Tema18: El arte en el siglo XIX

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SantillanaSALIRSALIRANTERIORANTERIOR
PRESENTACIÓNINICIO GALERÍA
INTRODUCCIÓN
PRESENTACIÓN
GALERÍA
INTERNET
18 El arte en la segunda mitad
del siglo XIX

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Contexto histórico-artístico
Datos históricos relevantes
1600 1620 1640 1660 1680 1700 1720 1740 1760 1780 18001840 1860 1880 1900 1920 1940 1960 1980 2000 20201820
1848
Revoluciones
en Europa.
1922
Fundación
de la URSS.
Triunfo
del fascismo
en Italia.
1917
Revolución Rusa.
1914-18
I Guerra
Mundial.
1929
Depresión económica
mundial: crisis de la Bolsa
de Nueva York.
1933
Triunfo del nazismo
en Alemania.
1936-39
Guerra Civil
española.
1939-45
II Guerra Mundial.
1989-91
Desaparición del
comunismo en Europa.
1990
Reunificación de
Alemania.
2001 Ataque
terrorista a las Torres
Gemelas.

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1600 1620 1640 1660 1680 1700 1720 1740 1760 1780 1800
Contexto histórico-artístico
Datos artísticos relevantes
1840 1860 1880 1900 1920 1940 1960 1980 2000 20201820
1889
Construcción
de la Torre Eiffel.
1853
Transformación
urbana de
París (barón
Haussmann).
1871
Incendio y
reconstrucción
de Chicago.
1874
Primera exposición
de los impresionistas.
1895
Proyección de
los hermanos
Lumière en París.
1900
Exposición Universal
de París: triunfo del Art
Nouveau.
1919
Fundación
de la Bauhaus.
1924
Manifiesto
del Surrealismo.
1927
Aparición del
cine sonoro.
1937
El Guernica en
la Exposición
Internacional
de París.
1981
Se funda ARCO,
Feria
Internacional de
Arte
Contemporáneo.
1996
Rafael Moneo
gana el premio
Pritzker de
arquitectura.

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El mundo en 1914

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El mundo actual

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Índice
1.- La creación de un nuevo
lenguaje artístico
2.- Arquitectura e ingeniería: revolución
industrial y nuevos materiales
2.1.- Surge la arquitectura industrial
2.2.- Las resistencias: el Historicismo
2.3.- La Escuela de Chicago
2.4.- La transformación urbana
2.5.- El Art Nouveau: arquitectura,
artes decorativas y artes gráficas
3.- La escultura
3.1.- J. B. Carpeaux (1827-1875)
3.2.- Augusto Rodin (1840-1917)
4.- La pintura: del Romanticismo
al inicio de las vanguardias
4.1.- La pintura romántica: figuras y paisajes
4.2.- La pintura realista
4.3.- El Impresionismo
4.4.- El Puntillismo o Divisionismo
4.5.- El Postimpresionismo
4.6.- El Simbolismo

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1.- La creación de un nuevo lenguaje artístico
Síntesis
El siglo XIX fue una época de intensas transformaciones políticas, económicas
y sociales.
La pervivencia de los grandes imperios europeos y los cambios sociales y de
mentalidad debidos, al impacto y al avance de las revoluciones burguesa e
industrial, van a reflejarse en las diversas sensibilidades y corrientes culturales
existentes.
El arte no se mantuvo ajeno a este período revolucionario y los estilos se suceden
vertiginosamente:
Se crean nuevos valores artísticos que llegan al lenguaje plástico –el
Romanticismo, la Escuela de Chicago, el Realismo, el Impresionismo, el
Postimpresionismo–, se pasa de la arquitectura tradicional a la del hierro y de la
escultura tradicional a la inacabada.
Será en las décadas finales cuando se imponga la libertad de creación, lo que
supondrá el fin de la tradicional homogeneidad de estilos.

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2.- Arquitectura e ingeniería: revolución industrial y nuevos materiales
Síntesis
De finales del siglo XIX a principios del XX, el proceso de industrialización tuvo
gran repercusión en las ciudades.
Las ciudades crecieron mucho y rápidamente, por lo que había necesidad de
construir muchos inmuebles en poco tiempo y de crear nuevas tipologías
de edificios para las necesidades de los núcleos urbanos e industriales.
Los nuevos materiales se generalizan y se desarrollan medios de comunicación en
los que la energía del vapor deja paso a la electricidad y al petróleo.
Es el inicio de la ciudad moderna, cosmopolita e industrial con una fuerte
burguesía capitalista como protagonista.
Será en las décadas finales cuando se imponga la libertad de creación, lo que
supondrá el fin de la tradicional homogeneidad de estilos.

