: Filósofos: PITÁGORAS – HERÁCLITO –
SÓCRATES – SOFISTAS – PLATÓN – ARSITÓTELES.
P. Helenístico: EPICUROS – ESCÉPTICOS – CICERÓN.
EDAD MEDIA SAN AGUSTÍN – SANTO TOMÁS
ÉPOCA MODERNA S. XV – NICOLÁS DE CUSA
S. XVI – ALBERTI – LEONARDO – RAFAEL – DURERO –
VASARI – PALLADIO
S. XVII - DESCARTES - LIEBNIZ
ESTÉTICA S. XVIII – LOCKE – HUME – DIDEROT – BAUMGARTEN -
KANT
ÉPOCA CONTEMPORÁNEA S. XIX – HEGEL – NIETZSCHE – GOETHE –
SCHOPENHAUER – HEIDEGER – CROCE – ORTEGA Y
GASSET
S. XX – FOUCAULT – DIDI-HUBERMAN – DANTO –
ADORNO – BARTHES – FORMAGGIO

16. El nacimiento de la Estética en el siglo XVIII es un
acontecimiento mayor en la historia del pensamiento
occidental. Es consecuencia del lugar de privilegio que
adquiere el hombre autónomo de la Ilustración: el
hombre deviene sujeto, contra la idea de creatura propia
del medioevo, donde era considerado dentro del grupo de
entes creados por Dios.

17. MODERNIDAD ESTÉTICA
SUJETO
DUEÑO DE SÍ
SUBJETIVIDAD
MISMO
HOMBRE GUIADO
YO MISMO Y MIS POR LA RAZÓN QUE
ESTADOS PASAN A ILUMINA Y POR EL
SER LO PRIMERO PRINCIPIO DE
LIBERTAD

18. La estética como disciplina
autónoma es la
consecuencia teórica del
avance de un arte
autónomo, desligado tanto
de la utilidad como de la
función educativa o
religiosa.

19. A partir del Quatrocento italiano, surge el paradigma del artista
“humanista”. La regla o el mandato medieval deja paso a la
elección – subjetiva – del artista.
GIOTTO - 1302
EL BAUTISMO DE CRISTO
PIERO DELLA FRANCESCA - 1445

20. En el siglo XVIII, durante el desarrollo de la Ilustración
, la Estética participa de la utopía, que guiada por la
razón, permite al hombre alcanzar la completa felicidad.
Se le encomendará la educación del gusto, la
armonización de las fuerzas de la naturaleza y del
instinto con las leyes de la razón.

21. “La bella Antigüedad fue siempre venerable,
Pero no creo en absoluto que ella sea venerable.
Veo a los antiguos, sin doblar las rodillas;
Son grandes, es cierto, pero hombres como nosotros.”
Fragmento un poema de Charles Perrault , declamado ante la Academia
Francesa en 1687.

22. GUSTO, ESTÉTICA Y BELLEZA
El filósofo escocés David Hume no utilizaba el término
Estética, sino que prefería el de Gusto, como la refinada
capacidad de percibir la calidad en una obra de arte.
Immanuel Kant, por su parte, también hablaba de juicio de
Gusto, pero le interesaba más los juicios sobre el concepto
Belleza.

23. VIRGEN DEL JILGUERO – Rafael –
Siglo XVI
VIRGEN MARÍA – Chris Ofili - 1999

24. CRISTO CRUCIFICADO – Velázquez – PISS CHRIST – Andrés Serrano -
Siglo XVII 1988

25. ¿CÓMO PROBAR
QUE UN
DETERMINADO
GUSTO ES MEJOR
QUE OTRO?

26. GUSTO, ESTÉTICA Y BELLEZA:
Dos enfoques sobre un mismo tema
DAVID HUME DAVID HUME
• Hume insistía en la educación • Los hombres de gusto deben
“conservar la mente abierta al
y en la experiencia: los prejuicio”, pero pensaba que
hombres de gusto adquieren nadie debía hallar agrado en
determinadas capacidades que actitudes inmorales ni “maneras
viciosas” en el arte (por ej. obras
conducen a un acuerdo en del arte musulmán).
cuanto a qué autores y obras • Hume sostiene que los juicios de
de arte son las mejores. gusto son “intersubjetivos”: las
personas de gusto tienden a
Dichos expertos pueden coincidir entre sí.
diferenciar las obras de alta • Se le critica que su concepto de
calidad de otras menos gusto solo se genera mediante
adoctrinamiento cultural.
buenas.
DAVID HUME – 1711 – 1776 (Edimburgo)

