Explica la renovación temática, técnica y formal de la escultura en la primera mitad del siglo xx

EXPLICA LA RENOVACIÓN
TEMÁTICA, TÉCNICA Y
FORMAL DE LA ESCULTURA
EN LA PRIMERA MITAD DEL
SIGLO XX

• La escultura
experimenta en el siglo
XX una revolución
radical, que levemente
se apuntaba ya en
algunos escultores
desde finales del siglo
anterior.
• Su evolución, más lenta
que la pintura, quizá se
deba a su mayor
supeditación al encargo
y a los costosos
materiales necesarios,
actuando como un
freno a la
experimentación.
http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html

Frente a la escultura
tradicional, normalmente
de una figura humana y con
una función
conmemorativa, simbólica,
sometida a normas
academicistas y con temas
heroicos, de personajes
célebres, mitológicos… y
una intención narrativa
Surgirá una nueva escultura
con un nuevo lenguaje
plástico, que no solo
abandonará esos temas,
sino también sus técnicas y
que valorará más los
aspectos meramente
escultóricos (modelado,
volumen, luz…) y expresivos
que su relación con un
tema o con la realidad,
llegando incluso a la
abstracción.

El lenguaje de la escultura,
definido en la Grecia clásica y
renovado en el Renacimiento y
neoclasicismo, había
permanecido más o menos
invariable hasta finales del
siglo XIX.
La gran muestra de las obras
de Auguste Rodin, en la
Exposición Universal de París
del año 1900, representó un
punto de inflexión que
empezaba a romper con los
planteamientos clásicos de la
tradición escultórica y
suscitaba el espíritu
experimental que llevaría a
nuevos comportamientos
artísticos. http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM10000
00b0c1e0aRCRD&vgnextchannel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=
es_ES
James Pradier: Friné
Rodin: El beso

Rodin, influenciado por Miguel Ángel,
fue pionero en una nueva escultura,
llena de expresión y fuerza interior y
que comenzó a valorar los aspectos
plásticos de la escultura frente a la mera
mímesis academicista.
Desdeñó la mímesis dominante en favor
de las imperfecciones y deformaciones
expresivas.
Los principales elementos de sus
esculturas serán la luz, el movimiento, el
análisis de los planos, así como los
valores meramente escultóricos.
En él se funde una técnica impresionista
que, con la rugosidad de las superficies
y la multiplicación de planos causada
por el movimiento, obtiene efectos de
luz cambiante.
http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf

• Dotaba a su trabajo de
gran fuerza psicológica,
expresada a través del
modelado y la textura.
• En el arte de Rodin se
funden una técnica
impresionista, que con la
rugosidad de las
superficies y la
multiplicación de
planos obtiene efectos de
luz, que subrayan
la profundidad vital y la
fuerza colosal que anima
las figuras.
http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-contempornea-rodin.html

• En los primeros años
del siglo XX se
manifiesta la
influencia de Rodin
en numerosos
escultores, de
tendencia más bien
conservadora y
clásica (predominio
de la figuración o
realismo en las
formas, uso de
técnicas y materiales
tradicionales).

• Antonio Bourdelle
(1861-1929), discípulo
de Rodin, mostró gran
interés por la
escultura arcaica
griega y la románica,
su escultura es
naturalista y clásica.
• Se caracteriza por el
culto a la fuerza y su
interés por
representar el
volumen, de formas
geométricas y
proporcionadas.

Arístides Maillol (1861-1944), también francés, se mueve dentro de la tradición clásica.
Centra su interés en las formas puras, sin preocuparse por los detalles y elementos
accesorios. Se distingue por su concepción del volumen: simple, redondeado y de
modelado liso. Su tema central es el desnudo femenino, robusto, de formas opulentas,
compactas y pesadas.

• El arte escultórico
experimenta la revolución
más radical de su historia en
el siglo XX, en paralelo y a
remolque de los cambios
experimentados por la
pintura.
• Casi toda la escultura desde la
Antigüedad expresaba la
figura humana y, en menor
grado, la animal con fines
estéticos o expresivos,
siempre en el sentido de
mímesis.
• Pues bien, en el siglo XX, al
igual que había sucedido en
pintura (son movimientos o
fenómenos paralelos), la obra
escultórica expresará algo
totalmente distinto.
http://perseo.sabuco.com/historia/escyarqsigloxx.pdf
Naum Gabo: Columna, 1923

• El alejamiento de la
realidad.
• El hueco.
• La deformación.
• La incorporación del
espacio.
• La abstracción.
• El movimiento.
• La luz.
• Nuevos materiales.
• Nuevas técnicas.
Algunas de las principales innovaciones de la escultura del
siglo XX son:
Jean Arp: Escultura perdida en el bosque, 1932

El hueco: crea formas, como el silencio
en la obra musical (Archipenko,
Gargallo).
El escultor fragmenta y cuartea el
volumen de la masa escultórica para
penetrar en las formas de las figuras
mediante el hueco, explotando sus
posibilidades expresivas.
http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
http://ies.alamedadeosuna.madrid.educa.madrid.org/arte/temas/tescu20.htm
Pablo Gargallo: El Gran Profeta
Pablo
Gargallo:
Greta Garbo

• Durante más de dos milenios la
escultura fue entendida como el
arte de ocupar el espacio con un
volumen de un determinado
material, ahora se concede
especial importancia al vacío, a
los huecos, como al silencio en la
música.
Jacques Lipchitz: Mujer reclinada con guitarra
Alexander Archipenko: Mujer andando

Surgirán nuevas formas. El
antinaturalismo, la deformación y la
estilización serán recursos
fundamentales del artista, mediante las
que explorarán nuevas posibilidades
expresivas (Moore, Giacometti).
Henry Moore: Figura reclinada, 1938
Alberto Giacometti: El hombre que camina, 1960

• La búsqueda de las nuevas estructuras esenciales de las
figuras, humanas o animales, para destacar la naturaleza
del material o su forma más esencial.
• La deformación del modelo, un recurso tradicional del
artista con el que se descubren nuevas posibilidades
expresivas.
• La descomposición y geometrización del volumen y la
forma.
Henry Moore: Grupo
familiar, 1948-49
Constantin
Brancusi: Pájaro,
1912
Picasso: Cabeza de
mujer, 1909/10

• La incorporación del espacio: la escultura
se funde con su entorno mediante el
desarrollo de las superficies en el espacio
(constructivistas rusos, Pevsner).
http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf
Anton Pevsner: Superficie
desenrollable, 1936
Anton Pevsner:
Mundo, 1947

En contraste con esas formas abiertas, que se desarrollan hacia el espacio,
otros artistas explorarán formas compactas, cerradas, resaltando el valor
plástico de la materia.
http://clio.rediris.es/n34/arte/24%20La%20Escultura%20Contemporanea.pdf
Constantin Brancusi: El comienzo del
mundo (1920) y El beso (1912)

• En estos procesos
de geometrización,
estilización y
depuración formal,
será fundamental
la influencia de las
máscaras del arte
africano, de
Oceanía y otros
artes primitivos, al
igual que el arte
griego de las islas
Cícladas, por su
capacidad
expresiva mediante
el empleo de
formas simples.
Constantin Brancusi: El primer paso, 1913

Influencia del arte primitivo y de culturas exóticas:
.
http://www.arsgravis.com/?p=142

• La abstracción:
Se desarrollarán formas
expresivas sin apoyo
alguno con la realidad y
renovarán el léxico
escultórico
(constructivistas rusos,
Calder, Hans Arp…).
Serán los constructivistas
rusos los que comenzarán
a realizar las primeras
esculturas sin referencia
alguna con la realidad.
Vladimir Tatlin: Contrarrelieve en esquina, 1914

