Arte del Renacimiento

HISTORIA DEL ARTE (2º Bachillerato BCS)

Arte del Renacimiento. Siglos XIV y XV.

Javier Pérez (DTO. Geografía e Historia)


Arquitectura renacentista europea. El Quattrocento.
●
Etapas cronológicas:

– QUATTROCENTO: siglo XV
– CINQUECENTO: siglo XVI
– MANIERISMO: 2º tercio de siglo XVI
●
Tipologías:

– PALACIOS: residencia de nobles,
edificios cerrados, patio interior, 3
pisos, exterior almohadillado
– VILLAS: residencias nobiliarias rurales
– TEMPLOS: planta cruz latina, plan
central
●
Características y elementos:

– Edificios diáfanos.
– Plantas: cruz latina; griega; basilical.
– Arcos de ½ punto
– Columnas: orden corintio y toscano
– Bóvedas de cañón y cúpulas de
casetones
– Elementos decorativos: almohadillado,
grutescos, guirnaldas, medallones.


Arquitectura del Quattrocento.

Filippo BRUNELLESCHI
●
Cúpula de Santa María de las Flores
(Florencia)

– Mezcla elementos renacentistas y
góticos (catedral gótica).
– Doble cúpula (interior y exterior),
apuntada, sobre tambor octogonal.
●
Hospital de los Inocentes (Florencia):

– Patio: arquerías de ½ punto.
– Doble piso. Introduce entablamento
para lograr mayor altura.
– Enjutas con tondos de cerámica
vidriada.
– Columnas rematadas por capiteles
corintios.
– Ventanas (2º piso) rematadas por
fronton triangular.
●
Iglesia de San Lorenzo (Florencia).
●
Iglesia del Santo Spíritu (Florencia).


Cúpula Santa María de la Flores (Florencia)


Hospital de los Inocentes (Florencia)



Iglesia del Santo Spíritu (Florencia)

●
Idea propuesta por ocho familias que deseaban
un templo en el que se abriera una capilla
para cada una.

●
Cosme de Medicis.

●
Plan longitudinal, cruz latina:

– Naves separadas por columnas y arcos de
½ punto
– Columna: plinto, basa, fuste liso, capitel
corintio y entablamento para realzar el
edificio.
●
Cubiertas:

– Planas en la nave central, con casetones.
– Baídas en las naves laterales. Iglesia de San Lorenzo (Florencia)


Palacio Pitti (Brunelleschi)



Michelozzo di Bartolomeo
●
Discípulo de Brunelleschi

●
Palacio Médici-Ricardi:

– Ejemplo de palacio
renacentista
– Aspecto de fortaleza exterior
– Material: sillar
almohadillado, diferente en
cada piso.
●
de arista rebajada en el
1º piso (opus
reticulatum)
●
2º piso, los sillares se
suavizan, no están tan
rebajados en sus aristas.
●
3º piso, paramento plano
– 2º y 3º piso con ventanas
bíforas, (influencia de
Brunelleschi)




ALBERTI
●
Palacio Rucellai (Florencia):

– Aspecto de fortaleza.
– 3 pisos
– Paramento almohadillado (opus
reticulatum en el piso bajo), con sillares
rehundidos en sus aristas
– Ventanas albertinas = bíforas,
rematadas en sendos arcos de ½ punto,
englobados a su vez en uno mayor, en
cuyo tímpano se integra un característico
óculo.
– Para establecer la diferencia formal en
los tres pisos, Alberti emplea un
procedimiento clásico: la superposición
de órdenes, que nos recuerda el
modelo del Coliseo de Roma.
●
1º piso = pilastras adosadas de
orden toscano y aparejo reticulado
(opus reticulatum)
●
2º y 3º piso = orden corintio
●
Uso del entablamento para
separar los pisos


La escultura renacentista italiana.
Detalle del David de Donatello
CARACTERÍSTICAS:

●
Florencia, cuna del arte
renacentista.

●
Predominio de obras exentas,
es decir, bulto redondo
(estatuas ecuestres y retratos),
frente al relieve.

●
Se busca la belleza,
proporcionalidad, un perfecto
tratamiento anatómico,
contrapposto.

●
Materiales: mármol y bronce.

●
Técnica: tallado (piedra), cera
perdida (bronce).

