DESCARGAR: Copiar y pegar los enlaces en tu navegador: PDF----------> http://adf.ly/1bxZ9q WORD------> http://adf.ly/1bxZEX Esta es una recopilación de toda la información que encontré a cerca de "principios de la composición en el diseño" el curso es "Teoría del Diseño". Fuentes al final del documento.

1. …………………PARA DESCARGAR: En la descripción………..….
FUNDAMENTOS DE COMPOSICIÓN
Desde siempre el hombre ha usado el lenguaje visual,
recordemos el arte rupestre en las cuevas de Lascaux.
El arte rupestre expresa los modos de vida de las primeras
comunidades humanas.

2. En la sociedad contemporánea los procesos de comunicación son masivos y
se sustentan en la imagen.
La publicidad, la industria del entretenimiento, el desarrollo de la tecnología
(hardware y software) y la consolidación de internet han encontrado en la imagen la
forma de entablar relaciones con consumidores y usuarios.
Las nuevas generaciones crecen siendo
impactadas por grandes cantidades de
información audiovisual, las relaciones están
mediadas por aparatos electrónicos que
transmiten esta información de manera eficiente.

3. I. ¿QUÉ ES LA COMPOSICIÓN?
Componer se refiere a la disposición de elementos sobre un plano.
Estos elementos son de naturaleza diversa: formas, textos, imágenes,
texturas, colores. A través de la composición se relacionan dichos
elementos con el objeto de construir y comunicar un mensaje.
Henry Schaefer-Simmernhace un estudio sumamente interesante del
papel que desempeña el desarrollo de la habilidad para organizar el
material visual en la evolución de nuestra capacidad creadora. Pero el
esquema diseñado debe poseer asi mismo la cualidad de entidad
orgánica, completa y auto contenida. Tal entidad es lo que
denominamos composición. Consiste en un sistema de interrelaciones
que producen una unidad. Este problema presenta aún otro aspecto. El
factor unidad es el único fundamental en la organización del diseño.
Para lograr un diseño efectivo, no sólo debemos unir las partes en una
totalidad orgánica, sino que tenemos que hacerlo de manera que resulte
interesante.

4. I. PRINCIPIOS DE LA COMPOSICIÓN
Los principios de diseño guían a los artistas en la resolución de problemas
visuales así como un matemático usa los teoremas para proveer una hipótesis. No
obstante, un artista los usa como directrices que no son leyes. Aprenderás que el
lenguaje del arte ayuda a organizar un material gráfico, pero no dirige la creatividad
para expresar ideas y sentimientos. A continuación listamos algunos de estos
principios de diseño y como te ayudan a clasificar un objeto artístico. Prueba y
familiarízate con ellos y decide como se usa cada uno en el arte que estás mirando.
Después de leer los principios de diseño, puedes visitar los dos museos para ver
algunos ejemplos del uso de estos principios.
Componer no es otra cosa que aplicar
principios, leyes o reglas a elementos dispuestos
sobre un plano. Estos principios son nombrados
como:
1. Unidad
2. Variedad
3. Contraste
4. Énfasis – Centro de Interés
5. Repetición
6. Ritmo
7. Modulación - trama
8. Movimiento
9. Equilibrio - Balance
10. Jerarquía

5. A. UNIDAD.
Cuando un conjunto de cuerpos organizados, relacionados entre sí, representan
uno solo. Cada elemento sobre el plano ejerce fuerzas y tensiones, el conjunto
de estos elementos y sus fuerzas - relacionados - se constituye en unidad. El
valor de la unidad es superior a la simple suma de elementos.
Algunos principios sobre la unidad son:
 Continuidad
 Repetición
 Continuación
 Proximidad
 continuación
1. Unidad por continuidad.
La unidad por continuidad sucede cuando los elementos de la
composición se articulan en torno a la construcción del mensaje, si bien los
círculos varían en el tono del color esto no afecta la construcción mental del
triangulo que se forma en la alineación de dichos elementos. Significando así,
que la unidad se construye sin importar la naturaleza de los elementos de la
composición.

6.  Unidad por
continuidad.
En esta imagen se
utiliza una continuidad
de puntos que varían
de tamaño para
generar la forma de la
manzana, se utilizan
además cuadrados
para representar el
tallo.
2. Unidad por repetición
Uso del mismo elemento, característica o lógica de disposición para construir
la composición composición.

7.  En este caso se repiten
color y forma, apoyados en el
desplazamiento progresivo
dado por la ubicación de cada
silla en un punto diferente.
3. Unidad por continuación.
La continuación se da por la conexión que expresan los elementos sobre el
plano. En este caso la diferencia de tamaños da una sensación de profundidad
que transmite movimiento pero también la relación entre ellos.

8. En este Degas «lección de danza» la continuación está dada por la barra roja
que conecta a las bailarinas
4. Unidad por proximidad
La cercanía de los elementos hace que los captemos como una unidad.

9. La proximidad unifica los elementos de la composición.
 IMPORTANTE. Cuando se ha logrado unidad sus elementos no pueden ser
movidos, ni sustituidos por otros, ni mucho menos quitados, sin que la
respuesta formal y funcional sufra alteraciones o desintegraciones. Significa
que a través de la unidad el diseño o composición expresa una idea
integradora, la cual es única. Esta idea debe prevalecer en la relación e
interacción que desarrollen los diferentes elementos que forman parte de un
todo. De esto se deduce que aunque todos los elementos que participan en
una composición no son iguales deben ejercer reacciones reciprocas entre sí
tratando de mantenerse siempre juntos y donde las características propias
aportan en beneficio del todo. Esta propiedad no permite que la esencia de
los cuerpos sea alterada ya sea por omisión, cambio de posición o remplazo,
ya que cualquier cambio o modificación producida cambia o destruye el todo.
La unidad es una cualidad básica e importante de todo diseño, pues si no se
logra se tendría un caos o crisis espacial y el no haber cumplido con la acción
de componer u ordenar un todo.