• Mediante la abstracción, el uso de formas sin apoyo en la realidad, se
produce una renovación del lenguaje escultórico que ya no será más un
“arte de imitación”.
Alexander Calder : Trampa para
langostas y cola de pez, 1939

En cualquier caso, y aunque no se
llegue a la abstración:
• La escultura cobra valor en sí
misma, se independiza fuera
de un conjunto o de un
ambiente determinado, no
tiene porqué referirse
directamente a un tema
y tiende, igual que la pintura, a
la deformación y se valoran sus
aspectos plásticos y expresivos.
• Se desentiende
progresivamente de
las apariencias realistas, de la
mímesis, sobre todo por
influencia del cubismo, del
futurismo y el
constructivismo.
http://tuscienciassociales-teodosio.blogspot.com.es/2013/10/bienvenidos-al-curso-guia-de-trabajo_6.html
Julo González: Hombre cactus, 1939

• La plasmación del movimiento:
representación del dinamismo, unión de
la energía y la forma, llegando a las
esculturas-máquinas (Futuristas, Calder).
Umberto Boccioni:
Formas únicas de
continuidad en el espacio,
1913
Alexander Calder: Mobile-Stabile

• La escultura
tradicional había
reflejado el
movimiento fijo, como
en una instantánea.
• Los escultores
futuristas
superpondrán
láminas, emplearán
líneas dinámicas de
fuerza o
descompondrán las
superficies y los
volúmenes para
presentar posiciones
sucesivas de una
figura.
Umberto Boccioni: Guerrero con lanza, 1915

El siguiente paso será la
incorporación del
espacio en movimiento
en la propia escultura.
El volumen abierto
genera formas de
continuidad en el
espacio, posiciones
sucesivas en las que la
figura “conquista”
fragmentos de espacio.
Las formas se diluyen
por efecto del
movimiento.
Umberto Boccioni: Formas únicas de continuidad en el espacio, 1913

El último paso lo da la escultura cinética, inspiradora de obras que se sostienen de manera
inestable sobre un precario punto de apoyo, que cuelgan y que giran con el viento o que se
mueven de forma continua por un sistema descompensado de pesos.
Así surgen, por ejemplo, los Móviles de Alexander Calder, aunque ya la primera escultura
cinética la crearon los constructivistas rusos.

Importancia de la luz:
Muchos artistas realizan
obras para ser situadas al
aire libre y estudian
cuidadosamente la
ubicación en su entorno;
otros buscan efectos en el
contraste de luz y sombra
producido por el juego de
vacíos y de masas
escultóricas (Gargallo),
estudiando los efectos de
la luz a través de los
huecos dentro de la obra y
haciéndola parte de la obra
escultórica.
Pablo Gargallo: Homenaje a Chagall, 1933

Contrastes de texturas: Los escultores explotarán las cualidades expresivas de los materiales
y del acabado, así como el contraste entre las superficies (algunas cuidadosamente pulidas,
otras con texturas rugosas, empleando el non finito y los contrastes de materiales,
incorporando a veces la peana a la propia escultura.
Constantin Brancusi: Princesa X
(1920) y El beso (1907)

Si bien se
mantendrán
materiales
tradicionales como
el mármol, la
madera y el bronce,
toman auge nuevos
materiales, como el
hierro, el acero,
vidrio, materiales
reciclados, nuevos
materiales sintéticos
e industriales (y
posteriormente
hormigón, plásticos,
resinas, poliéster,
polietileno, látex…,
especialmente en la
segunda mitad del
siglo), o incluso
objetos reciclados.

Picasso y Julio González serán los primeros en emplear el hierro no mediante
técnicas de fundición, sino usando el hierro forjado y soldado como material
escultórico, a través de la técnica industrial de la soldadura autógena.
Picasso: Proyecto de monumento a Guillaume Apollinaire,
1929
Picasso y Julio González: Mujer en el jardín,
1929-32

Incluso, algunos
artistas iniciarán
el empleo de
nuevos materiales
sintéticos, que
tanto éxito
tendrán en la
segunda mitad del
siglo, como hace
Naum Gabo en su
Columna (1923),
con acero
inoxidable y
plexiglás.
Picasso y Julio González: Mujer en el jardín,
1929-32

Experimentación del valor expresivo de
nuevos materiales, incluso de desecho, y
realización de obras escultóricas
empleando objetos apenas manipulados,
como hicieron los dadaístas (Duchamp),
los surrealistas (Dalí) y luego otras
tendencias posteriores a la Segunda
Guerra Mundial.
Picasso: Cabeza de
toro, 1942
Kurt Schwitters Merz Picture 46 A Skittle Picture, 1921
¿Pintura, escultura?

• La aproximación al concepto de obra de arte de cualquier objeto tridimensional,
convenientemente sometido a la acción o a la interpretación del creador: los ready-
made dadaístas o los ensamblajes de Picasso y, los futuristas y los dadaístas harán
que cualquier objeto se pueda convertir en obra de arte.
Marcel Duchamp.
Fuente, 1922
Picasso: Guitarra,
1912

• También se combinarán diferentes materiales, dando lugar a los llamados ensamblajes,
que ya había iniciado Rodin.
Umberto Boccioni:
Fusión de una cabeza y
una ventana, 1911-12.
Madera, yeso, pelo,
vidrio.
Picasso: Guitarra,
1912. Cartón,
alambre, cuerdas

Integración de formas
tridimensionales y
superficies pictóricas,
en busca de una obra
de arte integral.
Escultura y pintura
pierden su autonomía
en aras de la libertad
del artista que es quien
decide lo que se puede
y lo que no se puede
hacer.
Los primeros pasos
están ligados al
movimiento Dadá,
como, por ejemplo, los
relieves coloreados
de Jean Arp o los Merz
de Kurt Schwitters.

Nuevas técnicas:
Junto a las tradicionales técnicas de
modelado, tallado o fundido, se
desarrollarán otras, muchas propias del
mundo industrial o moderno, tales como:
• Esculpido o talla directa, sin
modelados previos.
• Forja de hierro, dando formas a
planchas o piezas.
• Soldadura autógena, que permitirá
unir piezas de metal, sobre todo
hierro.
• Ensamblaje de diferentes materiales
ya existentes para crear una nueva
obra.
• Ready-made.
• Vaciado en cemento u hormigón.
• Irán surgiendo también lo que luego se
llamarán Instalaciones.
Dalí: Busto de mujer
retrospectivo, 1933

Nuevos temas:
• Se desarrollarán
nuevos temas,
abandonando los
tradicionales de
carácter heroico,
mitológico, simbólico
o el retrato, todos
aquellos basados en la
imitación de la
naturaleza y se
incorporarán otros,
muchas veces
vinculados a los
sentimientos internos
del artista o a los
problemas del hombre
del siglo XX… o,
incluso, no tendrán un
tema concreto y serán
solo formas plásticas.
http://martin-cano.galeon.com/artesignifica.htm
Julio González: La Montserrat
gritando, 1938/39
Henry Moore: Óvalo con puntas,
1968-70

Nuevos temas:
No serán extrañas las
esculturas que
expresen dolor,
sufrimiento, angustia,
desesperación, terror,
soledad, opresión, la
fugacidad de la vida y
del tiempo…o las
críticas hacia lo
tradicional... propios
de los convulsos
tiempos del siglo XX.
http://martin-cano.galeon.com/artesignifica.htm
Julio González:
La Montserrat,
1936/37
Alberto Giacometti

http://es.slideshare.net/TICjuanelo/16-el-arte-del-siglo-xx

Constantin Brancusi es una de las
grandes personalidades de la escultura
del siglo XX.
De espíritu independiente, este
rumano, influido por el arte primitivo
africano y el tradicional rumano,
experimenta cómo penetrar más allá
de la apariencia, hasta llegar a la
esencia y alcanzar la belleza
eliminando detalles y simplificando al
máximo las formas, buscando formas
puras.
A pesar de llegar a una extraordinaria
estilización no acepta el arte no-
figurativo; el punto de partida es
siempre algo real.
Trabajó el bronce, la piedra y la
madera.
El beso , 1907
El recién nacido, 1920