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Surge la arquitectura industrial
La arquitectura industrial, propia de la segunda mitad del XIX, se basa en el uso
de los nuevos materiales tecnológicos: hormigón armado, acero, cristal o
hierro, que se complementan entre sí y permiten construir edificios grandes y
ligeros.
Los nuevos materiales permitían que la
edificación se sustentara con pocos soportes,
lo que hacía posible abrir grandes espacios y
rellenar los muros con cristal, pues ya no
cumplían una función de sostén.
Otra ventaja era que permitían construir con
rapidez, puesto que se podían utilizar piezas
prefabricadas.

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Surge la arquitectura industrial
Su uso se difundió a través de las exposiciones
organizadas por distintos países. Este fue el caso de la
Primera Exposición Universal de Londres (1851) y su
emblemático palacio de cristal, obra del autodidacta
Joseph Paxton.
Revolucionó la arquitectura asimismo al sustituir por
cristal los tradicionales muros y cerramientos opacos.
La Torre Eiffel es el mayor exponente de la arquitectura industrial.
Obra única en su género, de gran elegancia y belleza, se creó
como ejemplo de la nueva arquitectura, de fusión entre arte y
técnica.
Su autor fue Gustave Eiffel, ingeniero experto en construcciones
hechas en hierro.

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Las resistencias: el Historicismo
La nueva arquitectura tardó en ser aceptada por amplios sectores tanto de
arquitectos como del público en general, que la consideraban poco artística, fea y
carente de atractivo.
Muchos arquitectos volvieron sus ojos a los grandes estilos
del pasado por considerarlos de mayor valía y estética.
De esta forma se desarrolló la arquitectura historicista,
nombre que engloba aquellas creaciones del siglo XIX que
recrean estilos del pasado.
Generalmente, los distintos estilos comenzarán por el
término neo: Neogótico, Neorrománico, Neobizantino,
Neomudéjar...
Un buen ejemplo es la Ópera de París (Neobarroco), obra
de Charles Garnier.
En ocasiones, se mezclaban
elementos de varios estilos
diferentes. Nace así el
Eclecticismo artístico que
dominará este período.

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La Escuela de Chicago
Da nombre a un estilo creado en el último cuarto del siglo XIX por un grupo de
arquitectos de Chicago, entonces la segunda ciudad de Estados Unidos.
Su origen va unido al devastador incendio que arrasó esta
ciudad en 1871 y que destruyó 17.000 edificios.
Hubo que rehacer la ciudad, pero la especulación de los
terrenos y la gran demanda de viviendas obligaron a
construir en vertical.
Nace así el rascacielos, un nuevo concepto constructivo
que supondrá un cambio de rumbo en la arquitectura.

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La Escuela de Chicago
Esta escuela, que hizo de Chicago una metrópoli vertical y
cuna de la arquitectura moderna, empleó soluciones de
gran audacia técnica y creativa como:
El uso de estructuras metálicas de hierro.
El uso del pilar de hormigón como soporte.
El desarrollo del ascensor eléctrico.
Los exteriores lisos y acristalados.
Se considera a Le Baron Jenney (1832-1907) y a su
discípulo Louis Sullivan (1856-1924) los fundadores de la
Escuela.
Le Baron Jenney es autor del primer edificio del mundo
levantado con estructura metálica, el Leiter Building.
En 1902 se inaugura el
emblemático Flatiron
Building, obra de Daniel
Burnham, discípulo de
Le Baron Jenney.

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La transformación urbana
Hacia 1850 comienzan a diseñarse en Europa planes de transformación integral
sobre el conjunto del tejido urbano, ya que las ciudades necesitaban una nueva
organización urbana, política y social.
El primer modelo fue realizado por el barón Haussmann en
1850. Consistía en la reordenación radical de París; en
líneas generales se trataba de:
Aumentar la superficie edificable.
Trazar nuevas vías anchas y rectas sobre los barrios
antiguos.
Construir edificios de mejor calidad y urbanizar la periferia.
La reordenación de París fue el prototipo que escasos años
después se seguiría en otras grandes ciudades europeas,
como Madrid, Barcelona, Marsella o Roma.

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El Art Nouveau: arquitectura, artes decorativas y artes gráficas
El Art Nouveau es una corriente artística que surgió en Europa contra el
Historicismo y contra lo que se consideraba la fealdad estética de los productos
industriales. Esta corriente creó renovadas formas con la línea curva como
elemento dinámico. Discurre entre 1890 y la Primera Guerra Mundial.
Su objetivo era democratizar la belleza. Era un estilo de gran
poder decorativo creado para la cultura burguesa, urbana y
cosmopolita. Todo el arte modernista se caracteriza por:
Sus estilizadas formas ondulantes.
El uso del color incluso en arquitectura.
Las figuras femeninas sensuales y delicadas.