10. B.VARIEDAD.
Es la organización de elementos contrastantes dentro del conjunto. Se refieren a
todos los elementos disponibles para la construcción de la composición. El objetivo
de la variedad es despertar el interés. La variedad (también conocida como la
alternancia) es la calidad o estado de tener diferentes formas o tipos. Las
diferencias que dan un interés de diseño visual y conceptual: en particular el uso de
contraste, el énfasis, la diferencia en el tamaño y color.
La variedad es una cualidad del contraste, la cual permite la relación de varias
formas, figuras o elementos, de formas distintas y con diferentes colores y texturas,
pero su uso debe ser racional con mucha lógica, correspondencia y balanceado, por
que podría caerse en un desorden y no lograr unidad, convirtiéndose en un
muestrario de formas, texturas y colores. La variedad se consigue con la utilización
de varios elementos que pueden tener características diferentes, pero que logran
armonizarse e integrarse, llegando a formar parte indisoluble de un todo armonioso.
Variedad significa tres cosas:
1. PRIMERO: En un sentido, la variedad constituye una parte inevitable del
esquema. El contraste es variedad, y ya hemos visto cómo la forma misma se
construye a base de contrastes. Tenemos que controlarlos, utilizando el tipo y el
grado exactos en el lugar adecuado, para asegurar la unidad. (Un contraste
excesivo, o de tipo inadecuado, destruye la unidad). Aun así, el contraste
inevitablemente proporciona variedad al esquema.
2. SEGUNDO: Otra clase de variedad es la que está implícita en lo dicho sobre
las distintas maneras en que un esquema de figuras puede organizarse en la
percepción. Una organización rica en tensión espacial y relaciones de
semejanza proporciona variedad.
3. TERCERO: Hay una variedad absoluta, similar a la disonancia en música:
algo que está en contraste total con el sistema general de relaciones. Al
igual que la disonancia, agrega sabor al conjunto.
 Variedad. El contraste y la variedad son importantes en el arte. Si hay
demasiado de lo mismo en una obra de arte, esta puede aburrir al
espectador. Al igual que puede llegar a aburrirnos el ver la misma cosa día
tras día en nuestras vidas, una obra de arte compuesta de los mismos
colores y figuras llega a ser monótona. La variedad es el principio del arte que
trata de las diferencias.

11. Resumen. Habíamos dicho que la variedad se refiere a todos los elementos
disponibles para la construcción de la composición, tales como:
 Formas
 Colores
 Texturas
 Ilustraciones
 Fotografías
 Contornos
 Efectos
 Fondos
 Tipografías
Variedad. Composición
creada con variedadde
elementos: Colores,
textos, formas.

12.  ENTRE LA UNIDAD Y LA VARIEDAD
La unidad o la armonía es la calidad de la totalidad o unidad que se logra
mediante el uso eficaz de los elementos y principios del arte. La disposición de los
elementos y principios para crear una sensación de plenitud.
- Unidad: cuando un conjunto de cuerpos organizados, relacionados entre sí,
representan uno solo. (Por ejemplo cuando tienes muchos cubos formando
uno solo)
- Variedad: es la organización de elementos contrastantes dentro del
conjunto. (Por ejemplo cuando tienes un cubo, una esfera y un cono)
 Variedad en la unidad. Hasta ahora, se ha destacado el mecanismo de la
percepción visual. Se ha tratado de relacionar los problemas de la organización del
diseño con este proceso. Aunque tendremos que volver a considerar repetidas
veces cuestiones fisiológicas y psicológicas.
Ha llegado el momento de que señalemos una cuestión básica en el diseño,
pero accidental en la percepción general. Todo lo que hemos dicho hasta ahora
acerca de la organización de la figura vale tanto para la percepción general como
para un esquema diseñado. La diferencia consiste en que, en el diseño, dichas
fuerzas deben constituir una composición unificada. No basta con establecer
formas claramente percibidas en el campo, sí bien ello es también fundamental.
Especialmente en el dibujo y en la pintura, la importancia de una clara organización
figura-fondo es tremenda, no sólo con respecto al resultado, sino también para el
desarrollo de nuestra capacidad de visualización conceptual.
La “línea de belleza” de Hogarth simboliza el ideal.
Se la ha considerado erróneamente como una
sinusoide, pero, en realidad, se trata de una línea
inscripta en un cono. A medida que avanza en una
espiral infinita, cada parte es distinta de la anterior
y, no obstante, mantiene una completa unidad con
ella. Por consiguiente, la línea posee unidad
absoluta y variedad absoluta. Esa es la finalidad a
la que debemos aspirar en el
diseño. (Fundamentos del diseño. Colaborado
por: Arto. Raul E, Rodriguez, RD.)

13. C. CONTRASTE.
Definido como la contraposición, comparación o diferencia notable que existe
entre los elementos. Se puede expresar como la combinación y relación de formas,
colores tamaños, texturas, posición de elementos en un espacio definido, buscando
una concordancia armónica entre sus partes. Indica también ausencia de
monotonía y por el hecho de estar presente indica la existencia de dos o mas
elementos. La utilización correcta y sin abusos logra acentuar la relación entre dos
elementos que conforman un todo. Sin el contraste se obtendría un vacío estético,
traducido en monotonía y simpleza no logrando apreciar en su plenitud las
características físicas particulares de cada elemento.
El contraste se crea cuando dos elementos son completamente diferentes.
Genera un impacto visual completamente atractivo a los ojos. Apoya la
organización de la información. El texto sobre el fondo blanco es el contraste más
común y usado por todos.
Una obra de arte es una composición de tensiones y resoluciones, de equilibrios
y desequilibrios, de coherencia rítmica en una unidad precaria, pero continúa. La
vida es un proceso natural compuesto por estas tensiones, estos equilibrios y estos
ritmos; eso es lo que sentimos, en la serenidad o en la emoción, como culto de
nuestra propia vida" (Susanne Langer "Problems of Art").
El contraste puede conseguirse a través de múltiples articulaciones como:
 Color
 Tono
 Forma
 Textura
 Tamaño
 Contorno
 Tipografía
 Escala
En una obra de arte mediante la combinación de elementos para crear interés. El
contraste nos ayuda a diferenciar una forma de otra, es el elemento de diseño más
importante partiendo de que sin él no se distinguiría una cosa de otra.. En toda obra
de arte existe un fondo y una figura, por lo que el contraste es el principal elemento
de diseño.