●
Temática: el hombre,
desnudo, la belleza sensual del
cuerpo (según filosofía
neoplatónica).

●
Autores:

– Donatello.
– A. Verrochio.



Donatello
●
Nació en Florencia (1386-1466), donde
desarrolló la mayor parte de su producción.

●
Trabajó en el taller de Ghiberti, donde aprendió
la técnica del trababjo en bronce.

●
Está considerado como un gran estudioso del
cuerpo humano y de su evolución a lo largo de
las diferentes edades.

San Jorge

●
Mármol (2,08 mt)

●
Personificación del héroe y del tema del
caballero cristiano que derrota al dragón,
encarnación del mal.

●
Es un hombre en la plenitud de la vida,
postura llena de vigor y de fuerza, reflejada
tanto en el cuerpo y en la disposición de las
piernas abiertas, como en la tensión de la capa
anudada sobre los hombros.



Donatello
David:

●
Material: Bronce.

●
Técnica: fundición.

●
Tema: David, joven pastor de Belén,
reposa tras haber vencido con su
astucia y rapidez, al gigante Goliat,
líder de los filisteos.

●
Composición: Es el primer desnudo
completo y exento del Renacimiento,
de modelado suave y fluido. La
pierna derecha soporta el peso del
cuerpo, muy liviano; la pierna
izquierda descansa sobre la cabeza
del adversario derrotado. El
atrevimiento con el cuerpo desnudo,
recrea la curva praxiteliana e
imprime movimiento y sensualidad a la
anatomía. La superficie negra y pulida
del bronce, realza las cualidades y el
atractivo del cuerpo juvenil.

●
Significado: David encarna a la
capital de la Toscana que venció a
Goliat (duques de Milán) que
reiteradamente hostigaron a la
próspera ciudad florentina.



Donatello
El condottiero Gattamelata (Donatello)

●
Escultura ecuestre, inspirada en el retrato
ecuestre del emperador romano Marco
Aurelio.

●
Material: bronce.

●
Técnica: fundición.

●
Composición: el grupo se compone de un
caballo poderoso con tres patas apoyadas,
mientras la cuarta se posa sobre una bola.
Sobre el mismo, aparece el condotiero
con gran solemnidad y con los atributos de
su cargo: el bastón de mando, la
armadura, la espada, las espuelas,...

●
Conserva también la tradición del
retrato romano aunque idealizado.

●
Como es un monumento
conmemorativo funerario, lo sitúa
sobre una peana en la que coloca la urna
decorándola con motivos heráldicos.



A. Verrochio.
Condotiero Colleoni.

●
En 1478 Verrocchio comenzó la que sería
su obra más famosa, una estatua
ecuestre, realizada en bronce, del
condottiero Colleoni, quien había muerto
tres años antes.

●
La obra fue un encargo de la República de
Venecia.

●
Fue el primer intento de producir
semejante grupo, con una de las patas del
caballo en el aire.

●
La estatua destaca también por la
expresión en el rostro de Colleoni, que
obedece a una observación cuidadosa, y
que refleja un mando severo.

●
De esta estatua sobresale también la
magnífica plasmación del movimiento.



La pintura renacentista italiana.
CARACTERÍSTICAS
●
Técnica: fresco (sobre muro); temple (sobre tabla);
óleo (sobre lienzo).

●
El lienzo se utilizará sobre todo a partir siglo XV.

●
Temas:

– Religiosos: anunciaciones, crucifixiones...
– Profanos: mitológicos, históricos,
retratos...
●
Perspectiva:

– Lineal (Quattrocento), con puntos de
fuga que crean una pirámide visual
– Aérea: desarrollada a partir de las teorías
de Leonardo; representa el aire que se
interpone entre los objetos y el
observador; la lejanía desdibuja
contornos; predominio del del tono
azulado.
●
Aparición de los primeros escorzos (representación
de una figura u objeto dispuesta perpendicularmente
al plano).

●
La luz y el dibujo consiguen plasmar la sensación
de profundidad en las pinturas.


La pintura renacentista del Quattrocento.
Fra Angélico
●
Pintor de las Anunciaciones.

●
Su estilo está dominado por el dibujo y los colores (rosas, azules
celestes y oros).