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En arquitectura, además de estos rasgos generales, los
arquitectos del Art Nouveau:
Utilizaron los nuevos materiales y sistemas arquitectónicos.
Concibieron el edificio como un todo orgánico, tanto en su
interior como en su exterior y su mobiliario.
En este afán por crear espacios bellos, que se distanciaran de
la fealdad y el mero utilitarismo de la arquitectura industrial,
usaron hermosos mosaicos para cubrir los suelos y vidrieras
en las ventanas, que además creaban bellos efectos de luz.

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Bélgica
El modernismo arquitectónico nació en Bruselas con las
obras de Victor Horta, como la Casa Tassel, y las de
Henry van de Velde, que rompen con el Historicismo. Austria
En 1897 surge el movimiento de la Secesión, fundado por varios
artistas, entre los que se encontraba el pintor Gustav Klimt, con quien
la pintura modernista alcanzará su cota más alta.
Las arquitecturas de este movimiento se caracterizan por su elegante
y sobria decoración, su funcionalidad y una estructura clasicista,
geométrica, equilibrada y ordenada.
Su líder fue el arquitecto Otto Wagner. También destaca Joseph M.ª
Olbrich, su discípulo más notable.

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Escocia
En este país destaca Mackintosh, autor de la Escuela de
Arte de Glasgow, obra que conjuga la arquitectura con el
diseño mediante formas prismáticas y rectas. Francia
En Francia el Art Nouveau dejó su huella en la obra de
artistas como Guimard, y en los maestros del cristal
Louis Galle y Jules Lalique.
Pero el Art Nouveau es mucho más que un movimiento
arquitectónico. En las artes gráficas y aplicadas el Art
Nouveau encuentra un fecundo campo de aplicación.
Destaca el artista checo Alphonse Mucha.

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Francia
Hacia 1910 el Art Nouveau entra en decadencia, y es
reemplazado por el Art-Decó, una derivación geométrica
más elegante y funcional a base de trazos más simples,
rectilíneos.
Tamara de Lempicka, de origen eslavo, es una de las
pintoras de referencia, con obras como Desnudo con
sedas, y a su vez es símbolo vital y artístico del espíritu
de los trepidantes años veinte.

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Síntesis
En la segunda mitad del siglo XIX coexisten diferentes tendencias escultóricas,
desde el Romanticismo dramático y de exagerados contrastes, que tiene a
François Rude como su mejor ejemplo, al Neoclasicismo severo o al naturalismo.
3.- La escultura
Es un período de eclecticismo en el que se mezclan distintas influencias.

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3.- La escultura
J. B. Carpeaux (1827-1875)
Escultor realista francés que domina el tercer cuarto del siglo XIX. Su exitosa
carrera va unida a la decoración de los principales monumentos públicos del
Segundo Imperio.
Gran admirador de la obra de Miguel Ángel, muestra su
talento en obras de suave modelado y gran dinamismo.
Renueva la escultura al rechazar el clasicismo vigente.
En 1863 Garnier le encarga la alegoría de La danza para
la fachada de la nueva Ópera de París, que será su obra
más conocida.

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3.- La escultura
Augusto Rodin (1840-1917)
Escultor francés y figura capital en la escultura del siglo XIX. Rodin libera a la
escultura del convencional academicismo y la dota de expresión interior.
Su viaje a Italia le permitió profundizar en el movimiento y
el vigor de las obras de Miguel Ángel y Donatello. Creó un
estilo de gran plasticidad, sin poses, como se observa
en El pensador.
Esta obra debía coronar su monumental Puerta del
infierno, réplica de la del paraíso de Ghiberti.

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3.- La escultura
Augusto Rodin (1840-1917)
En bronce o mármol, Rodin refleja con toda su fuerza
introspectiva y con un modelado de formas suaves y
simplificadas todas las pasiones humanas.
Así, en El beso transmite una intensa sensualidad.
Y una profunda desmoralización en el grupo de Los
burgueses de Calais, donde representa a un grupo de
ciudadanos abatidos por su derrota ante los ingleses.