14. 1. Contraste de color y tono
Se da cuando se contraponen colores de valor diferente. El tono tiene
mayor fuerza que el propio color en el establecimiento del contraste. Dentro
de las dimensiones del color (el matiz, el tono y el croma) el tono domina.
Después de la cualidad tonal, el contraste de color más interesante es la se
establece en cuanto a cálidos-fríos. Como se ve en el tema color, las gamas
frías verdes-azules tienen un carácter regresivo, mientras que las gamas
cálidas rojos-amarillos, tienen un carácter expansivo. Mediante la utilización
adecuada de la temperatura de color en diferentes elementos de la
composición podremos dar mayor dimensión a un determinado elemento o
bien dar la sensación de mayor proximidad. El contraste complementario es el
equilibrio relativo entre cálido y frío, en concreto Munsell establece, en base a
su teoría del contraste simultáneo, que el color complementario es el que se
sitúa en el lugar exactamente opuesto de la rueda de colores.
La utilización de tonos muy contrastados, claridad-oscuridad, establecen el
contraste tonal. El mayor peso tonal lo tendría aquél elemento con mayor oscuridad
o intensidad tonal, a medida que elimináramos tono al elemento perdería fuerza y
dimensión dentro de la composición, por lo cual deberíamos redimensionarlo para
que siguiera manteniendo su peso en el conjunto del diseño.

15. El mensaje de esta composición se estructura a partir de contraste generado por los
colores verde (fondo), negro (silueta), blanco (producto y textos).
2. Contraste de forma.
Este contraste se logra comparando dos o más figuras con formas diferentes.

16. La composición en construcción que se muestra en la fotografía se propone a
partir de la yuxtaposición de formas y colores logrando un contraste llamativo.
3. Contraste de tamaño
Contraste generado en la diferencia del tamaño de la forma, el cual rompe el
ritmo y enfoca la atención.

17. En este poster el contraste
se genera en la diferencia de los
tamaños de las fuentes. (también
se genera en el juego de colores,
pero para este caso nos
concentramos en el tamaño)
4. Contraste de tipografía
Este contraste se genera al comparar tipografías de familias diferentes.

18. La marca del canal
“mtv” se construyó a
partir del contraste
tipográfico, en este
caso.
La M es un «tipo
duro y moderno» sobre
la que se ubica la sigla
TV Escrita en un tipo
suave que evoca un
brochazo de pintura.
5. Contraste de tipografía por tamaño
En este caso la frase está escrita en una sola familia tipográfica se
genera contraste al presentar la palabra life en mayúsculas y en negrita.

19. 6. Contraste de contornos. Los contornos irregulares ganan la partida en
cuanto a atención a los regulare, reconocibles y previsibles. Una forma
abstracta atrae mucho más la atención que una forma geométrica conocida.
De la misma forma la creación de texturas o trazos diferentes se intensifican
cuando las yuxtaponemos.
7. Contraste de escala: El contraste también puede ser conseguido mediante la
contraposición de elementos a diferentes escalas de las normales, o la
utilización de proporciones irreales. De esta forma estamos negando la
experiencia de percepción que puede tener el receptor en cuanto a las
escalas de los elementos y por lo tanto creamos una percepción inusual y
dramatizamos la percepción del elemento.
D. CENTRO DE INTERÉS. Énfasis
Si enfocamos nuestra atención en un área de una obra de arte, hacemos que
esa área sea dominante. Piensa en el énfasis como en un punto focal que dibuja el
ojo en un pequeño lugar primero (o una pequeña escena) y después se vé el resto
del objeto. El énfasis controla la secuencia (el orden) con la que miramos un objeto
de arte. Otra forma de usar el énfasis es cuando un elemento dominante es tan
fuerte que el resto de los elementos están
subordinados. Por ejemplo, si un cuadro
(pintura) está saturado de color azul, afecta
a la visión del cuadro en su conjunto.
Los centros de interés visual son puntos
de interés que se crean en el fenómeno de
la percepción visual humana y la búsqueda
de nuestra mente de un mensaje en lo
percibido, que definimos como
interpretación.

20. Centro de Interés: vendría siendo como el punto de tensión es donde se va todo el interés del
observador, es decir es lo que capta más la atención. 
La composición debe estar al servicio del centro de interés. La composición debe
provocar en el espectador la urgencia de encontrar el centro de interés. El centro de
interés debe ser el elemento dominante que dé sentido a una imagen.
El centro de interés no tiene por
qué ser único, aunque cuantos más
haya, más cuidado deberemos poner
en conseguir la claridad de la
imagen. El principio de claridad-
simplicidad exige uno o varios
centros de interés donde se
concentra el sentido de la imagen, en
torno a los cuales se ordena y
jerarquiza la composición. Deberán
coincidir con los puntos de mayor
peso visual.