●
Sus personajes son tipos esbeltos, delicados y elegantes, envueltos en
vestiduras largas, caídas.

●
Destaca por la aplicación de la perspectiva lineal, la representación de
fondos arquitectónicos y el mayor realismo de las figuras humanas.

La Aunciación:

●
Tema: el arcángel Gabriel anuncia a María que será la madre de Cristo

●
Técnica: temple (sobre tabla)

●
Composición: representa la escena enmarcada en un pórtico
manifestando su preocupación por la perspectiva. Las columnas son de
orden compuesto; en la de el medio, existe un tondo con la imagen de
Dios; al fondo, un aposento, acentúa la profundidad y la perspectiva.
Las dos figuras principales (el ángel y la Virgen) ocupan la parte
central de la composición; el ángel se inclina mientras que María, con los
brazos cruzados, baja la mirada. Presenta, igualmente, el tema del
Paraíso, con la expulsión de Adán y Eva (símbolo y representación del
pecado que nos liberará con el nacimiento de Cristo. El conjunto es un
magnifico retablo, en cuyo banco aparecen diferentes escenas de la
vida de la Virgen: nacimiento, desposorios, visitación, epifanía...



La Anunciación



Masaccio
●
Considerado el padre de la pintura del
Quattrocento.

●
Pintor de temas religiosos.

●
Se preocupa por la masa y el volumen. Predomina
la monumentalidad en sus composiciones.

La Trinidad

●
Tema: Representación de la Santísima Trinidad y
la muerte.

●
Técnica: fresco (muro 6,67 x 3,17 mt)

●
Composición: Dios Padre sujeta la cabeza de
Cristo y entre las dos cabezas aparece el Espíritu
Santo, acompañado por Juan Evangelista y María,
y, arrodillados fuera del marco, los dos donantes,
debajo y sobre pedestal, el tema de la muerte.
Todo queda enmarcado en una arquitectura clásica
(pilastras corintias, columnas jónicas, bóveda
artesonada).

●
El fresco es una de las primeras pinturas que hace
uso de la perspectiva lineal. Punto de fuga
situado en la base de la cruz. La obra está pintada
con tal verosimilitud que parece un espacio
abierto en la pared. En la parte inferior, una mesa
de altar, reproduce un sarcófago con un esqueleto.



Botticelli
●
Es el mejor exponente de la pintura del
Quattrocento.

●
Pintor de temas mitológicos, complejos y de difícil
contenido.

●
Sus imágenes comparten ciertos elementos comunes
que lo convierten en el creador de un tipo nuevo
de belleza femenina (cuerpos desnudos, llenos de
voluptuosidad, rostros alargados enmarcados en
sueltas y ondulantes cabelleras).

La Primavera:

●
Tema: representación de Venus como diosa del
amor y la suprema armonía (tema inspirado en la
filosofía de Pico della Mirandola)

●
Técnica: témpera sobre lienzo

●
Composición: el cuadro está presidido por la diosa
del amor, rodeada de naranjos en el jardín de la
eterna primavera. A la derecha, el viento Céfiro trata
de raptar a una ninfa, y junto a ellos, Flora
esparciendo las flores que anuncian la llegada de la
nueva estación. En la zona alta, Cupido trata de
disparar un dardo que apunta hacia las tres Gracias,
vestidas muy ligeramente. En la zona izquierda,
Mercurio está tratando de coger una naranja, y más
hacia el centro aparecen las Tres Gracias (castidad,
belleza, amor), como acompañantes de Venus.

El nacimiento de Venus (Botticelli):

●
Autor: Botticelli

●
Técnica: témpera sobre lienzo

●
Tema: Venus, diosa de la belleza, el amor
y el matrimonio, acaba de nacer y llega
montada en su concha y empujada por los
vientos, a la isla de Chipre, consagrada a
su culto.

●
Composición: Esquema sencillo; cuatro
figuras, dos entrelazadas, que
proporcionan movimiento a la escena. En
el centro, la diosa Venus es empujada por
los vientos; a la derecha, la Primavera se
apresura a cubrir a Venus de su púdica
desnudez.