27. GUSTO, ESTÉTICA Y BELLEZA:
Dos enfoques sobre un mismo tema
IMMANUEL KANT IMMANUEL KANT
• Kant pretendía demostrar que • Los hombre occidentales modernos
reconocen a cosas planas y
los buenos juicios en estética redondas que hay en nuestro
se basan en rasgos de las mundo, y clasificamos algunas de
propias obras de arte, no sólo ellas como platos.
en nosotros y en nuestras • Si embargo, no es fácil clasificar
preferencias. Sostenía que como bellas a las rosas rojas, ya que
su belleza no está fuera, en el
para actuar en el mundo con mundo (como la forma de los
el fin de lograr nuestros platos). Los objetos bellos no sirven
objetivos humanos a finalidades humanas corrientes
como los platos. Una rosa roja nos
etiquetamos gran parte de lo agrada, no para comerla, ni siquiera
que sentimos, a menudo de para ponerla en un jarrón.
una manera arbitraria. • Kant afirma que algo bello tiene
“intencionalidad sin intención”.
IMMANUEL KANT – 1724 – 1804 - Prusia

28. Kant advirtió que el goce de la belleza era distinto de otros tipos de placer.
Si una frutilla madura con su textura, color y aroma nos lleva a
comerla, estamos contaminando el juicio de su belleza. Con el fin de
apreciar su belleza , piensa Kant que nuestra respuesta tiene que ser
desinteresada, independiente de su propósito y de las sensaciones
placenteras que produce.

29. En definitiva, Kant sostiene que la estética se experimenta
cuando un objeto sensorial estimula nuestras
emociones, intelecto e imaginación. Estas facultades son
activadas en un “libre juego” y no de una manera más centrada
y deliberada. El objeto bello atrae a nuestros sentidos, pero de
una manera fría y distanciada. La forma y el diseño de un objeto
bello son la clave del importantísimo rasgo de la
“intencionalidad sin intención”.

30. Los debates sobre el concepto de belleza los podemos
encontrara ya en la antigua Grecia del siglo V a C a partir de las
diferentes posiciones respecto a la tragedia griega:
Platón (427 – 347 a c) Aristóteles (384 – 322 a C)
• Examinó formas del arte como la • Defendió la tragedia en su poética
tragedia, al igual que la escultura, la argumentando que la imitación es algo
pintura, la cerámica, la natural que agrada a los seres
arquitectura, no como “arte”, sino humanos desde temprana edad y de
como habilidad artesana. Los la que incluso aprenden.
consideraba como ejemplos de • No creía que hubiera una esfera
“mimesis” o imitación. aparte de Ideas, como Platón. Para
• Criticaba todas las Aristóteles, la tragedia podría educar
imitaciones, incluyendo las atrayendo a la mente, los sentimientos
tragedias, por no describir las y los sentidos de las personas.
realidades ideales eternas: “Formas” • Si una tragedia muestra como hace
o “Ideas”. frente a la adversidad una persona
• La tragedia confundía al público buena, genera una purificación o
acerca de los valores: si los “catarsis” por medio de las emociones
personajes buenos experimentan del temor y la compasión.
trágicos fracasos, esto nos enseña

31. Según Platón, los que producían las artes de la imitación (los
mimetés) estaban alejados de la verdad y de lo real; ellos no hacían
cosas útiles (utensilios, muebles, etc.) sino meras
ilusiones, fantasmas o simulacros de esas mismas cosas.
Mímesis, según Platón, supone no sólo la producción de algo irreal
sino también que eso irreal debe dar la ilusión de realidad.
FRASCO CON CANICAS
BODEGÓN - Joaquín Laporte - 2007
Pedro Campos - 2006