21. El peso y la dirección visual son los principales factores de los que depende el
equilibrio de la composición. El concepto del peso visual hace referencia a la fuerza,
a la capacidad de atracción de un elemento en la composición. La parte superior de
una imagen es más inestable y pesa más que la inferior. Lo mismo sucede con la
derecha respecto de la izquierda. Por eso necesitara menores dimensiones reales
para ser percibidos como semejantes y transmitir la sensación de equilibrio.
La dimisión psicológica de inestabilidad es paralela a la de peso visual: más
inestabilidad provoca mayor peso visual. Se debe a dos factores, entre otros: la ley
de la gravedad y la experiencia perceptiva así como los hábitos de lectura
occidental. Además de la localización, sobre el peso visual influyen otros factores:
 El tamaño: en una misma zona de la superficie de la imagen, el aumento de
tamaño implica un aumento de peso visual.
 Forma: Las formas regulares suelen pesar más que las irregulares.
 Color: los colores claros suelen pesar más que los oscuros, y las tonalidades
cálidas más que las frías.
 Aislamiento: cuanto más aislado se encuentre un elemento, mayor peso
visual posee.
 Tratamiento superficial: los elementos con un acabado texturado pesan
más.

22. Cualquier imagen puede tener un centro de interés visual, pero no hay que caer
en el error del fotógrafo principiante que confunde centro de interés con punto de
fugas y perspectiva, ángulos abiertos u cerrado. El centro visual es el climax del
interés de una imagen, visualmente hablando es donde su tema principal confluye
(Algo visto en los ordenamientos de la Gestalt Figura-fondo):
La última cena de Leonardo da Vinci es un buen ejemplo de la antigüedad sobre el
manejo del interés en un cuadro, donde la imagen es en un formato tal que tiene
diversos centros de interés visual, lo que acaba con el mito de que una foto o
imagen solamente debe tener un centro de interés visual:

23. En realidad una imagen o fotografía pueden tener diversos centros de interés,
pero un tema común que se cohesiona en un único centro de interés, imagine una
manifestación donde hay una lucha entre policías y civiles, habrá diferentes centros
de interés (Contrastes), pero dado que la manifestación y la confrontación de la
policía abarca todo el contexto (Relación figura-fondo), hay una correlación implícita
que formará un centro de interés que cohesionará la imagen sumada a la
intencionalidad de quien fotografía.
Un paisaje, una imagen naturalista a su vez puede tener un centro de interés
difuso, sin coherencia, casi anecdótico, a pesar de buscar la perspectiva, el
adecuado ángulo de color, pues es incapaz de relacionar los elementos, contar una
historia, los centros visuales se relacionan con el movimiento o la ilusión del mismo,
como un objeto detonante del tema, el fondo por sí mismo carece de centros de
interés:

24. Los puntos de mayor tensión visual existen en la imagen como el clímax de una
idea. La potencia de la imagen no se logra por uno ojos más brillantes o una estética
armoniosa, es reconocer e identificar el lenguaje de la realidad y transportarlo en
una imagen, el soldado llorando nos cuenta una historia, cautiva la atención y el
pensamiento:
Hay centros de interés naturales y poderosos que capturan la atención del
hombre sin mucho esfuerzo que pueden ser bien aprovechados (el poder de los ojos
y labios) gracias a su tendencia a crear empatia (alegría, tristeza), rechazo
(indignación, molestia), en la foto observamos que la señora enfoca su interés en
una forma indefinida, mientras que los que le rodean a ella la hacen el centro de
interés, que de forma clara nos informa del contexto:

25. Un fotógrafo tiene más
posibilidades de crear un centro de
interés usando la cara franca de una
persona, que de otra persona
cubierta con una máscara y lentes,
los gestos, las muecas y la mirada
son grandes elementos que dan
contexto a la imagen, la perspectiva y
las aberraciones visuales son formas
que fuerzan la tendencia sobre un
punto de interés, en la imagen de
abajo vemos una aberración visual
cuyo impacto se origina en su anómala composición donde se aprecia el
desequilibrio y la falta de gravedad:
Por otro lado, hay quien en una búsqueda
vanidosa y pretenciosa de artista de primaria
no llega a ningún lado y es torpe al crear
interés, sólo por el hecho de que algo sea
estético, no significa que posea un centro de
interés, al menos uno que los demás
entiendan:
Para aprender a manejar los centros de
interés, no es necesario concentrarse en
buscarlos o usar reglas fotográficas
demasiada rebuscadas, lo importante está en
digerir el contexto en que te mueves,
reconocer y manejar la antelación o forma en
que se desenvuelven los eventos, ir al lugar
del suceso y perseguir la acción o
simplemente sentarte y documentarte y reflexionar sobre que quieres decir, en el
peor de los casos hacer lo que se hace en la foto de arriba, una composición visual
sólo por el hecho de buscar una estética, que finalmente es fallida.

26. E. REPETICIÓN. Reproducción exacta de los elementos, agrupándose los elementos
de acuerdo a la proximidad de unos a otros y a sus características visuales que
comparten. La forma repetitiva más usual y sencilla es la lineal, en la que los
elementos no tienen que ser totalmente iguales para agruparse, simplemente deben
tener un distintivo común pero concediendo individualidad dentro de una misma
familia. La repetición puede darse por tamaño, contorno o perfil, y por detalles
característicos.
 Repetición de Color: Esto supone que
todas las formas tienen el mismo color,
pero que sus figuras y tamaños pueden
variar.
 Repetición de Textura: Todas las
formas pueden ser de diferentes
conformaciones, medidas o colores.
 Repetición de Dirección: esto solo es
posible cuando las formas muestran un
sentido definido de dirección, sin la menor
ambigüedad.
 Repetición de Posición. Esto se refiere
a como se disponen las formas, de
acuerdo a una estructura.
 Repetición de espacio: Todas las
formas pueden ocupar su espacio de una
misma manera.
 Repetición de gravedad: Es un
elemento demasiado abstracto para ser
usado repetidamente. Es dificultoso
afirmas que las formas sean de igual
pesantez o liviandad, de igual estabilidad o
inestabilidad, a menos que todos los otros
elementos estén en estricta repetición.
Variaciones de Repetición
La repetición de todos los elementos puede resultar muy monótona. La repetición de
un solo elemento puede no provocar la sensación de orden y de armonía que
asociamos normalmente con la disciplina de repetición, deben explorarse las
posibilidades de variaciones direccionales o espaciales.