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4.- La pintura: del Romanticismo al inicio de las vanguardias
La pintura romántica: figuras y paisajes
Tras el frío y ordenado Neoclasicismo, el Romanticismo se impone en Europa
a través de la literatura, y alcanza su mayor apogeo entre 1825 y 1875.
Destaca el gusto de los románticos por lo medieval y lo pintoresco,
frente a la inspiración en la Antigüedad de los neoclásicos.
El paisaje es uno de los temas románticos preferidos. A través de
él, el artista expresa sus estados de ánimo y emociones y
libera su imaginación introduciendo elementos de fantasía.
Los viajes a destinos exóticos, serán una fuente de inspiración.
La figura humana se representa con realismo.
El colorido destaca sobre el dibujo con pinceladas visibles,
espesas y dinámicas, con grandes contrastes.
Las composiciones se caracterizan por su dinamismo, frente al
orden del Neoclasicismo.

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Théodore Géricault (1791-1824)
Es uno de los grandes pintores románticos, su
obra se caracteriza por la fuerte expresividad de
sus escenas dramáticas y desesperadas,
protagonizadas por gente anónima.
Se inspiraba en hechos reales de gran
repercusión, como trágicos naufragios, a los que
eleva a la categoría de heroicos, La balsa de la
Medusa es un ejemplo.

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Eugène Delacroix (1798-1863)
Pintor francés que lleva al lienzo el sentimiento
político romántico de exaltación nacionalista,
como se observa en su obra La Libertad
guiando al pueblo.
Su colorido es de gran luminosidad y fuertes
contrastes, que aplica con pequeñas pinceladas
de materia pura, técnica que tendrá gran
influencia en los impresionistas.

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Caspar David Friedrich (1774-1840)
Friedrich fue un maestro del Romanticismo
alemán, de enorme influencia en las vanguardias
alemanas del siglo XX.
Su obra, innovadora y de gran fuerza espiritual,
es fruto de su misticismo y de su deseo de
comunicación con la inmensidad del universo. Un
ejemplo de ello es Viajero frente al mar.

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J. M. W. Turner (1775-1851)
Este pintor inglés está considerado como uno de
los más grandes coloristas de la historia.
Las atmósferas brumosas de sus paisajes hacen
que los elementos materiales de ellos se
difuminen, y se transformen desde la estética
romántica en paisajes imaginarios. Un ejemplo es
su obra Lluvia, vapor y velocidad.

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La pintura realista
El Realismo nació en Francia hacia 1840, en oposición a los excesos del
Romanticismo, y ante los cambios sufridos en Europa por la Revolución
Industrial, el consiguiente capitalismo y la explotación obrera.
Se fundamenta en la representación objetiva de la realidad, sin
idealismos, incluso con crítica social.
Se sirve de la fotografía, inventada por Louis Daguerre en 1839,
para captar las apariencias de la realidad.

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La pintura realista
J. B. Corot (1796-1875)
Paisajista francés de los más notables. Se inició
en el Neoclasicismo, pero más tarde se dedicó a
estudios directamente del natural.
En su obra recoge escenas de gran lirismo y
sencillez clásica, teniendo como protagonista la
luz y captando la atmósfera a través de manchas
de color empastadas.

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La pintura realista
Gustave Courbet (1819-1877)
Máximo representante del Realismo, fue un personaje
revolucionario y provocador.
Aporta sin artificios una nueva visión más realista de
lo cotidiano, como si fuera una crónica visual.
Destacan lienzos como El taller, Los picapedreros
y Entierro en Ornans. J. F. Millet (1814-1875)
Pintor realista francés, excelente retratista y dibujante, y
uno de los primeros en integrar la temática campesina
en el género del paisaje.
Entre sus obras destacan Las espigadoras y El ángelus.

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El Impresionismo
Hacia 1860, un grupo de pintores realistas reunidos en torno a Manet deciden
organizarse como grupo independiente. Su denominador común era el interés por
el color y los reflejos de la luz en el paisaje, y pintar al aire libre en busca de las
variaciones de la luz.
Favoreció esta práctica la difusión de la pintura en tubos de estaño que permitía
captar la «impresión» de forma rápida y directa.
Esta corriente fructificará en París en torno a 1870, y debe su nombre al
cuadro de Monet Impresión, amanecer. El cuadro provocó tal impacto que
la crítica calificó a todo el grupo como «impresionista».
Sus integrantes dejan los talleres para pintar al aire libre en busca de la
captación atmosférica del momento a través de la luz y del color.
Aplican el color en pequeñas manchas sueltas y brillantes; además, no
mezclan los colores en la paleta, sino que su fusión se produce en la
retina del espectador al mirar de lejos la composición.