Evolucionó
progresivamente
hacia una mayor
esencialidad formal
para crear formas
puras y elementales.
En sus obras,
Brancusi buscaba una
belleza pura y
espiritual, expresada
a través de sus
figuras favoritas (el
pájaro, el huevo, las
cabezas femeninas…)
reducidas a sus
formas más
elementales.
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/brancusi.htm
Musa dormida, 1910
El pájaro,
1925.
Princesa X, 1925

Es uno de los grandes de los
innovadores del lenguaje
escultórico.
Su estilización formal se lleva al
máximo en su Pájaro en el espacio
(1925), que no transmite la
imagen de un pájaro, sino la de su
poder para elevarse en lo alto, la
esencia del vuelo Depura al
máximo la forma, la estiliza hasta
parecer una pluma que no pesa…
los reflejos parecen
desmaterializarla.
Empleará volúmenes cerrados y
será muy habitual incluir el
pedestal en la propia escultura,
contrastando la pesadez de la
piedra con la ligereza del metal
del pájaro.
El pájaro,
1925.
Maiastra, 1910

A diferencia de la mayoría de los
maestros del siglo XX, le atrae el
volumen cerrado, tradicional,
simbolismo y estilización.
Busca la máxima depuración
formal hasta alcanzar lo
absoluto en cuanto a perfección
y despojamiento anecdótico:
Torso mujer joven.
Material: Onyx.
Mademoiselle Pogany
II- 1920
“La realidad interior, oculta, la esencia
inherente a las cosas en su naturaleza
invariable.”
Obra
seleccionada
EBAU

http://vacioesformaformaesvacio.blogspot.com.es/2012/09/constantin-brancusi.html
Lo primordial, lo
salvaje y lo arcaico
constituyen, un
componente esencial
de los vanguardistas
contra el arte oficial.
Es justamente en la
época en que
Brancusi llega a París,
cuando los artistas de
vanguardia estaban
descubriendo el arte
negro, los fetiches y
las máscaras de
Oceanía, lo que
influye en Brancusi
para avanzar hacia
formas de un
sintetismo plástico
primitivo.
Mademoiselle Pogany
I- 1913-1915
Obra
seleccionada
EBAU
Mademoiselle
Pogany II- 1920

https://www.slideshare.net/PepemartinB/escultura-en-la-primera-mitad-del-siglo-xx
Obra
seleccionada
EBAU

Podría decirse que
Brancusi buscaba las
pureza de las formas,
pero que éstas no eran
más que un pretexto para
mostrarnos el espíritu, lo
inmaterial, lo
permanente.
Tal vez ello explique
porqué muchas de sus
esculturas presentan esas
formas alargadas tan
características, como si
quisieran soltarse de sus
pedestales y romper a
volar, libres de toda
atadura.
Columna al infinito, 1938
http://historiadelartemiguelcatalan.blogspot.com.es/2010/04/el-arte-de-la-primera-mitad-del-siglo_27.html

La unión de dos personas al besarse,
que está determinada por el bloque de
piedra en el que se representan.
Se fundamenta en componentes
escultóricos, en aspectos que
pertenecen la propia naturaleza de la
escultura como son el volumen, la
masa, la textura y la sencillez
compositiva.
Tiene una fuerte influencia del
primitivismo en el modo de
representar los ojos, la incisión del
cuerpo, el cabello ondulado, los brazos,
etc.
En El Beso se aprecia la búsqueda de la
esencia y la simplificación de la forma.
Realiza la talla directa sobre la piedra,
acentuando el primitivismo y la
simplicidad.
http://www.arteespana.com/constantinbrancusi.htm
El beso (1912)

http://es.slideshare.net/manoloavila/escultura-9432037

LA ESCULTURA Y LAS
VANGUARDIAS

• Las vanguardias históricas de las
primeras décadas del siglo XX
abren de par en par las
posibilidades expresivas,
renovando el lenguaje escultórico
hasta límites insospechados.
• Los escultores vanguardistas
experimentan con todo tipo de
ideas, conceptos, técnicas y
procedimientos, y explotan las
posibilidades de los nuevos
materiales que la industria pone a
su alcance.
http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextchan
nel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES
Picasso: Guitarra,
1912. Cartón,
alambre, cuerdas

En este sentido, las aportaciones del Cubismo, del Expresionismo, del
Constructivismo, del Futurismo, del Surrealismo, del Dadaísmo, etc., han sido
fundamentales para la concepción de la escultura tal como la entendemos hoy en
día.

El Cubismo supone la ruptura
definitiva con la tradición.
La representación tradicional pierde
su omnipresencia para dejar paso a
las formas
geométricas, al análisis desde
diferentes puntos de vista, a la
superposición de planos, a la visión
simultánea.
Picasso descompone
geométricamente en facetas el
busto de la mujer, como en la
pintura, fragmenta el objeto y lo
sustituye por planos geométricos
que se yuxtaponen: formas cóncavas
y convexas, como las facetas en
pintura, crean el objeto escultórico.
Picasso: Cabeza de
mujer
(Fernande), 1909

La descomposición en
planos cubista abre
nuevas posibilidades de
explorar el espacio, los
volúmenes,
geometrizando formas,
jugando con los contrastes
entre espacios llenos y
vacíos… jugando con las
formas y el vacío, con las
luces…
El espectador debe
recrear la obra de arte
contemplándola desde
diferentes puntos de vista,
reconstruyendo las formas
y volúmenes en que se ha
descompuesto la forma.
Jacques Lipchitz: Bañista, 1917

La escultura presentará huecos y vacíos entre las superficies, dando lugar a una nueva estética de la
ausencia de masa. Los escultores cubistas introducirán el vacío.
El escultor no define ya volúmenes sino espacios, y su método de trabajo tiende idealmente a
parecerse cada vez más al de los arquitectos. Artistas como Jacques Lipchitz y Alexander Archipenko
descubrirán el valor plástico del espacio vacío: el hueco y la masa escultórica se relacionan
dinámicamente, se interpenetran.
Jacques Lipchitz: Mujer
reclinada con guitarra, 1928
Alexander Archipenko: Mujer
caminando, 1912

• Las repercusiones del
cubismo en la escultura
no serán menos
importantes que en la
pintura.
• Desaparecen los últimos
restos de naturalismo y,
de modo paralelo al
collage en dos
dimensiones, surge la
escultura construida, a
veces, con materiales de
desecho: son los
comienzos del
ensamblaje.
• Picasso introducirá
nuevos materiales
(chapa, cartón, alambre,
cordeles), que cobrarán
vida propia con su
manipulación.
Picasso: Guitarras

http://es.slideshare.net/elprofeleo/bloque-5
Picasso: La cabra, 1950

Otros artistas que, desde
diferentes perspectivas,
aplicaron los preceptos
cubistas a la escultura fueron
Alexander Archipenko (1887-
1964) y Jacques
Lipchitz (1891-1973).
En sus obras se percibe la
articulación de planos y la
síntesis de formas propias del
cubismo, así como la
incorporación del espacio al
lenguaje escultórico.
http://www.hiru.eus/arte/la-escultura-del-siglo-xx

Alexander Archipenko es el introductor del hueco o del vacío en la masa escultórica, al
mismo tiempo que aplica los experimentos cubistas, progresando en la concepción de la
escultura como collage: Mujer andando; Mujer peinándose, Carrusel Pierrot...