27. F. RITMO
El ritmo visual es percibido por tus ojos de forma similar a las notas y y silencios
en música. El compás de la música sería la figura y el silencio sería el espacio
alrededor de la figura.
El ritmo expresa movimiento por la repetición de los elementos. El ritmo expresa
movimiento porque tus ojos saltarán (rebotarán) de un lugar a otro en una obra de
arte. Los artistas controlan este movimiento alrededor de una obra de arte
consiguiendo que los ojos del espectador se muevan en lugar de moverse
físicamente la obra de arte. El patrón es una repetición visual. Todos los ritmos
tienen patrones, pero no todos los patrones tienen ritmo. Si recuerdas que el ritmo es
la repetición deseada para un movimiento mientras que el patrón es fijo, plano y
decorativo, serás capaz de distinguir la diferencia entre los dos.
El patrón y el ritmo (también conocida como la repetición) se muestra la
coherencia con los colores o líneas. Poner una espiral roja en la parte inferior
izquierda y superior derecha, por ejemplo, hará que el ojo para pasar de una espiral,
a la otra, y todo en el medio. Se indica el movimiento por la repetición de elementos.
El ritmo puede hacer una obra de arte parecen activas.
RITMO es una sucesión o repetición de elementos (líneas, contornos, formas o
colores), los cuales pueden ser constantes o alternos, o afectados por el color, la
textura, la forma y la posición, logrando una composición grata, armoniosa y
acompasada en la sucesión de elementos. Su presencia hace valorizar la
composición ya que le da dinamismo. Dentro de los tipos de ritmo podemos
encontrar: - ritmo monótono: caracterizado por su disposición de elementos iguales a
intervalos constantes, llegándose a considerar tan natural o común que el
observador no llega a percibirlo. - Ritmo dinámico: presenta elementos iguales a
intervalos diferentes, o elementos desiguales a intervalos iguales o desiguales, que
pueden crecer o decrecer en dimensiones.
 RITMO. Entonces, es la repetición de un elemento de la composición.
 Ritmo regular  Se obtiene de la repetición de un patrón.
 Ritmo progresivo  Representa un movimiento orgánico o natural que se
usa para crear movimiento visual.

28. 1. RITMO REGULAR:
Un ritmo regular se da por la repetición uniforme del patrón
Las manos enlazadas en la parte Inferior de este poster, se han dispuesto de
acuerdo al principio de ritmo regular.

29.  En este cartel Nazi, que se
utilizó para promover los hogares para
la formación de juventudes.
En esta composición, se usa el
principio de ritmo regular al que se le
aplica una progresión disminuyendo el
tamaño de las imágenes de los
jóvenes, que entran a la casa.

 El diseño de esta carátula
presenta ruptura del ritmo
regular, lo que se logra con la
Alteración de la posición de las
formas y con la escritura de
tipos sobre estas. 

30. 2. RITMO PROGRESIVO
Se construye a partir de elementos repetidos, se obtiene alterando cualquiera
de las características (color, posición, tamaño) de los elementos, generando una
jerarquía visual que determina el «crechendo visual». En este caso se ha
modificado el tamaño y la posición de la forma.
Para lograr la sensación
de movimiento de las formas
en esta pieza se ha aplicado
el principio de ritmo
progresivo. 

31. G. MODULACIÓN – TRAMA.
El modulo: Es un elemento
adoptado como unidad de medida
para determinar las proporciones
entre las diferentes partes de una
composición y que se repite
sistemáticamente en el espacio. Los
Módulos son formas idénticas o
similares que aparecen más de una
vez en un diseño. La presencia de
módulos tiende a unificar el diseño.
Los módulos pueden ser
descubiertos fácilmente y deben de
ser simples o si no se perdería el
efecto de repetición.
 Repetición de Módulos
Si utilizamos la misma forma más de una vez usamos la repetición. Este es el
método mas sencillo de diseño, esta suele aportar una inmediata sensación de
armonía.

32. H. EQUILIBRIO o BALANCE.
El equilibrio es la organización de los
elementos para que nada domine parte de un
trabajo, o parezca más pesado que cualquier otra
parte. Los tres diferentes tipos de equilibrio son
simétricos, asimétricos y radiales. Simétrica (o
formal), el equilibrio es cuando ambas partes de
una obra de arte, si se divide por la mitad, parece
ser el mismo. El cuerpo humano es un ejemplo de
equilibrio simétrico. El equilibrio asimétrico es el
equilibrio que no pesa igual en ambos lados.
Equilibrio radial es igual en longitud desde el
centro. Un ejemplo es el sol, con mucho color.
En arte el equilibrio te hace sentir como
que todas las partes están ordenadas
correctamente. Un eje central es una línea
divisoria que hace las veces de una escala de
medida para ver si los elementos están
localizados de igual forma a ambos lados o
desde arriba hasta abajo en una obra de arte.
Hay dos tipos de equilibrio: formal e informal.
Difieren en como los elementos están
ordenados alrededor de los ejes. El equilibrio
formal se da cuando elementos iguales o muy
similares son colocados sobre lados opuestos de los ejes. Puedes ver si los objetos
se emparejan exactamente sobre cada lado para la simetría bilateral, o simetría
aproximada si hay algunas pequeñas diferencias. El equilibrio radial puede tener 4 o
más unidades de emparejamiento y parecer que irradia o sale desde el centro
(medio). Esto se da en la naturaleza con las flores o los gajos de una naranja.
El Equilibrio es un aspecto fundamental de la composición, es un estado de
estabilidad perceptiva o conceptual. Un equilibrio compositivo implica un paralelismo
con el de los pesos donde un número de unidades de “A” equivale a otro distinto de
unidades de “B”. Existen tres tipos de equilibrio:

33. 1. Equilibrio axial: se logra el control de fuerzas por medio de un eje central o
eje de simetría, es decir los elementos se reflejan como en un espejo, donde
existe una repetición de elementos situados a uno y otro lado de su eje de
comparación.

