Arquitectura. Pintura Y Escultura

1. Universidad Politécnica
“Santiago Mariño”
Extensión Barinas
Escuela de Arquitectura
Manuel Rojas
Historia de la Arquitectura II
ARQUITECTURA
PINTURA
ESCULTURA

2. Iglesia de Santa Susanna (Roma)
 Arquitecto: Carlos Maderno (1597-1603)
Como se aprecia, en esta época, la relación con el espacio urbano era importante, por eso
se mantiene la simetría en esta obra, conservando los ordenes clásicos y dos frontones , los
cuales los adornos orgánicos que poseen estas los acompañan formas orgánicas en la parte
superior,; además se aprecia el cambiante efecto de claro oscurísimo al que esta se ve sometida.

3. Chateau De Maisons Laffitte (Francia)
 Arquitecto: Francois Mansart (1642-1651)
En esta arquitectura también se mantiene la simetría, manteniéndola como un conjunto
unitario, en la entrada del mismo, se levantan dos pequeñas alas, las cuales dan esa sensación
acogedora para el visitante, mantiene algunos elementos clásicos de columnas y pilastras; y como
era característico de esta época, al edificio de le trata de mezclar con el entorno en la naturales

4. Mauritshuis -La Haya- (Ámsterdam)
 Arquitecto: Jacob van Campen (1633-1644)
Se puede apreciar su formato rectangular, y su decoraciones no muy comunes, se aprecia
el uso de pilastras jónicas que unen los pisos y soportan el frontón, un perfil de una cubierta a dos
aguas y mantiene perfectamente la simetría.

5. Catedral de Granada (España)
 Arquitecto: Carlos Alonso – José Granados de la Barrera (1667)
Se puede apreciar los fuertes rasgos de estilo gótico, y el uso de elementos clásicos como
las pilastras, adornos circulares, molduras, simetría y los arcos de media punta. También la
fachada posee una semejanza con un arco de triunfo, también la fachada por las pilastras como
cajeadas le da diversos contrastes luminosos la cual la acentúan

6. Inmaculada De Soult (España)
 Pintor: Murillo Esteban (1678)
Al igual que en el arte clásico, resaltan las imágenes divinas, el uso de ángeles en la
escena y los colores mas claros de fondo conjuntamente con una técnica de claro oscuro hace
que la virgen resalte de los demás elementos que componen esta obra.

7. Martirio de San Felipe (España)
 Pintor: Ribera (1639)
Al igual que en el arte clásico, reflejan hechos acontecidos durante la historia desde el
punto de vista del pintor, también se aprecia la integración de diversos personajes y ubicación
estratégica en la misma, hacen que el personaje divino sea el que resalte con técnicas de
iluminación aplicados con oleo. La escena se desarrolla al aire libre, las figuras reciben la luz del
sol, que en el caso de las mujeres de la zona izquierda desdibuja los contorno. Captura el
esfuerzo y expresiones realistas que reflejan los personajes

8. Las Meninas La Familia de Felipe IV
(España)
 Pintor: De Silva Velázquez Rodríguez
(1656)
Una de las características principales de
la obra es la utilización impecable del claro
oscuro y técnicas de iluminación. Captura
la esencia de cada personaje sin dejar
nada al azar, aunque la niña pareciera que
fuese el foco principal no lo es, pues la
pintura detalla cada parte del cuadro.
La utilización de la perspectiva nos da la
sensación de fondo que posee la escena
a través del aire que rodea a cada uno de
los personajes y difumina sus contornos,
especialmente las figuras del fondo, que
se aprecian con unos perfiles más
imprecisos y colores menos intensos.
También es interesante la forma de
conseguir el efecto espacial, creando la
sensación de que la sala se continúa

9. Las Meninas La Familia de Felipe IV
(Valladolid)
 Pintor: De Silva Velázquez Rodríguez
(1656)
Una de las características principales de
la obra es la utilización impecable del claro
oscuro y técnicas de iluminación. Captura
la esencia de cada personaje sin dejar
nada al azar, aunque la niña pareciera que
fuese el foco principal no lo es, pues la
pintura detalla cada parte del cuadro.
La utilización de la perspectiva nos da la
sensación de fondo que posee la escena
a través del aire que rodea a cada uno de
los personajes y difumina sus contornos,
especialmente las figuras del fondo, que
se aprecian con unos perfiles más
imprecisos y colores menos intensos.
También es interesante la forma de
conseguir el efecto espacial, creando la
sensación de que la sala se continúa

10. La Piedad
(España)
 Escultor: Gregorio Fernández (1616)
Es esta obra se refleja el dolor y la expresión casi realista de la obra,
posee una esencial actitud teatral del levantamiento de los brazos, mientras que
la incrustación del cuerpo de Cristo en el regazo es de estilo renacentista; los
ropajes, y sus abundantes plegados propician unos contrastes luminosos muy
acusados que confieren a la obra el carácter pictórico y mutable propio del arte
barroco, además priman las líneas diagonales y la asimetría, rompiendo con el
esquema piramidal tradicional de la piedad de Miguel Ángel.

11. David de Bernini
(Roma)
 Escultor: Bernini Gianlorenzo (1623)
Aunque la obra refleja el manierismo como tal, el
autor mismo le aplica las técnicas utilizadas en el
barroco, la realiza totalmente distinta a la estatua
estática de Miguel Ángel, al proponer la acción en
desarrollo, el cual de la sensación de realismo de
la estatua en movimiento, se utiliza el mármol.
La misma escultura no es necesario verla de
diferentes angulos para apreciar lo que refleja la
misma, si no que crea un solo punto de
perspectiva disponible, suficiente para expresar lo
que se deseo en el momento.

12. El Éxtasis De SANTA TERESA
(Roma)
 Escultor: Bernini Gianlorenzo (1647-1642)
Una obra realizada reflejando un relato bíblico,
donde María Teresa se le presenta un ángel, en
la que al observador se le atrapa en medio de un
juego de sugestivas relaciones y el mismo se
volverá inmerso en el realismo y expresiones de
los personajes en la escena, utilizando mármol y
cobre
Este escultor tuvo la capacidad de fundir tensión
espiritual y una gran carga emotiva los cuales
pienso son los componentes básicos de la
religiosidad barroca al igual que su manejo con la
implementación de los materiales