Jacques Lipchitz es uno de los pioneros del Cubismo en la escultura . Recibió el
influjo de la escultura primitiva africana, de sus cualidades mágicas y misteriosas.
Descomposición de la figura en volúmenes geométricos, presencia del vacío en la
escultura, geometrización. Formas simples, de influencia del cubismo sintético.
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=296
Jacques Lipchitz: Mujer
recostada con guitarra, 1928

Julio González es una figura
fundamental en el periodo en
entreguerras.
Catalán, de familia de
orfebres, se traslada a París
desde 1900, donde realiza
dibujos, pinturas, trabajos de
orfebrería y escultura en
bronce.
Será el primero en utilizar el
hierro de forma sistemática,
que le permitirá explotar al
máximo la descomposición
formal en planos y el juego de
espacios compactos y vacíos
iniciado por el cubismo,
mediante la técnica de la
soldadura autógena.
Dafne, 1937

Es el iniciador de la forja
como técnica e incorpora el
sistema de la soldadura
autógena, que aprendió
trabajando como soldador.
Su producción se inicia con
chapas recortadas y soldadas
de vinculación cubista para ir
abandonando las referencias
figurativas hasta componer
figuras con delgados hierros
casi abstractos o de ecos
surreales.
Sólo en alguna ocasión
(Guerra Civil) vuelve a un
realismo desgarrado, como
en Montserrat gritando.
Mujer sentada. Hierro y madera pintada. Forja y soldadura, 1935

La formación artesanal (forja,
repujado, fundición, etc.) y, sobre
todo, el dominio de la soldadura
autógena, técnica que aprendió en
una fábrica francesa, son las bases
sobre las cuales González edifica su
particular lenguaje escultórico
convirtiéndose en un maestro de la
escultura moderna en hierro.
Su obra es calificada a menudo de
abstracta, aunque siempre se mueve
entre la figuración y la abstracción
con añadidos del cubismo y del
surrealismo.
Crea una nueva manera de entender
la escultura con la fusión expresiva
entre la materia y el espacio, con el
juego entre lo vacío y lo lleno, que él
definía con la idea de 'dibujar en el
espacio'.
Monsieur
Cactus, 1939

• Es el gran innovador
de la escultura en
hierro, a la que se
unirá más tarde
Gargallo
• Julio González parte de
planteamientos
cubistas pero llega
prácticamente a la
abstracción,
modelando poliedros
abruptos, formas
contrapuestas y líneas
y espacios
puntiagudos, como en
sus obras Mujer
sentada, Mujer ante el
espejo y Mujer
peinándose
Obra
seleccionada
EBAU
Mujer ante el espejo, 1934

Consideraba que la
escultura es “dibujo
en el espacio” y
realizó esculturas
muy depuradas,
estilizadas,
compuestas por
formas y planos de
hierro fundidas con
delgadas varillas
metálicas.
Sus esculturas se
fundamentan en la
síntesis esquemática
de formas del natural
y evolucionan hacia
la abstracción.
https://www.slideshare.net/PepemartinB/escultura-en-la-primera-mitad-del-siglo-xx Mujer ante el espejo, 1934
Obra
seleccionada
EBAU

Entre sus esculturas más
destacadas hay que citar 'Mujer
con espejo' (1936-1937).
Se trata de una obra de
estructura vertical, de
apariencia semi-abstracta,
realizada con diversos recortes
de hierro soldados, que parte
del esquema simplificado de
una mujer peinándose.
Es una obra donde la materia y
el espacio se complementan de
manera especialmente
sugerente y expresiva.
Su gestualidad pone en relación,
de manera integradora, las
formas orgánicas y
antropocéntricas con la
abstracción.
Obra
seleccionada
EBAU

Hay que mencionar también 'La
Montserrat' (1936-37), una obra
más figurativa y naturalista, pero
de intenso expresionismo que
representa a una mujer con una
criatura en brazos y que se ha
convertido en un icono del
rechazo a la guerra y a sus
horrores.
Se presentó en el Pabellón de la
República Española de la
Exposición Internacional de París
de 1937, junto con el 'Guernica'
de Picasso y el 'Segador' de Miró.
Puede ser considerada también
una representación mítica de
Cataluña, un testimonio del
padecimiento del pueblo catalán
ante la agresión fascista y un
manifiesto a favor de la libertad.

El escultor norteamericano David Smith (1906-1965) fue uno de los primeros en
subrayar el papel fundamental que representa el lenguaje personal de González en
la historia de la escultura moderna.
La escultura de González ha influido, de una manera u otra, en la obra de escultores
posteriores como David Smith, el británico Anthony Caro, los vascos Eduardo
Chillida y Jorge Oteiza o el valenciano Andreu Alfaro.

Pablo Gargallo (1881-
1934)
Es un gran artesano que
trabaja sobre todo con el
metal y, especialmente,
con chapas de hierro
dándoles formas cubistas,
aprovechando los
espacios vacíos, las
aristas, dotándolas de
fuerza.
El cubismo le suministra
la metodología y él le
aporta una gran visión
expresiva. Será uno de los
que mejor experimentará
el efecto expresivo del
hueco en la escultura, del
espacio vacío.
http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.html http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html
Gran Bailarina,
1929
Arlequín con flauta, 1931
Bacante, 1932

Formado en el Modernismo y luego
influido por la obra de Maillol,
mantuvo en su obra dos opciones: una
tradicional de volúmenes plenos y otra
más ligada al Cubismo.
Descubre en las planchas de hierro su
configuración geométrica, y aprovecha
los contrastes entre los espacios
vacíos y los macizos, las aristas, para
dotar de fuerza a sus obras.
El Profeta es su obra más conocida, de
formas cubistas pero con un lenguaje
expresionista. Sus huecos, aristas y
formas curvadas sugieren músculos,
rasgos faciales, volumen y una enorme
fuerza interior.

Viaja a París y descubre el arte
primitivo y el cubismo de
Picasso y Braque.
Comienza a emplear nuevos
materiales como el hierro, el
plomo o el cobre.
Sus primeras obras en metal
datan de 1913.
Su inclusión de la forma
abierta y el vacío, así como la
introducción de la línea en
escultura le sitúan entre los
creadores de un nuevo
lenguaje escultórico.
Pablo Gargallo: Homenaje a Chagall, 1933

Descompone y sintetiza las formas y utiliza el espacio vacío, el hueco, como
un elemento constitutivo y expresivo de su escultura.
Detalles de El Gran Profeta y la
Gran Bailarina

El estilo de Gargallo es un estilo
personal con influencias cubistas y
expresionistas:
• Descomposición del volumen en
planos geométricos
yuxtaponiendo formas
geométricas cóncavas y convexas,
con apenas unas líneas mediante
la incorporación de varillas
curvadas o planchas o láminas de
bronce o hierro que se ensamblan
con las que crea formas simbólicas
y estilizadas
• Considera la forma escultórica no
como imitación de la realidad
sino como un nuevo volumen
formado por macizos y vacíos.
http://nolomaccesopaeg.blogspot.com.es/p/blog-page_64.html

https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/gargallo-pablo/a5f1c2b0-a693-483b-aba8-1b9207cb137d
Aprende de su amigo Julio González la técnica
de la soldadura autógena y en 1929 inicia su
época del hierro, material en el que realiza
primero en chapa y después en plancha,
numerosas esculturas, hechas con recortes
soldados de hierro u otros metales.
Gran Bailarina,
1929

Entre sus obras más conocidas podemos citar los Tres retratos de la actriz Greta Garbo (1930-
1931), en los que las chapas de hierro recortadas tan sólo dibujan perfiles, algunos
elementos aislados (un ojo, un tirabuzón del pelo, la nariz, etc.) o contornos del rostro y
donde el espacio se convierte en la materia constitutiva de la obra.