●
Contenido: lo que el cuadro representa
no es propiamente el nacimiento de
Venus, sino su llegada a la isla de Chipre,
tras nacer de la espuma marina, según
cuenta Homero. Venus, sobre una concha,
es empujada a la costa por el viento
Céfiro. En la orilla espera la Primavera,
una de las cuatro Horas (diosas de las
estaciones), para arroparla con una túnica
bordada de flores. El cuadro está repleto
de símbolos: las rosas hacen referencia
al amor; la concha remite a la fertilidad;
la guirnalda de mirto que lleva la
Primavera simboliza el amor eterno.


Arquitectura del Cinquecento italiano.
●
Siglo XVI:

– Roma como principal centro cultural y
artístico del Renacimiento.
– Cuenta con el mecenazgo artístico del
papado (Julio II, León X y Clemente VII),
que tienen un objetivo común:
transformar la ciudad medieval en una
ciudad nueva. Ello atrae a la capital a los
principales artistas del momento: Miguel
Ángel, Rafael o Bramante.
– Características del periodo:
●
Interés por los restos arqueológicos
conservados de la Antigüedad Clásica
(1506, restos del Laocoonte).
●
Aumento del prestigio de los grandes
artistas, cuya cotización se incrementa
continuamente.
●
Arquitectura:

– Construcción de nuevos palacios, de mayor
tamaño, y nuevos templos de planta
centralizada.
– Continuación de las obras de San Pedro
del Vaticano (Bramante, Rafael, Miguel
Ángel, Maderno)



Donato Bramante
Templete de San Pietro in Montorio

●
Obra financiada por los Reyes Católicos,
en el mismo lugar donde la tradición
asegura que fue martirizado San Pedro.

●
Templete de pequeño tamaño = 4,5 mt
diámetro. Inspirado en los tholoi griegos.

●
Cuerpo cilíndrico de planta circular
(períptera, 16 columnas dóricas), sobre
basamento de escalones y cubierto con una
cúpula semiesférica levantada sobre un
tambor con nichos.

●
Materiales: travertino y mármol.

●
Pórtico de 16 columnas que sustentan un
entablamento decorado con triglifos y
metopas, con decoración sobre el martirio
de San Pedro. En su interior, una cella
circular se cubre con cúpula.



Bramante
Basílica de San Pedro del Vaticano (PROYECTO)

●
El proyecto de BRAMANTE no llegó a
realizarse completamente, siendo modificado
por Miguel Ángel.

●
El edificio está concebido como un espacio
enmarcado en un cuadrado: diseña una planta
de cruz griega cupulada, brazos, ábsides y
torres en los ángulos.

●
Dispone una grán cúpula central inspirada en
el Panteón de Agripa y en la de Brunelleschi.

●
Ideológicamente obedece a la voluntad del
Papa Julio II, de crear un templo que fuera
primera iglesia de la cristiandad, tumba de
los apóstoles y mausoleo papal, todo esto
explica sus dimensiones (167 mt lado).

●
A partir de 1547, Miguel Ángel retornó a la
primitiva idea de Bramante, la planta de cruz
griega, pero de menores dimensiones.



Miguel Angel Buonarroti
●
Caprese (1475), Roma (1564)

●
Arquitecto, escultor y pintor

●
Su ideal artístico será realizar una síntesis
global de todas las artes, la exaltación de la
belleza formal y el dinamismo extremo.

●
Miguel Ángel se siente fundamentalmente
escultor, por eso trata los elementos
arquitectónicos con criterios esencialmente
plásticos: frontones que se quiebran,
columnas que se adaptan a espacios
reducidos.

●
Su actividad se centra fundamentalmente
en Florencia y en Roma, trabajando para la
familia Medicis, que se convirtieron en sus
protectores.

●
Principales obras arquitectónicas:

– Biblioteca Laurentiana (Florencia)
– Plaza del Campidoglio (Roma)
– Basílica de San Pedro del Vaticano
(Roma)



Biblioteca Laurentiana (Florencia):

●
Se construye para albergar los
restos de Lorenzo de Medicis “El
Magnífico”

●
Es la obra de Miguel Ángel más
acabada

●
Se trata de un vestíbulo con una
escalera que genera unos
extraordinarios efectos espaciales.

●
Al tratarse de un espacio muy
reducido, juega con los
elementos (peldaños de diferente
anchura y distribución en tramos;
multiples descansos,
pasamanos...), generando una
escalera monumental.