34. 2. Equilibrio radial: da lugar a un movimiento giratorio o de rotación de los
elementos con un punto como centro, logrando así el equilibrio o
compensación de fuerzas.
3. Equilibrio oculto: depende de la sensibilidad del diseñador, y se basa en
una organización espacial tomando en cuenta la forma, el tamaño, posición,
textura, peso, y color de los elementos. Se presenta en la naturaleza, y
permite al diseñador mayores posibilidades por sus características dinámicas,
por su soltura y por no estar regido a movimiento especifico o a eje de
comparación. Pero hay que tener presente los requerimientos, pues sino se
convierte en desequilibrio.

35. I. DIRECCIONALIDAD.
Las composiciones deben definir claramente las líneas de acción que
determinan su forma. Estas líneas son sus directrices, que podemos entender
como la línea, superficie o figura que determina las condiciones de generación de
otra línea, figura o superficie. Las directrices en un diseño nacen de las relaciones
que definen el universo o área de
acción, o de los puntos
estratégicos que determinan vistas
dominantes. Luego pueden ser
paralelas a las líneas básicas del
espacio o las propias líneas
diagonales de la forma del terreno
o espacio. También pueden
utilizarse otros pares de líneas
como ejes conjugados, siendo
perpendiculares entre si. Las
directrices de un volumen pueden
ser verticales, horizontales o
inclinadas. Su buen uso debe
generar respuestas espaciales que
logran unidad armoniosa.
I. JERARQUÍA
La unidad de una composición requiere que la tensión entre fuerzas y los
estímulos causados sean integrados por un elemento dominante. El elemento
dominante se encuentra apoyado y complementado por otros elementos en
condición de subordinación.
Tenemos Jerarquía por:
 Orden de lectura
 Tamaño
 Color
 Disposición
 Ubicación
 Disposición de elementos

36. 1. Jerarquía por orden de lectura.
El orden de lectura está dado por la manera en que culturalmente nos
enfrentamos al texto.
La lectura se hace de manera lineal.
JERARQUÍA POR ORDEN DE LECTURA

37. En el caso de este comic la jerarquía permite la lectura lineal que construye el
sentido de la narración:
JERARQUÍA POR ORDEN DE LECTURA
Infografía: Que hace la gente en internet.

38. La infografía “Que hace la gente en internet”, ofrece la siguiente Información:
1. Describe (con texto) las tipologías de los usuarios.
2. Identifica (con íconos y colores) las diferentes tipologías de usuarios.
3. Presenta estadísticas (esquema con los mismos colores asignados a los
íconos) con respecto a los grupos de edad más comunes para cada tipología.
La jerarquización permite que los elementos de la infografía se conecten y
estructuren un todo informacional que posibilita al Lector hacerse una idea de los
tipos de usuarios de internet.
2. JERARQUÍA POR TAMAÑO
El tamaño de un elemento propicia enfocar la atención.
En este caso la atención es enfocada por un elemento de tamaño pequeño.

39. En este caso la atención es enfocada por un elemento de tamaño grande.
3. Jerarquía por color
Veamos el siguiente poster de la
película “TOY STORY 3”, aquí se aplica
la jerarquía por tamaño, se observa el
número 3 en tamaño mayor que las
figuras del fondo, el elemento que
apoya y resalta el 3 de entre los demás
elementos es el color amarillo, para
acentuar más la jerarquía se utiliza un
contorno azul que en contraste con el
amarillo permite la clara diferenciación
del fondo.
En esta composición se construye
un Ritmo (ver la sección dedicada a
ritmo) inspirado en el desorden del
cajón de juguetes de cualquier niño o
niña. El fondo se forma a partir de un
montón de juguetes que recuerdan la

40. manera como se encuentran dispuestos en el cajón que los guarda.
Jerarquía por color
 La diferencia de color de un elemento
con respecto a los demás de la composición
es una forma de dar importancia y atraer la
atención.
JERARQUÍA POR COLOR
En esta composición, el elemento que atrae la atención es la flor amarrilla que se
destaca entre los grises.

41. La jerarquía de color también se aplica entre elementos de variado color, el
elemento que busca atraer la atención debe presentarse con un color que contraríe
la gama de la composición.
JERARQUÍA POR COLOR
En este poster se aplica la
jerarquía de color al incorporar el
azul a una gama de cafés, a
pesar que son de la misma
especie, el azul se hace intenso
en medio del beige y sobre el
fondo café.

42. 4. JERARQUÍA POR UBICACIÓN
En la jerarquía por ubicación un objeto se torna atractor de atención al alterar su
disposición en el plano. Ejemplo un giro (fig 1) o un desplazamiento (fig 2).
En el diseño de
esta caratula de
revista se aplica la
jerarquía por
ubicación
ejemplificada en la
figura 1

43. Jerarquía por
ubicación. También
se da jerarquía a un
elemento dándole
una posición
privilegiada dentro de
la composición, esto
permite su
diferenciación rápida
visualización.
En este ejemplo se observa que elementos de naturaleza diferente (la vegetación y las
personas) forman un grupo dentro de la composición. El texto LOST atrae la atención
porque se fuera de este grupo, en este caso la jerarquía por ubicación se apoya además en
el color contrastante con el fondo y en el tamaño del texto el cual es superior si se compara
con lo elementos individuales.

44. 5. Jerarquía por disposición de elementos. Todos los elementos de la
composición refuerzan el elemento principal y lo complementan en la transmisión
del mensaje.
Jerarquía por disposición
de elementos.
En este caso la palabra
atmosphere es definida a
partir de las imágenes que
recrean cada uno de los
componentes del
concepto.