Modelos y retrato de Greta Garbo, 1930-31

Su obra más famosa es el 'Gran
profeta' (1933).
Se trata de una escultura
monumental que quiere
aparentar estar construida con
fragmentos añadidos a la
manera del 'collage' pero que
responde, más bien, a los
conceptos del modelado y
fundido tradicional; una obra
que pretende ser vanguardista
y experimental pero que
conserva un regusto
académico.
Integra el vacío como
elemento plástico y expresivo,
jugando con volúmenes y
líneas rectas y curvas, con lo
macizo y el hueco.
http://www.gencat.cat/culturcat/portal/site/culturacatalana/menuitem.be2bc4cc4c5aec88f94a9710b0c0e1a0/es_ES/index78ab.html?vgnextoid=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextch
annel=d07cef2126896210VgnVCM1000000b0c1e0aRCRD&vgnextfmt=detall2&contentid=8b91110e279d7210VgnVCM1000008d0c1e0aRCRD&newLang=es_ES
Obra
seleccionada
EBAU

http://es.slideshare.net/TICjuanelo/16-el-arte-del-siglo-xx
Obra
seleccionada
EBAU

En “El Profeta” combina lo positivo y lo negativo, la masa y el
hueco, lo cóncavo y lo convexo, creando multiplicidad de planos,
volúmenes y contravolúmenes en el más puro estilo cubista pero
sirviéndose del espacio interno, con una enorme expresividad.
Obra
seleccionada
EBAU

Futurismo:
La escultura
del futurismo italiano
aportará dinamismo y
percepción de
movimiento a los
principios cubistas de
descomposición del
objeto y de visión
múltiple.
El más destacado
escultor futurista
fue Umberto
Boccioni (1882-1916).
Umberto Boccioni: Guerrero con lanza, 1915

• Boccioni es el mejor
representante de la escultura
futurista. Sus obras tratan de
representar el movimiento a
partir de posiciones sucesivas, en
las que la figura "conquista"
fragmentos del espacio.
• El manifiesto futurista defiende
que “Un coche de carreras es más
bello que la Victoria de
Samotracia”, basa su arte en el
movimiento aerodinámico, la
velocidad y las formas variables, lo
moderno, la máquina.
• En Formas únicas de continuidad
en el espacio (1913), los planos y
formas descompuestas acentúan
el movimiento.
• Intenta dar movimiento en la
escultura, para dar a la obra de
arte dinamicidad y agitación.
Obra
seleccionada
EBAU

• La forma de conseguirlo es romper las
líneas cerradas en las que la escultura
tradicional envolvía su volumen, de tal
forma que sus límites queden
imprecisos e indeterminados para el
espectador.
• La escultura podría contemplarse como
una figura que avanza imparable a
gran velocidad, sensación que se
transmite abriendo el contorno de la
pieza a base de multiplicar planos y
ángulos de visión.
• Los planos se desarrollan en el espacio,
de descomponen, figura, ropas,
espacio se diluyen en el espacio…
como en una fotografía “movida” por
la velocidad.
http://historiadelartemiguelcatalan.blogspot.com.es/2010/04/el-arte-de-la-primera-mitad-del-siglo_27.html https://es.wikipedia.org/wiki/Futurismo
Obra
seleccionada
EBAU

http://es.slideshare.net/cherepaja/artes-plsticas-en-la-primera-mitad-del-siglo-xx
Obra seleccionada
EBAU

En su afán por un
arte nuevo, que
rompa con toda la
tradición anterior,
experimentarán
nuevos materiales, a
ser posible propios
del mundo moderno
(frente a los
tradicionales mármol
o bronce),
ensamblándolos.
Umberto Boccioni: Cabeza+ Casa +Luz, ensamblaje, 1912

El constructivismo
ruso, en su afán por crear un
nuevo lenguaje para la nueva
sociedad rusa, orientado al
maquinismo y al uso de materiales
industriales aportará a la escultura
el alejamiento total de la realidad y
–por primera vez- aparecerá la
escultura abstracta, basada en
formas geométricas simples.
Vladimir Tatlin: Contrarrelieve en esquina, 1914
Naum Gabo:
"Cabeza de
mujer" (1917-
1920).

Pretenderán realizar un arte
nuevo para el pueblo y el nuevo
sistema soviético, fundiendo en
formas abstractas arquitectura
y escultura, como el enorme y
no construido Monumento a la
III Internacional (1920).
Una doble estructura helicoidal
aloja un cubo, una pirámide, un
cilindro y una semiesfera, que
rotarían cada uno a un ritmo
distinto.
Iba a construirse empleando los
materiales modernos (hierro,
vidrio, acero y cristal) mediante
formas geométricas simples en
el nuevo lenguaje del mundo
socialista, como homenaje.
Vladimir Tatlin: Proyecto
Monumento a la III Internacional
1920

Los hermanos Anton Pevsner y
Naum Gabo explorarán las
posibilidades de esa formas
abstractas geométricas, la belleza
objetiva de las formas puras.
Se interesarán por la forma al
margen de la masa, del volumen
tradicional, prefiriendo un
desarrollo de las superficies en el
espacio.
Se abandona el concepto de masa
tradicional escultórica en pos de
una nueva valoración de la
profundidad del espacio y del
vacío, por la interrelación entre la
obra y el espacio que le rodea.
http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html http://www.faena.com/aleph/es/articles/el-manifiesto-constructivista-el-arte-como-expresion-de-la-vida/
Naum Gabo. Construcción lineal nº 2

Naum Gabo realizará
formas puras, empleará los
nuevos materiales y llegará
a aplicar teoremas
matemáticos de ingeniería
a sus superficies, siendo el
primero en realizar la
primera escultura cinética
del mundo, consistente en
una lámina que vibra por el
impulso de un motor, y que
demuestra cómo una
superficie se convierte
virtualmente en un
volumen.
Parece que incorpora la
dimensión del tiempo a las
tres tradicionales
dimensiones de la
escultura.
Naum Gabo.
Columna.
1923.
Naum Gabo. Construcción
cinética, 1920

Anton Pevsner se interesará por el desarrollo
geométrico de líneas y superficies en el
espacio, que configurarán una escultura
abierta, normalmente mediante
construcciones helicoidales, de aspecto
ligero y que exploran la proyección de formas
escultóricas simples hacia el espacio.
Anton Pevsner. Proyección en el espacio. 1924
Anton Pevsner. Superficie
desarrollable, 1938-39

El expresionismo será una constante del lenguaje escultórico, muy explorada en el
siglo XX. Los artistas descubren la intensidad expresiva de la deformación y del gesto
crispado, formas angulosas, para expresar su visión angustiosa de la realidad.
Emplearán la deformación y el propio tratamiento de los materiales como elemento
expresivo.
Julio González: Montserrat gritando,
1937
Wi lhem Lehbruck: Hombre caído,
1915

Wilhelm Lehmbruck:
• Personajes estilizados, aislados,
reflexivos.
• Distorsión.
• Cierta melancolía.
• Agonía, miseria.
• Rostros inexpresivos o incluso
ausentes.
• Desnudos angulares, que
expresaban tanto dignidad como
desesperación

La intensificación expresiva mediante deformaciones, con tendencia
al dramatismo, con formas angulosas y estilizadas (influencia del
expresionismo medieval nórdico) se aprecia en las esculturas de Ernst
Barlach, que realizó numerosas tallas en madera
Ernst Barlach: El mendigo. Catedral de
Ratzeburg, 1930
Ernst Barlach: El vengador. 1914
Ernst Barlach: El ángel flotante, 1927

La tragedia de la II Guerra
Mundial provocó de nuevo
una vuelta al Expresionismo
o Neoexpresionismo,
ahondando los escultores en
las deformaciones y en los
gestos de angustia y en
formas geométricas
gesticulantes, como el
ruso Ossip Zadkine (que
parte de la estética cubista),
cuya obra La ciudad
destruida (1951) es un
monumento conmemorativo
a la destrucción de la ciudad
holandesa de Rotterdam, a
la vez que un testimonio de
la capacidad de destrucción
del hombre.