San Pedro del Vaticano (proyecto de Miguel Ángel):

●
En 1546, Miguel Ángel se hace cargo del proyecto de San Pedro del Vaticano, tras morir Antonio
de Sangallo, y serle encomendada la finalización de la obra por el Papa Pablo III.

●
Recupera la idea primitiva de Bramante y respeta plenamente la planta centralizada. Mantiene la
forma de cruz griega, abre una sola entrada principal y coloca en el centro de la basílica 4 enormes
pilares ochabados, que servirán de soporte a la cúpula, aún mayor que la que diseño Bramante.



Cúpula de San Pedro del Vaticano (Roma):

●
La cúpula, de 42 mt de diámetro, requiere
para su sostén otras 4 cúpulas menores
detrás de los pilares (Santa Sofía de
Constantinopla)

●
Se asienta sobre tambor circular que
presenta parejas de columnas gemelas.

●
Sobre el tambor se eleva otro segundo
tambor, con decoración de guirnaldas, y
sobre este, la cúpula.

●
La cúpula es de doble cuerpo (casquete).
El interior es de medio punto y el exterior
ligeramente apuntado.

●
Las ventanas están decoradas recogiendo
la tradición clásica = alternancia de
frontones y lunetos.

●
La altura de la cúpula es de 120 mt. Está
sostenida por 4 enormes pilastras y
decorada a base de mosaicos.

●
La cúpula debía ser visible desde cualquier
punto de la plaza; efecto que perdió tras la
reforma que hizo Carlos Maderno en la
fachada de la Basílica.



Plaza del Capimdoglio (M. ÁNGEL).


Escultura del Cinquecento italiano (XVI).
Miguel Ángel
●
Artista florentino, hombre polifacético (arquitecto, escultor
y pintor), trabajó en la corte de los Medicis.

●
Trabajó en Florencia, Roma y Bolonia. Conoció la obra de
Donatello y Jacobo Della Quercia, cuyo estilo rotundo y
enérgico le llegó a impresionar.

●
Viajó por Roma y quedó impresionado por el mundo clásico,
que plasmó en sus obras.

●
La Piedad

– Mármol; 1,74 mt altura; basílica San Pedro del Vaticano
– Composisción piramidal, que representa a la Virgen,
encarnación de la belleza neoplatónica, que sujeta entre
sus brazos el cuerpo de Cristo muerto. La influencia del
Quattrocento se nota en el perfecto equilibrio de las
figuras, idealizadas, de perfectos acabados en el pulido
del mármol.
– El tema, proviene del gótico final; el cadáver de Cristo
está en brazos de María, descansa sobre sus rodillas,
como si estuviera dormido. María está llena de
juventud, que contrasta con la mayor edad de su hijo,
lo que quizá pueda ser interpretado como un recurso
formal para hablarnos de la pureza inmaculada:
“María ha de ser más joven que Cristo para demostrarse
eternamente Virgen”.


La Piedad del Vaticano
(Miguel Ángel)



Miguel Ángel
David

●
Mármol; 4,10 mt; Academia de Florencia

●
Tema: David estudia a su rival en un
momento de máxima concentración y
energía, con ira, preparando el asalto.

●
Composición: escultura de bulto redondo,
realizada en mármol de carrara, en un
bloque que estaba ya debastado. El artista
no representa la acción, sino la
intención, la tensión contenida, por eso la
figura es muscolosa. Es una suma de
voluntades, la representación del naturalismo
florentino y al mismo tiempo el gusto por el
desnudo y el estudio de la anatomía. Miguel
Ángel rompe con el Quattrocento y el
Clasicismo al colocar dos miembros del
mismo lado en movimiento y agranda otras
partes (agigantamiento miguelangelesco):
manos, pies, uñas, dedos o el gesto. Miguel
Ángel representa a David en la fase previa al
encuentro con Goliat.

●
Significado: David es un símbolo para
Florencia, es fortaleza e ira, atributos que
habían caracterizado a Florencia en defensa
de su libertad frente a Milán.



El Moisés
●
Es una de las 6 estatuas que
en principio formaban parte
del monumento funerario
del Papa Julio II, y la única
acabada.

●
Tema inspirado en la
escultura del Laoconte;
grupo escultórico descubierto
a principios de siglo y
adquirido por el Papa en 1506.