45. En afiche se usa una imagen con estilo precolombino
para enfocar la atención y dar inicio a la lectura de la
composición que se complementa con el texto ubicado
al lado derecho superior.

46. CONCLUSIÓN.
Principios de Diseño
Los principios de diseño guían a los artistas en la resolución de problemas
visuales así como un matemático usa los teoremas para proveer una hipótesis. No
obstante, un artista los usa como directrices que no son leyes. Veremos que el
lenguaje del arte ayuda a organizar un material gráfico, pero no dirige la creatividad
para expresar ideas y sentimientos.
Un principio es la base, el punto, fundamento, origen o razón fundamental.
También llamados ideas generatrices, son los conceptos de los que se vale el
diseñador para influir o conformar un diseño. Las ideas o principios ofrecen vías para
organizar las decisiones para ordenar y generar de un modo consciente una forma.
Es decir, se pueden considerar como artificios visuales que permiten la coexistencia
de varias formas y espacios, tanto perceptivos como conceptuales, dentro de un
todo ordenado y unificado. Estos temas dominantes se deben utilizar con bastante
seguridad en la creación de diseños.
Con la adecuada elección de una idea o un principio el diseñador empieza a
prefijar el resultado formal y el modo como se diferencia de otras configuraciones.
Existen muchos principios o ideas, y aquí nombraremos y explicaremos las que
consideramos más importantes.
VEAMOS OTROS PRINCIPIOS.
 Simetría
 Eje
 Pauta
 Transformación
 Transición
 Unidad
 Adición y
Substracción
 Armonía
 Carácter
 Coherencia
 Claridad
 Textura
 Proporción
 Posición
 Plasticidad
 Continuidad
 Dimensión
 Escala
 Color
 Contraste
 Variedad
 Sinceridad
 Simbolismo
 Rigidez
 Modulación
 Familiaridad
 Trama

47.  SIMETRIA. Distribución adecuada y equilibrada de formas y espacios
alrededor de una línea (llamado eje) o de un punto (o centro) común. Lo
general es el equilibrio la simetría viene a ser un forma especifica de
equilibrio. Tipos de simetría. - Simetría bilateral: distribución equilibrada de
elementos iguales alrededor de un eje. Simetría central: elementos
equivalentes que se contrarrestan y que se disponen en torno a dos o más
ejes que se cortan en un punto central.
 EJE. Es el elemento mas elemental para organizar, más o menos
regularmente, formas y espacios arquitectónicos. Es una línea que puede ser
imaginaria e invisible, que implica simetría, pero exige equilibrio. Al eje se le
pueden colocar limites para reforzar la noción, y estos limites pueden ser
alineación de una planta o planos verticales que ayuden a definir un espacio
lineal que coincida con el eje.
 PAUTA. La pauta organiza un modelo arbitrario de elementos a través de su
regularidad, su continuidad y su presencia permanente. La pauta puede ser
una línea recta, una forma plana o una forma volumétrica. Los elementos se
pueden componer siguiendo: - Una línea: crea un límite común; una trama
línea crea un campo unificador y neutro. - Un plano: reúne los elementos bajo
si mismo o bien actuar de fondo o marco. - Un volumen: congrega a los
elementos dentro de sus límites o organizarlos alrededor de su perímetro.
 TRANSFORMACIÓN. Son los cambios formales que se producen en los
limites del propio elemento. Es semejante a la transición, pero el atributo que
se modifica repercute en la forma bi o tridimensional. Mediante la
transformación el diseñador luego de seleccionar un modelo arquitectónico
típico cuya estructura formal y ordenación de elementos sea apropiada y
razonable, mediante manipulaciones ligeras o cambios y permutaciones
apenas perceptibles, genera un diseño dentro de las condiciones
especificadas. La transformación exige que la composición original sea
perfectamente comprendida y captada, y que el diseño resultante mas
evidente que el primero, pero sin destruirlo, es decir sobre elaborado.
 TRANSICIÓN. Son progresiones limitadas en las que se producen un cambio
cualitativo sin la alteración de lo formal. Por ejemplo, abierto a cerrado, de
fuera a dentro, de simple a complicado. Cada uno de los sucesivos
incrementos que separan las condiciones extremas de la transición hacen
referencia a las colaterales y así constituyen un lazo de unión entre las
mismas.

48.  ADICIÓN Y SUBSTRACCIÓN. Es el proceso de anexar o agregar y de
segregar formas construidas para crear una arquitectura o composición. Al
utilizar la adición se percibe la composición como una agregación de
unidades o partes identificables. Al contrario, la substracción se puede
conceptualizar como el dominio del conjunto según el cual un observador
capta la composición como un todo identificable del que se ha extraído
algunas partes.
 ARMONÍA. Es la perfecta proporción, integración, interrelación y
concordancia de una cosa con otra o de los elementos con un todo. Con este
todo armónico se logra a la vez verdadera unidad, donde se nota claramente
que cada elemento es un componente indispensable de ese todo.
 CARÁCTER. Es una cualidad que permite identificar la función y utilidad de
un espacio o elemento, sin necesidad de penetrar en él. Es decir permite
advertir cómo es o cómo se comporta sin necesidad de ahondar
profundamente. Por medio del carácter las formas tienen un significado y
responden claramente a su razón de ser. La expresión del carácter esta
impregnado de sencillez, sinceridad, fuerza, unidad armoniosa y perfecto
equilibrio. Una composición sin carácter es inexpresiva, carece de valor, de
ahí que la forma y la función se interrelacionan armónicamente para brindar
expresividad.
 COHERENCIA. Es una perfecta relación tanto funcional como formal de los
elementos que conforman el espacio o la composición. Es una cualidad de la
unidad armoniosa y de toda composición. Se puede lograr si usamos formas
repetitivas o frecuentes (usando, por ejemplo, el ritmo), color, textura,
detalles, etc, ya que a través de ellos se pueden enlazar los elementos que
determinan o componen un diseño.
 CLARIDAD. Expresión muy utilizada en el diseño y denota franqueza y
sinceridad en el diseño, denota franqueza y sinceridad en la utilización de
formas y en la relación de los espacios. Para que exista una claridad física
debe existir primero un claridad mental y conceptual. Es decir conocimiento
de los conceptos, criterios y teorías de diseño, lo que se puede expresar a
través de simplificación de líneas, trazos y volúmenes. La claridad permite
mostrar una excelente funcionalidad, cuando los espacios que conforman la
unidad fluyen y se relacionan sin complicación y sus formas yo volúmenes se
expresan sin recurrir al rebuscamiento.