Pablo Serrano.
Aún siendo posterior, parte de la
obra de este artista aragonés es un
ejemplo de escultura de enorme
potencial expresivo.
Aborda los temas que le preocupan
(el hombre, la muerte, la vida, Dios,
la comunicación…) y en sus retratos
emplea una técnica expresionista,
dotándoles de enorme hondura
psicológica, tratando de reflejar el
alma de la persona retratada.
Para ello emplea contrastes de
formas, texturas, aristas… tratando
de que la escultura sea un reflejo del
interior, de la personalidad interior
del retratado.
Pablo Serrano: Miguel de Unamuno, 1968

El Dadaísmo:
Su carácter inconformista,
irónico, radical y revolucionario
influyó poderosamente en la
escultura.
Frente al arte convencional y
sus técnicas y materiales
elevan a la categoría de arte
objetos y materiales de uso
cotidiano o de desecho.
La escultura-objeto, el ready-
made, el ensamblaje, los
cuadros tridimensionales son
alguna de sus principales
aportaciones, una profunda
crítica al arte convencional y un
rechazo a los valores del arte.

Marcel Duchamp (1887-1968) revolucionó el mundo de la escultura al
presentar como obras de arte, en la década de 1910, una serie de objetos de
la vida cotidiana. Sobresale por su espíritu transgresor su famosa
Fuente (1917).
Obra
seleccionada
EBAU

Crea el llamado "objeto
encontrado", o ready-made.
Con ello pasa a convertir
objetos cotidianos, que no
poseen ningún valor
específico y a los que él
añade una mínima
transformación, en obras de
arte, sacándolas de su
contexto habitual.
El dadaísmo se plantea qué
es la obra de arte y abre paso
al arte conceptual, a la
reflexión sobre el proceso de
creación artística más que al
producto final.
Obra
seleccionada
EBAU

http://es.slideshare.net/PabloAG/el-dadaismo-52996019
Obra
seleccionada
EBAU

Ensamblaje

Kurt Schwitters (1887-
1948) fue, junto a
Duchamp, el otro gran
exponente de la escultura
dadaísta.
Con sus merz alcanzó su
mayor dimensión creativa
trabajando con
materiales toscos y de
desecho, a partir de los
cuales obtenía piezas de
notable belleza.
Rompe las fronteras
entre escultura, pintura y
poesía.
Kurt Schwitters: Merz Picture 46 A Skittle Picture, 1921

Schwitters recorría su ciudad
natal, Hannover, de la
misma manera que lo
habían hecho los primeros
creadores del collage
cubista: rescatando los
objetos humildes y
desechados por la sociedad
para darles nueva vida en
otro contexto muy
diferente, el territorio del
artista.
Recoge estos retazos de la
vida real y les dio el mismo
valor que a los tradicionales
materiales del arte, el color
al óleo, el lienzo, el empaste
y la veladura
http://www.educathyssen.org/capitulo_3_kurt_schwitters
Kurt Schwitters: Merz Picture 25A: The Star Picture, 1920

Jean Arp (1887-1966)
En contacto con los
dadaístas y surrealistas,
realiza relieves en madera
pintada los cuales, más que
suponer un trabajo
puramente escultórico, son
como collages
tridimensionales a los que
en algunos casos
denomina constelaciones.
Arp no dejó de
experimentar con este tipo
de formas en las que lo que
denominaba "leyes del
azar" jugaban un papel
fundamental.
http://aprendersociales.blogspot.com.es/2009/05/la-escultura-biomorfica.html
Jean Arp:
Constelación con
cinco formas
blancas y dos
negras
(variación 3),
1931
Jean Arp:
Lágrimas de
Enak (formas
terrestres),
1917

El surrealismo también
influyó en la escultura, si bien no
de un modo tan importante
como en la pintura.
Diversos artistas surrealistas
también realizaron obras
escultóricas en las que muestran
algunos de los principios de este
movimiento, como la asociación
automática, las visiones
oníricas, el mundo del
inconsciente…
Crearán objetos extraños,
misteriosos, imposibles, muchas
veces basados en la asociación
casual o incoherente de objetos
concretos, en su
desnaturalización, manipulación
o descontextualización. Meret Oppenheim: Plato, taza y cucharilla forrados con piel, 1936
Meret Oppenheim: Mi niñera, 1936

Su aportación fundamental serán los
objetos surrealistas, ideados por Salvador
Dalí.
Son ensamblajes, derivados del ready-
made dadaísta, en los que diversos objetos
se asocian y se modifican de modo
automático e incoherente, recreando
imágenes oníricas, inquietantes, fruto de las
pulsiones y represiones más ocultas.
"Un zapato de mujer en cuyo interior se ha
colocado un vaso de leche, en el centro de una
pasta dúctil del color de los excrementos. El
mecanismo consiste en dejar caer un terrón de
azúcar en el que se ha pintado un zapato con
objeto de ver primero el terrón y luego el zapato
deshacerse en la leche. Diversos accesorios (un
mechón de vello púbico pegado a otro terrón, una
pequeña fotografía erótica) completan el objeto,
que incluye también una caja de terrones de azúcar
de repuesto y una cuchara especial que sirve para
remover los perdigones que hay dentro del zapato”
Dalí: Zapato y vaso de leche, Objeto surrealista de
funcionamiento simbólico, 1931

https://vitaminagrafica.wordpress.com/2013/07/24/los-objetos-surrealistas-y-salvador-dali/
“El objeto surrealista es un objeto absolutamente inútil desde el punto de vista
práctico y racional, creado únicamente con el fin de materializar de un modo fetichista,
con el máximo de realidad tangible, ideas y fantasías de carácter delirante.” Salvador Dalí.
Dalí: Objeto surrealista. 1936.
Assemblage: Formado por caja
recortada conteniendo
pisapapeles, figura cónica,
figura erótica y figura de
gallina, guantes de chocolate,
zapato, caja de cerillas, molde
de pie y piedra calcárea con
inscripción (originalmente
incluyó un pan y más objetos).
Caja de cartón, piedra, barro
policromado, cristal, alpaca,
cuero, chocolate, papel de
aluminio, caja de cerillas y
escayola

https://www.salvador-dali.org/serveis/premsa/noticias/295/exposicion-sobre-escultura-en-pubol
Un busto de bronce que incorpora
distintos elementos mediante la técnica
del ensamblaje: una barra de pan, dos
mazorcas de maíz, plumas, un zoótropo o
tira de papel pintado, un tintero con
figuras del Ángelus con dos plumas y
arena.
De forma provocativa realiza una
asociación extraña de objetos que apelan
al deseo, al sexo, a las obsesiones y a la
perturbación.
El mismo Dalí define objeto surrealista
en Vida Secreta con las siguientes
palabras:
Dalí: Busto de mujer retrospectivo, 1933
“Desconcertantes a primera vista, pero
gracias a los cuales la gente ya no debía
limitarse a hablar de sus fobias, manías,
sentimientos y deseos, sino que podía
tocarlos, manipularlos y hacerlos
funcionar con sus propias manos".