●
Composición: Moisés
muestra en su rostro algo
que estará presente en
muchos de los personajes del
mismo autor: la terribilitá,
termino italiano que resume la
fuerza contenida en sus
figuras. Moisés lleva bajo su
brazo las tablas de la Ley;
posee una musculatura
rotunda, titánica, como
muestra su su potente pierna
apoyada en el suelo. La figura
presenta una pierna
ligeramente adelantada, tiene
la cabeza girada; su expresión
facial es seria y dura, con una
poblada barba.



Piedad Rondanini Piedad (Museo della Opera, Florencia)


Pintura del Cinquecento italiano (XVI).
Leonardo da Vinci
●
Artista florentino; trabajó fundamentalmente entre Florencia y
Milán

●
Destacó en numerosas actividades (anatomía, física, óptica,
matemáticas, botánica...), pero sobre todo fue pintor.

●
Gran observador de la naturaleza, analizó el vuelo de las aves,
corrientes de agua y viento, llegó a diseñar una máquina para
volar... Defensor del arte pictórico, para él la pintura era una
actividad intelectual que reproduce la realidad y la naturaleza.

●
Aportaciones:

– Perspectiva aérea: intenta representar la atmósfera que
envuelve a los objetos, dibujando a los del fondo más
desdibujados con objeto de reproducir una impresión real de
distancia.
– Sfumato: técnica inventada por Leonardo da Vinci que
consiste en mezclar progresivamente las tonalidades sin una
transición perceptible en la que no se definen los contornos.
●
Obras:

– La Virgen de las Rocas.
– La última cena.
– La Gioconda.



La Virgen de las Rocas:
●
Óleo sobre tabla, transferida a lienzo.

●
Tema: San Juan Bautista niño, adorando a Jesús, que
está situado en el centro, en presencia de un ángel y
de María.

●
Composición: las figuras están representadas en el
centro. El cuadro parece más una visión poética
que una realidad. Representa a las figuras emergiendo
de una gruta, en una atmósfera de humedad que
vela sus formas con una especie de neblina. Aplica la
técnica del sfumato, que consiste en mezclar
progresivamente los tonos sin una transición
perceptible, en la que no se definen los contornos.

●
Leonardo eligió pintar un momento apócrifo de la
infancia de Cristo, cuando Juan el Bautista niño,
huérfano, refugiado dentro de una gruta y protegido
por un ángel , encuentra a la Sagrada Familia en su
huida a Egipto. De acuerdo con la interpretación
tradicional de las pinturas, representan a la Virgen
María en el centro, empujando a Juan hacia Jesús,
que está sentado con el ángel Uriel



La Gioconda

●
Óleo sobre tabla.

●
Tema: retrato de Lisa
Gerardini, esposa de
Francisco Giocondo, Mona
Lisa.

●
Leonardo nunca entregó
el cuadro, lo retuvo con él
hasta su muerte y no dejó
de trabajar en él,
retocándolo
continuamente. Invirtió
más de diez mil horas en
su elaboración.

●
Composición: Presenta
un sfumato de gran
refinamiento, que le da un
cierto sentido de misterio.
La chica posa en tres
cuartos, tocada con un
velo y las manos
recogidas, sobre un
paisaje con un horizonte
muy lejano. El rostro es
muy curioso, no tiene
pestañas ni cejas, su
mirada es profunda y
sobre todo su sonrisa
resulta muy enigmática.


La última cena:
●
Técnica: fresco sobre pared; obra pintada en el refectorio de Santa
Maria delle Grazie (Milán); muy deteriorada, incluso desde el
principio.

●
Estilo: Renacimiento (cinquecento)

●
Tema: representación del momento en el que Jesús comunica a
sus discípulos que alguno de ellos le va a entregar o traicionar.