49.  TEXTURA. Todos los materiales, objetos, formas, volúmenes, etc, poseen
una textura, es decir, representa el acabado final que se muestra al ojo del
observador. Entonces, podemos afirmar que la textura es el acabado que
tienen los cuerpos en su superficie, presentando sensaciones táctiles y
visuales, que pretenden realzar, acentuar y valorizar la superficie de la forma.
Puede ser natural, si se aprovecha la terminación final del material empleado.
Y aplicada cuando sobre la superficie natural se da un tratamiento diferente al
propio, de tal forma que los acabados reciben el nombre de texturizados.
 PROPORCIÓN. Es la correspondencia debida entre las cosas y tamaños. Es
una relación dimensional entre las partes que constituyen un todo y el todo en
relación al espacio donde se debe ubicar, situar o desarrollar. Por eso en la
proporción interactúan formas y los tamaños de los elementos con el objetivo
de lograr un todo armonioso. El uso adecuado de la proporción es poco
perceptible al ojo del observador, solo se nota un todo armonioso. Sin
embargo, su uso inadecuado es rápidamente perceptible por que plantea
deformidad y desbalance del diseño.
 POSICIÓN. Es la ubicación de un elemento o un conjunto de elementos que
componen un todo dentro de un universo, espacio o área de acción. Además
la posición permite acentuar los elementos, lo cual resulta básico para definir
el punto focal o atracción visual de la composición. La posición es importante
en todo diseño y base para lograr el equilibrio o balance de formas, para
dominar el espacio. Volumétricamente permite la relación de masas en base
a un ordenamiento y proporcionamiento lógico de ellas. Edificio símbolo
después del ataque sobre Hiroshima, Japón
 PLASTICIDAD. Es una característica tridimensional que permite que un
material, forma o elemento sea moldeado, producto de una acción externa,
lográndose mejores efectos estéticos. La plasticidad se enriquece por los
efectos que logran las líneas, las superficies, los planos, las texturas, el
volumen y el color. Todos estos aspectos deben estar integrados a fin de
conformar un todo armónico. Es decir que la plasticidad tiene como fin
primordial lograr efectos visualmente agradables, aristas suaves y bien
delineadas, planos bien definidos, figuras estilizadas, líneas y superficies
suavizadas a fin de lograr la mejor expresión de la forma. Utiliza las mejores
propiedades de los materiales y de los sistemas constructivos para obtener
los mejores resultados formales.
 CONTINUIDAD. Es el enlace, traslado y seguimiento que debe existir entre
los elementos, planos y volúmenes, que son parte de un todo o composición
y que sobre todo permite percibirlos como un todo. Por medio de la

50. continuidad se puede lograr la integración de los diferentes elementos dentro
de un conjunto y así apreciar un solo cuerpo. Se puede lograr mediante la
utilización del ritmo, de líneas y detalles dinámicos que recorren el todo, que
pudiesen rodear o contornear el conjunto. La continuidad permite identificar
un objeto o elemento, no importando la cara o plano que se observe, ya que
las características del todo se transmiten a los diferentes planos o espacios
que conforman la composición. Continuidad no significa igualdad, pues al
observar de lado, de frente o desde arriba una composición podemos advertir
su presencia, determinando su propia identidad.
 DIMENSIÓN. Es la longitud de una línea, extensión de una superficie o
volumen de un cuerpo. Se aplica a la geometría del espacio, y en ella se
advierte tres dimensiones: largo, ancho y profundidad, y es a través de este
espacio que se define o determinan formas o volúmenes que son percibidos
por el hombre. En la época griega se genero la Regla de Oro, la cual
relacionaba las dimensiones a fin de lograr una proporción armónica en las
edificaciones. Además podemos incluir la cuarta dimensión: el tiempo. Se
logra incorporar el concepto del tiempo a los espacios en obras cubistas y
abstractas.
 ESCALA. Es una relación dimensional o de medidas que se relacionan al
hombre con el espacio o con los objetos y es a partir de las medidas del
hombre que las diferentes escalas de medición surgen, ya que el hombre
representa la escala natural y a partir de ella podemos determinar tamaños o
dimensiones espaciales, adecuadas y armónicas. Conocemos dos tipos de
escala: escala natural: donde el hombre es el centro, razón o patrón del
espacio, escala espiritual: donde la razón de la edificación es el patrón del
espacio. Se da por medio de la relación de magnitudes entre el destino o
función del espacio construido y el hombre.
 COLOR. Es una de las sensaciones visuales mas fuertes y de mayor
influencia en la percepción visual, pues junto a la claridad, definen cualquier
apariencia visual. Se plantean las siguientes cualidades del color, siguiendo
las definiciones de Rudolph Arheim:
Cromatismo: es el paso muy suave de un matiz a otro.
Entonación: armonía establecida sobre las variaciones de un solo color que
puede escogerse para todo un espacio.
Saturación: es el grado de su tinte.

51. Luminosidad: es el contenido de gris o negro (cualidad de oscuro)
Los colores primarios pigmento son: rojo, azul y amarillo., los colores
secundarios son: naranja, verde y violeta.
.
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