Joan Miró:
También realizará
escultura en su estilo tan
personal.
La primera pieza realizada
por él en 1931, a base de
objetos ensamblados, en
el más puro espíritu
provocador del
surrealismo, resulta ya
muy significativa, pues
proclama con rotundidad
el papel fundamental que
le atribuye al objeto
como generador de
sentidos.
Joan Miró: Personaje con paraguas -1931-
madera, hojas secas y paraguas
https://alegrejardin.wordpress.com/2012/06/17/las-esculturas-y-ceramicas-de-joan-miro/

En su obra como escultor, Joan Miró muestra las constantes de su mundo personal.
• Inspiración en el arte primitivo y en formas infantiles.
• Presencia de formas orgánicas semiabstractas.
• Objetos oníricos y fantásticos.
• Presencia de los seres habituales en el universo mironiano (estrellas, lunas, pájaros, mujeres,
formas curvilíneas, infantiles).
• Personajes y objetos como pertenecientes a una galaxia mágico-religiosa
• Incorporación del color

La luna y el sol, el principio femenino y el
principio masculino, la noche y el día,
fuerzas a la vez opuestas y
complementarias, son referencias
constantes en la obra de Miró.
Pájaro (lunar) presenta, al igual que Pájaro
(solar), un modelado austero y una
superficie pulida y el aspecto general evoca
ciertas figuras arcaicas o votivas.
Pájaro (solar) guarda más la apariencia de
un pájaro, mientas que Pájaro
(lunar) parece más próximo a los
personajes mironianos ligados al mundo
terrestre.
El primero es más horizontal, más estático;
el segundo, más vertical y dinámico.

Entrado el año 1967, Miró
introduce el color en la
escultura.
En las esculturas de bronce
pintadas, el metal queda
disimulado bajo una capa de
color intenso.
A pesar del volumen, las
obras tridimensionales de
Miró dejan entrever la mirada
del pintor: el color marca una
diferencia entre cada
componente y el punto de
vista frontal se impone a los
otros. La caricia de un pájaro

http://slideplayer.es/slide/21663/
1948

http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/11/hans-bellmer.html
Hans Bellmer:
Inspirado en los recuerdos nostálgicos de su jardín secreto la diseña para cumplir con su
necesidad de escapar de la realidad y para despertar deseos relacionados con los encuentros
sexuales secretos de su adolescencia. Intenta descubrir “la mecánica del deseo” y
desenmascarar el inconsciente que nos gobierna. Luego la coloca en bosques y jardines para
comenzar a realizar una serie de fotografías en posiciones provocativas y sado-masoquistas,
explorando –a través de un erotismo morboso- los instintos humanos y el inconsciente.
Hans Bellmer: La muñeca, 1933

http://www.historiadelarte.us/pintores/surrealismo/surrealismo-max-ernst-el-rey-jugando-con-la-reina.html
Otros artistas, como Alberto
Giacometti realizarán tanto
esculturas como objetos
ensamblados.
Con esta obra “móvil”, Giacometti
aborda los temas del deseo y de la
frustración por no alcanzarlo, con un
cierto componente sexual. Aborda el
tema del deseo insatisfecho.
Consiste en una bola con una arista
inferior suspendida sobre una cuña
que el espectador desea, pero no
puede, balancear completamente
sobre la cuña, dado que la longitud
de la cuerda no lo permite.
Es un objeto de funcionamiento
simbólico-automático en el que
introduce el movimiento en la
escultura.
Alberto Giacometti: La bola suspendida, 1931

Alberto Giacometti: Mano aprisionada, 1932
Alberto Giacometti: Mesa
surrealista, 1933

Con el tiempo, Alberto
Giacometti, buen conocedor
de la escultura africana, de
Oceanía y del cubismo,
combinará ese carácter
surrealista con una
acentuada vena
expresionista, con figuras
que no parecen cuerpos,
sino la mínima expresión
humana, almas que
caminan, rugosas y
deformadas.
En su obra posterior se
aprecian las influencias
tanto del surrealismo como
del expresionismo.
http://artetorreherberos.blogspot.com.es/2010/05/panorama-de-la-escultura-en-el-siglo-xx.html http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
Alberto Giacometti: El Bosque, siete figuras y una cabeza, 1950

Así contaba Giacometti su propia evolución hacia las figuras hiperestilizadas. En estos años,
presenta estas figuras formando conjuntos interrelacionados sobre planchas de bronce, que
interpretan lugares urbanos y espacios naturales
http://www.hoyesarte.com/evento/2013/06/terrenos-de-juego-una-aproximacion-original-a-la-obra-de-giacometti/
“Después de 1945, me juré que no dejaría que mis estatuas menguaran de tamaño sin
parar. Pero sucedió lo siguiente: podía mantener la altura, pero iban adelgazando,
adelgazando… se volvían flacas y larguiruchas.”

La presencia inquietante de
fragilidad en sus esculturas
es un recordatorio de la
vida que se transita y que
tiene un final.
En estas creaciones, que
representan la soledad y el
aislamiento del hombre, se
ha querido ver un trasunto
de la filosofía
existencialista, y de
hecho Jean-Paul Sartre, el
máximo representante de la
tendencia, reconoció en la
obra de Giacometti algunas
de sus ideas.
http://notaalpie.org/2011/11/el-vacio-como-forma-alberto-giacometti/ http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/giacometti.htm
Alberto Giacometti: El
hombre que cae, 1950

http://www.elmundo.es/cultura/2014/05/05/536746f1ca4741dc398b4573.html http://es.slideshare.net/piluchi/escultura-del-siglo-xx
Son seres descarnados, hechos sólo de
piel y huesos, paradigma en bronce del
hombre que ha atravesado la peor de
las tormentas, que ha bajado a los
infiernos.
Figuras frágiles y melancólicas, a través
de las cuales el artista pretende reflejar
la debilidad de la existencia del ser
humano.
Parecen espectros reducidos a su más
triste condición material, casi
cadáveres, individuos solos, anónimos.
Seres "a mitad de camino entre la nada
y el ser", según los definió el filósofo
Jean Paul Sartre.
Se han convertido en metáforas
existenciales de la terrible experiencia
que fue la II Guerra Mundial
Alberto Giacometti:
Desnudo de pie,
Annete tomada del
natural,1954

Su Hombre que camina surge como
metáfora de la búsqueda y del progreso
asociados a lo humano…
Figura masculina en sus formas más
simples, distorsionada y sin rostro definido.
Como si estuviera caminando y los brazos
pegados al cuerpos, su cuerpo se inclina
hacia adelante.
El personaje representa el dinamismo y el
movimiento; parece como si los talones del
caminante se despegaran del suelo para
avanzar en un paso casi sonámbulo hacia el
espectador.
http://http://tuscienciassociales-teodosio.blogspot.com.es/2013/10/bienvenidos-al-curso-guia-de-trabajo_6.html
“La gente confluye y se separa, después se aproxima
para acercarse unos a otros. De este modo, se forman
y se transforman sin cesar composiciones vivas de una
complejidad increíble. Es la totalidad de la vida lo que
me gustaría representar en todo lo que emprendo”.