●
Composición: Leonardo nos enseña claramente la perspectiva
lineal. Existe un punto de fuga (cabeza de Jesús) en el que todo
converge y hacia donde es conducida nuestra mirada. Diversas líneas
de fuga se encargan de conducir el espacio hacia ese punto. Hay en
los apóstoles tensión psicológica, incredulidad.... El encargo lo
efectuó Ludovico el Moro, duque de Milán, que solía ir a cenar los
jueves con el abad, y pidió a Leonardo que adornara la sala con este
fresco. Su éxito se basa en la fuerza psicológica de la escena. Contra
lo habitual hasta el momento, el pintor no centra la escena en el
momento de la consagración del pan, sino en el momento en el que
Cristo denuncia la traición de uno de los discípulos. Ante su palabra,
cada discípulo reacciona de una manera diferente, lo que permite
realizar a Leonardo un completo estudio de los temperamentos
humanos: la cólera, la sorpresa, la incredulidad, la duda... la
culpabilidad. Judas no está, como tradicionalmente, a un extremo de
la mesa, sino en medio, sin hablar con nadie. Leonardo distribuye los
apóstoles en grupos de tres.

●
Lo misterioso de la obra de Leonardo: ¿Qué hace un amenazante
cuchillo en la zona izquierda y quien lo empuña?. ¿Quién es
realmente el personaje a la izquierda de Jesús? ¿No es demasiado
femenino para ser un apóstol ?, ¿Tal vez se trate de María
Magdalena?.


LEONARDO da Vinci, La última cena



Rafael de Sanzio
●
Pertenece a la escuela romana, junto a Miguel Ángel.

●
Viajó a Florencia y conoció la obra de Leonardo y
Miguel Ángel. Se caracteriza por crear composiciones
sin tensión ni dramatismo; su mundo es amable y
sereno, lleno de gracia.

●
Trabajó para Julio II, decorando las estancias
Vaticanas.

●
Principales obras:

– Los desposorios de la Virgen.
– La Madonna del Jilguero:
●
Muestra la influencia de la obra de Leonardo.
●
Rafael recurre a una composición piramidal,
recrea fondos húmedos y desdibujados
– La escuela de Atenas:
●
Se trata de uno de los frescos que decora la
estancia de la Signatura del Papa.
●
La escena representa la escuela de la
filosofía griega. Los dos personajes centrales
representan a Aristóteles, señalando hacia el
suelo, y a Platón, que señala hacia el cielo,
cuyo rostro se ha identificado con el de
Leonardo. Algunos de los personajes se
identifican con artistas del periodo Los desposorios de la Virgen.
(Bramante, Miguel Ángel, Rafael...)


La madonna del Jilguero:
●
Técnica: Oleo sobre tabla (107 x 77 cm)
●
Estilo: Renacimiento (Cinquecento)
●
Tema: Representación de la Virgen
madre, con el niño en sus rodillas y San
Juan niño, jugando ambos con un
pajarillo.
●
Composición: en esta obra encontramos
el estilo definitivo de Rafael, destacando
la blandura y la belleza de las figuras.
La escena está inspirada en Leonardo al
emplear una composición piramidal,
asimilando también el atractivo
contrastes de luces y sombras con el
que crea una admirable sensación
atmosférica. Las figuras se ubican ante un
amplio paisaje de aspecto umbroso
(húmedo) con el que obtiene un
prodigioso efecto de perspectiva. Las
referencias a Miguel Ángel también
están presentes, inspirándose al colocar la
figura del Niño entre las rodillas de su
madre.



La escuela de Atenas:

●
Técnica: fresco (estancia de la Signatura Vaticana)

●
Estilo: Renacimiento (Cinquecento)

●
Tema: La Escuela de Atenas simboliza la filosofía. El
maestro ha introducido la escena en un templo de
inspiración romana, posiblemente siguiendo los
proyectos de Bramante para la basílica vaticana.

●
Composición: las figuras se sitúan en una gradería,
formando diversos grupos presididos por los dos
grandes filósofos clásicos: Platón, levantando el dedo
hacia el cielo, y Aristóteles, tendiendo su brazo hacia
adelante con la palma de la mano vuelta hacia el suelo.
El artista representa las doctrinas filosóficas más
importantes del mundo griego: el idealismo y el
realismo. Ambos personajes dialogan y avanzan ante
un grupo de figuras que forman un pasillo:

– Sócrates (conversando con un grupo de jóvenes).
– Zenón (con un libro que sostiene un niño mientras
lee Epicúreo).
– Diógenes (echado sobre las escaleras).
– Euclides (junto a sus discípulos midiendo con un
compás).
– Zoroastro y Ptolomeo (con la esfera celeste y el
globo terráqueo respectivamente).