32. Para Platón existe la Idea del Bien, a la que llama la “Idea de las Ideas”.
Mientras las Ideas son únicas (una sola idea de belleza, una sola idea de
igualdad, etc.) las que son inmutables, necesarias, universales y eternas;
las cosas sensibles son múltiples, mutables, temporales y
particulares, todas copias de la única Idea (del griego oidos = ver).
En Platón, el término idea hace referencia al aspecto inteligible de las
cosas.
En el libro X de la República, Platón ilustra esta posición a través del
ejemplo de las tres camas: en el mundo empírico existe una
multiplicidad de camas, mientras que en el mundo suprasensible
encontramos la Idea de cama, única y esencial:
• La Idea de cama – por la cual la cama es cama. Primer grado de
realidad.
• La cama sensible que fabrica el artesano, que es copia imperfecta, una
realidad degrada. Segundo grado de realidad.
• La imitación que hace el artista de la cama. Tercer grado de realidad

33. La descripción griega clásica del arte como imitación influyó en
otras áreas de la teoría del arte además de la tragedia. Por
ejemplo, Gombrich define a la historia del arte occidental
como la búsqueda de maneras cada vez más vívidas de presentar
la realidad. Sostiene que existen aún en el siglo XXI muchas
personas que prefieren una arte que “se parezca” a aquello por
ellos reconocible.
Retrato de
Eleonor
de Toledo
con su
hijo – Bodegón –
Angiolo Willem Kalf
Bronzino 1660
1545

34. El artista norteamericano Joseph Kosuth
(1945), reflexionó sobre esta postura de
Platón, sobre la diferencia entre realidad e
ilusión (y también convención) en una de
sus obras más emblemáticas de arte
conceptual: Una y tres sillas (1965)

35. La 1ª re-presentación de la silla (fotografía)
El objeto real: silla.
La 2ª re-presentación de la
silla (definición del
diccionario)
UNA Y TRES SILLAS - JOSEPH KOTUSH – 1965

36. LA ESTÉTICA EN EL SIGLO XX
En la modernidad, la relación de la belleza con las formas
sensibles se desconecta de los modelos ideológicos
impuestos extendiéndose, hacia finales del siglo XX, un
descrédito del uso de la belleza en las producciones
artísticas así como un rechazo al uso del concepto en la
Estética y como medida del arte.
La "muerte de la belleza" en los tiempos modernos es
resultado de la crisis histórica de la existencia de un
principio estético uniforme propugnando la
fragmentación cultural con la diversidad de las
representaciones humanas.

37. La modernidad se rebela contra
todo lo que es normativo, rompe
con las tradiciones, tiene la misión
de ser siempre innovadora y es en
ese sentido donde es efímera ya
que necesita reinventarse
constantemente o perder su
sentido de originalidad, y por lo
tanto perder su validez.
La negación es su fuerza
creadora, negación como ruptura
con lo ya establecido, negación
como rechazo a lo anterior.
Moverse siempre hacia
delante, dejando atrás lo que ya se
ha hecho antes, lo único realmente
valioso es aquello que innova, que
es original.

38. La dictadura de los paradigmas del Arte
Paradigma es un modelo invisible, un juicio
previo sobre algún ámbito determinado, un prejuicio
cuya función es definir los límites entre lo que es
correcto y lo que no debemos aceptar.
La adopción del paradigma nos sirve como
motivación y como marco de referencia que le da
una orientación definida a nuestro pensamiento,
pero cuando se lo adopta como una regla inviolable
oscurece todo lo que está más allá de sus límites y
dificulta su observación.

39. El paradigma neoclásico del siglo XIX le impidió a la elite
cultural francesa apreciar los valiosos atributos de la nueva
mirada que aportaban los impresionistas
BOUGUEREAU DEGAS

40. El posterior paradigma vanguardista acostumbró al público de
arte al desprecio de la pintura figurativa y precipitó el aluvión
de prohibiciones y tabúes que atraviesa la historia del arte
contemporáneo.
Alexei Butirskiy
Pablo Picasso

41. Las vanguardias de principios del siglo
XX, en especial, el dadaísmo y
surrealismo, imponen al arte un carácter
crítico, negativo, combativo e
iconoclasta, donde éste toma partido en la
revolución social y política propia de su
época.
Destruir es crear.