A partir de la década de los años treinta, Jean Arp introdujo novedades en sus esculturas,
que adquieren formas curvadas, muy sinuosas, en las que las aristas brillan por su
ausencia.
Es lo que él mismo llamó "esculturas biomórficas“, queriendo hacer alusión con
ello a la relación que, a su juicio, se establecía entre la pura creatividad artística y la
creación en la misma naturaleza.
http://aprendersociales.blogspot.com.es/2009/05/la-escultura-biomorfica.html
Hans Arp: Escultura perdida en el bosque, 1932

Frente a la rigidez derivada
de la abstracción
geométrica de herencia
constructivista, trata de
recrear formas abstractas,
que recuerdan las formas
que se encuentran en la
naturaleza.
Habitualmente serán
formas redondas, rotundas,
de aspecto globular,
orgánico, como células,
cantos rodados… De ahí que
a este tipo de escultura se
le llame biomórfica.
Jean Arp: Escultura perdida en el bosque, 1932
“No intentamos imitar la
naturaleza…queremos crear,
como la planta crea su fruto,
y no imitar”.
Hans Arp: Pastor de nubes, 1953

Henry Moore desarrolló sobre
premisas muy personales una obra,
encuadrada habitualmente dentro de
la llamada la escultura biomórfica.
Sin embargo, en su obra adquiere
especial importancia la figura
humana, deformada, muchas veces
a través de huecos, líneas curvas y
grandes volúmenes.
Abundan los perfiles curvos, las
formas ondulantes, los espacios
vacíos, las composiciones cerradas…
Es un artista original, difícilmente
encajable, fuera de cualquier
escuela, aunque algunos lo encasillan
en la llamada Escultura biomórfica.
Henry Moore: Rey y reina, 1952-53

Realizó numerosas obras de gran tamaño para ser expuestas en espacios
públicos, con una concepción monumental de la escultura.
http://arelarte.blogspot.com.es/2012/11/henry-moore-materia-volumen-vacio.html
Henry Moore: Grupo familiar, 1949-50
Henry Moore: Óvalo con puntas, 1968-70

Uno de sus temas
preferidos será la figura
femenina reclinada,
consiguiendo crear una
sugerente mujer, muy vital
y madre.
Otro tema común es la
mujer, asociada a la
fertilidad y maternidad, de
inspiración prehistórica, y
los grupos familiares.
Disfruta trabajando el
material y descubriendo el
camino que este le indica,
antes que alterar
deliberadamente la forma
natural de una pieza de
piedra, bella por sí misma.
Obra
seleccionada
EBAU

Obra
seleccionada
EBAU
"La figura de Chacmol, asumida fuente de inspiración para sus mujeres reclinadas,
aparece en reposo. Inexpresiva, la escultura no muestra la menor evidencia de ser un
dios de la lluvia ligado al sacrificio y a la guerra. Pero parte de la atracción reside en la
violencia que rodea a la cultura azteca, junto con su manera de disfrazar la brutalidad
mediante la impavidez. Numerosas esculturas de Moore, ya sean mujeres reclinadas,
máscaras o madres e hijos, no revelan ninguna emoción. Los rostros se hunden en la
asimetría y el vacío como si fueran víctimas golpeadas. Otros expresan dolor y horror.
( ... ) Quienes sintieron el horror de la guerra en su carne vieron borradas sus
emociones." Jeremy Lewison: “Moore". Edit. Taschen
Se inspirará en figuras del arte maya y azteca, en el arte griego de las islas
Cícladas (3000-2000 a. C.) y en los tótems de culturas del Pacífico y América.

Obra
seleccionada
EBAU

http://es.slideshare.net/marujin/escultura-ciclada-4041277

http://es.slideshare.net/Educamus/museo-britanico

Obras de
Henry Moore
Tótems de diferentes culturas

Algunas de sus características:
• Gran concepción de la masa y el
volumen.
• La exageración y deformación de
las formas.
• El empleo del hueco como
medio fundamental de
expresión.
• El claro predominio de la línea
curva
• Monumentalidad.
• Fuerza vital, como en los tótems
primitivos.
http://aprendersociales.blogspot.com.es/2010/02/henry-moore.html

Realizará obras de aspecto orgánico,
en general plenas de curvas, siendo
habituales los temas de la figura
recostada y la mujer con hijo.
Inicialmente adoptará formas muy
cerradas, rotundas, que muestran el
volumen y la masa escultórica,
realizadas mediante talla directa.
Con el tiempo, esas figuras se irán
progresivamente estilizando y
deformando, descomponiéndose al
concebirse desde diferentes puntos de
vista, e incorporarán el hueco y el
espacio vacío.
La expresividad de las mismas se verá
reforzada mediante esos contrastes
hueco/lleno, cóncavo/convexo,
materia/vacío, independientemente
de su potencial relación con la
realidad.
http://tom-historiadelarte.blogspot.com.es/2007/05/la-escultura-lo-largo-del-siglo-xx.htm https://www.slideshare.net/PepemartinB/escultura-en-la-primera-mitad-del-siglo-xxl
Henry Moore: Figuras reclinadas
1929
1938
1951

Representa, una línea más amable y más clásica, con tendencia a las formas orgánicas y
humanísticas, aunque en ocasiones realizará obras abstractas de aspecto biomórfico.
En sus maternidades, la línea curva, sinuosa, las composiciones cerradas, así como los
contrastes entre superficies cóncavas y convexas trasmiten una sensación de protección.

Alexander Calder
Es una figura singular, creador de
la escultura móvil, para la cual
estaba muy preparado gracias a
sus estudios de ingeniería.
Sus "objetos libres", apoyados o
colgantes, elaborados con
alambres y láminas de metal, se
mueven casi siempre con las
mínimas corrientes de aire.
Fue el creador de los
singulares móviles, conjuntos de
piezas de hierro, pintadas y
articuladas, que constituyeron el
primer antecedente de la
escultura cinética (tras las
experiencias de los constructivistas
rusos).

En plena ebullición
de las vanguardias,
reinventó las
posibilidades de la
escultura, al forjar
retratos en
alambre de colegas
como Joan Miró o
Fernand Léger, de
figuras del
espectáculo como
la cantante y
bailarina Josephine
Baker, de
acróbatas y otros
personajes del
circo, del teatro y
la danza.
Alexander Calder: Josephine Baker, 1927
Alexander Calder: Joan Miró, 1930

Es conocido como el mayor representante
de la escultura cinética.
Aplicó sus conocimientos de ingeniería a
los objetos y así consiguió una escultura
que se moviese.
Al moverse se consigue el volumen; sus
obras están en equilibrio y, a veces,
disponen de un pequeño motor que es lo
que hace que se muevan.
En su obra destacan los mobiles,
es decir lo móvil, lo ligero; los stabiles, lo
pesado y los stabile-mobile.
Los realiza con chapas planas de
hierro/acero/aluminio, de aspecto
abstracto, pintadas con colores vivos,
unidas por delgados alambres metálicos.

La obra ya no es una
masa sólida y
expuesta sobre un
pedestal, sino que
cuelga del techo o
sobre el soporte,
conformando
delicadas líneas en el
espacio.
El reto de combinar la
abstracción con el
movimiento se
convirtió en una
obsesión.
El movimiento suave
al azar recrea cada
vez posiciones
distintas en la
escultura.
Obra
seleccionada
EBAU
Alexander Calder: Trampa para langostas y cola de pez o Langosta, nasa y cola de pez, 1939

Los más originales
son los móviles
aéreos, hechos de
materiales ligeros
y unidos por
varillas de
alambre,
suspendidos del
techo, que giran,
se mueven, suben
y bajan y emiten
sonidos metálicos.,
movidos por las
ligeras corrientes
de aire de la
habitación.
Alexander Calder: Trampa para langostas y cola de pez o Langosta, nasa y cola de pez, 1939
Obra
seleccionada
EBAU

OTRAS REFERENCIAS
• http://es.slideshare.net/Sayriiiita/escultores-del-siglo-xx
• http://blog.educastur.es/volumenaramo/files/2015/01/la-escultura-a-lo-largo-del-siglo-xx.pdf
• http://tuscienciassociales-teodosio.blogspot.com.es/2013/10/bienvenidos-al-curso-guia-de-trabajo_6.html

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