Miguel Ángel
●
Características de su obra pictórica:
perfecto dibujo anatómico, figuras
voluminosas, gran expresividad en sus
composiciones y la utilización de colores
intensos.

●
Trabajó para el Papa Julio II, quien le
encargó la decoración de la capilla Sixtina.

●
En la parte frontal de la capilla se encuentra
la representación del Juicio Final, obra que
Miguel Ángel realizó una vez terminada la
decoración de la bóveda. La escena está
dominada por Cristo, que se encuentra en
actitud de juzgar con su brazo levantado.
Todos los personajes de la obra parecen estar
envueltos por un ambiente apocalíptico,
donde predominan las ideas de la muerte y la
vida.

●
En la parte central de la bóveda se
encuentran nueve escenas sobre diferentes
acontecimientos relatados en la Biblia: Dios
separando la luz de las tinieblas, la creación
del sol y los astros, la separación de tierras y
aguas, la creación de Adán, la creación de
Eva, el pecado original, el sacrificio de Noé, el
diluvio universal y la ebriedad de Noé. Todas
estas escenas se encuentran rodeadas por
diferentes figuras desnudas, profetas y
sibilas.


El Juicio Final
●
Influencia de la Divina Comedia, de Dante.

●
Tras el Concilio de Trento, las figuras
desnudas fueron vestidas por David
Volterra (Il Bragino), como consecuencia
de las nuevas ideas sobre el pudor y la
castidad.

●
El conjunto lo integran unas 400 figuras de
diferente tamaño. A pesar del aparente
desorden, los personajes aparecen
representados en grupos cerrados.

●
Todos los cuerpos muestran tensión en su
musculatura, que recuerdan la escultura
del propio artista. La imagen de Cristo
ocupa el lugar central de la zona celestial; a
su lado está la Virgen, que mira hacia la
izquierda.

●
Los seres celestiales (apóstoles y santos)
se sitúan en la parte superior de la escena.

●
La zona inferior está constituida por dos
fajas, separadas por ángeles con trompetas
que anuncian el Juicio: los que inician su
ascensión hacia el cielo (los justos) y los
que descienden a los infiernos (los
condenados). Las referencias mitológicas
están presentes en el tema religioso (La
Barca de Caronte).



La pintura veneciana
●
Pintura con personalidad propia. El mecenazgo de los Dux de
Venecia y el contacto comercial con Oriente, dotan a su arte de
una gran brillantez.

●
Varias circunstancias confluyen en Venecia para originar una
pintura tan original:

– El país: su especial climatología obliga a los pintores a
otorgar mayor protagonismo al color.
– La historia socio-económica: metrópoli comercial,
familiarizada con el discurrir de gentes de otros continentes
y países, ataviados con indumentarias de vivos colores.
– Sus artistas: preocupados por la luz, el color, la pintura
detallista.
●
Características formales más importantes:

– Predominio del color, utilizando un cromatismo de colores
cálidos, en detrimento del dibujo.
– Presencia de paisajes de fondo que iluminan las escenas.
– Importancia de los temas secundarios: se presta atención
a lo anecdótico, los detalles, los fondos naturalistas...
– Arte sensual que se complace en la captación de: cuerpos
femeninos desnudos, los lujosos objetos...
●
Principales representantes: Giorgione, Tiziano, Tintoretto y
Veronés.



Tiziano
●
Fue discípulo de Giorgione. Motivo por
el cuál no deja de plantearse
problemas para determinar la autoría
de algunas de sus obras.

●
Gran retratista, trabajó en la corte de
Carlos V y Felipe II; aunque también
realizó retratos mitológicos y
desnudos femeninos

●
Iniciador del retrato de aparato, en el
que los personajes aparecen
representados en todo su esplendor y
con la mayor dignidad.

●
Sus retratos destacan por:
representación de tres cuartos,
penetración psicológica,
cromatismo de las figuras sobre
fondos neutros.

●
Principales obras:

– Retrato ecuestre de Carlos V
en Mühlberg
– Dánae



TIZIANO, Dánae



Tiziano, Retrato de Felipe II.



VERONÉS, Bodas de Caná.


GIORGIONE, La Tempestad.

Arte del Renacimiento

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