42. Déjenlo todo
Dejen Dada.
Dejen su esposa, dejen su
amante.
Dejen sus esperanzas y sus
temores.
Abandonen a sus hijos en
medio del bosque.
Suelten el pájaro en mano
por los cien que están
volando.
Dejen si es necesario una
vida cómoda, aquello que
se les
Presenta como una
situación con porvenir.
Salgan a los caminos.
André Breton - 1924

43. El panorama del arte y las
practicas artísticas han sufrido
profundas transformaciones, el
agotamiento de la modernidad y
la incorporación de nuevas
tecnologías en las
artes, determinan una profunda
revolución de las tradicionales
practicas artísticas. Un artista
visionario de estas
problemáticas, fue sin
duda, Marcel Duchamp. La
profunda revolución que provocan
sus ready-made, y su negación del
concepto de obra, lo sitúan como
un eslabón clave entre la
modernidad artística y el arte
posmoderno

44. El esfuerzo de Duchamp
consiste en sustituir la
pintura, por la pintura-
idea.
"El desnudo es un antimecanismo. La
primera ironía consiste en que no sabemos
siquiera si se trata un desnudo. Encerrado
en un corsé o malla metálica, es invisible.
Ese traje nos recuerda tanto a una
armadura medieval como a una carrocería
o a un fuselaje.” OCTAVIO PAZ
Desnudo bajando la escalera - 1912

45. Las características medulares
del ready -made se podrían
resumir de la siguiente forma:
son obras que remiten a
materiales sencillos; son objetos
cotidianos; son desechables; no
tienen gusto; son objetos
neutros. En términos
generales, el ready-made es un
pretexto para activar una serie
de ideas, donde lo central es
reflexión por el contexto de la
obra, idea que revoluciona la
tradicional lectura de obra. En
esta lógica, lo que determina
finalmente que simples objetos
pasen a constituirse en arte, es
la pérdida de la función de uso
del objeto.

46. Si bien, el dispositivo duchampiano del ready-made, produce
una profunda interrogante en lo relativo a la obra de arte, y su
materialidad. En el ámbito de la estética, surge
inmediatamente la pregunta ¿cómo aplicar el concepto de
gusto, en una obra que se aleja radicalmente de la noción de
obra?.
La crítica de Duchamp se instala en la médula de lo que se
conoce como "estética ", entendiendo por estética la disciplina
que en el siglo XVIII, logra enlazar los conceptos de arte y
belleza, que en la persona de Baumgarten toma el nombre de
doctrina del conocimiento sensible.

47. ¿Cuáles son las características o huellas de la profetizada
muerte del arte?
Resulta paradójico pensar en la visualización de la citada
muerte; sin embargo, hay gestos importantes que ponen en
evidencia el fin de una tradición visual occidental.
MALEVICH DUCHAMP

48. Desde el paleolítico hasta las figuras cubistas, existe la
sensibilidad de crear visualidad en función de presentar
objetos, ya sea como: mímesis, expresión, espiritualidad
etc., sin embargo, a un resultado completamente distinto
llegaron Duchamp y Malevich.
Estos dos artistas, alcanzaron el denominado grado cero en el
arte: se entiende por grado cero, cuando se han violado y
transgredido las normas básicas de una determinada
disciplina. La radicalidad de estos artistas consiste
precisamente en la negación del objeto, Duchamp a través de
la presentación del objeto (el ready -made como objeto
aestético) y Malevich a través de la no-presentación del
objeto, ( cuadro blanco sobre fondo blanco), estas acciones
rupturistas pusieron en evidencia la fragilidad de la visualidad
moderna , planteando un cambio de época o con otras
palabras la caída de los paradigmas estéticos modernos .

49. ¿MUERTE O REFORMULACIÓN DE LOS
PARADIGMAS?
Gracias a un decidido proceso de desconstrucción de
paradigmas plásticos heredados del academicismo
clásico; desarrollado por el dadaísmo, el cubismo, y otras
vanguardias durante la primera mitad del S. XX , se logró
apelar, a una nueva forma de percibir la
realidad, desentrañando a través de la mayoría de sus
pinturas, las diversas realidades formales, que subyacen a
la simple apariencia de los objetos. En síntesis, con las
vanguardias, la muerte del paradigma, dará paso, a una
manera distinta de ver, que permitió formular nuevos
significados.

50. “De vez en cuando tiene
que surgir un artista que
mande al diablo nuestra
ideas sobre el arte, para
que haya de nuevo
pintura.”
Willem de Kooning
(1904 – 1997)