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El Impresionismo
Edouard Manet (1823-1883)
Con Manet comienza la pintura moderna, al ser uno de los
precursores del Impresionismo por su pincelada rápida y
limpia que descompone en pequeños toques de color.
Dos de sus obras más conocidas son Olimpia y El
almuerzo en la hierba.
Claude Monet (1840-1926)
Nacido en París, en su juventud conoce la pintura al aire
libre, inusual entonces y, junto a Renoir, hace excursiones
para pintar del natural, dedicándose al paisaje.
Impresión, amanecer es una de sus obras características.

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El Impresionismo
Claude Monet (1840-1926)
Impresionista puro hasta su muerte, con la luz crea el color
y la forma.
Su temática se centra en temas marinos, escenas fluviales y
paisajes, en los que refleja las variaciones cromáticas
creadas por la luz natural a lo largo del día.
Así pinta series de un mismo lugar o motivo en distintos
momentos del día, como La estación de St. Lazare, La
catedral de Ruán, los Nenúfares, Vista del Támesis y San
Marcos de Venecia.

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El Impresionismo
Auguste Renoir (1841-1919)
Es el pintor de la vida parisina en sus cuadros de
riquísimo colorido, llenos de encanto y gracia.
Al contrario que el resto de los impresionistas, la
figura femenina está cada vez más presente en
sus composiciones.
Capta a estas mujeres tanto en ambientes
despreocupados, por ejemplo en el Baile en el
Moulin de la Galette, como intimistas.

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El Impresionismo
Edgar Degas (1834-1917)
Pintor francés que participó en la mayoría de las
exposiciones del grupo impresionista, aunque su
obra tiene poco que ver con las características de
este grupo.
Degas no pintaba paisajes al aire libre, y en su
obra destacan dos temáticas: las escenas de
caballos y jinetes, y las bailarinas.
Su obra se caracteriza por sus composiciones
novedosas, asimétricas, en las que no se observa
la escena completa y el motivo principal queda
desplazado del centro.

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El Puntillismo o Divisionismo
Escuela pictórica creada por el francés Georges Seurat (1859-1891). Continúa la
investigación óptica del Impresionismo, pero rechaza la ejecución improvisada de
este movimiento.
Seurat defendió una aproximación más científica
y racional para la plasmación del color y la luz.
El color se ejecuta a base de pequeñas
pinceladas en forma de puntos de distintos
colores que el espectador mezclará en la retina.

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El Postimpresionismo
Hacia 1882 comienza la disolución del grupo impresionista por las divergencias
de intereses y de estilo; en 1886 se celebra la última exposición conjunta.
Artistas de la talla de Cézanne, Van Gogh,
Gauguin o Toulouse-Lautrec, influidos por el
Impresionismo, abren nuevos caminos a la
pintura, recuperando la importancia del
dibujo, el volumen y el sentido espacial, así
como la expresividad de los objetos y personas
que se habían abandonado durante el
Impresionismo.

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Paul Cézanne (1839-1906)
Se inicia en el Impresionismo reinterpretando con
descaro temas tradicionales sobre la violencia y
la sexualidad.
Ya asumidas las teorías del color, crea su propio
estilo, añadiendo la geometría.
Sus temas preferidos son los bodegones, los
paisajes provenzales cercanos a su ciudad natal
Aix-en-Provence, las distintas versiones de la
montaña de Sainte-Victoire, y la figura humana a
partir de 1890, como Los jugadores de cartas.

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Paul Gauguin (1848-1903)
Pintor y escultor francés, considerado como un
precedente del arte del siglo XX.
Desde el Impresionismo crea un estilo de gran
fuerza expresiva, próximo al Simbolismo, menos
naturalista y de formas más simples y abstractas.
Su arte discurre entre el pintoresquismo,
representando el arcaísmo del pueblo bretón de
Pont-Aven, sus campesinas y sus supersticiones,
y su fascinación por Oceanía y su arte étnico, que
le llevó a instalarse en Tahití en 1891, aislado de
la civilización.

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Vincent van Gogh (1853-1890)
Nacido en Holanda, se forma en París con la
vanguardia impresionista. Fue un artista solitario
e incomprendido.
El color resplandeciente es el gran protagonista
de sus obras. Las pinceladas provocan una
vibración óptica en todo el lienzo, y expresan así
su propio e inestable estado anímico.
En 1889, tras enemistarse con Gauguin y cortarse
una oreja, conoce al doctor Gachet, que será un
gran amigo. Pinta Noche estrellada.

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El Simbolismo
Fue un movimiento internacional coetáneo del Impresionismo. Se desarrolla en
común con la literatura, necesaria para su explicación narrativa. Su origen está
en el Manifiesto del Simbolismo, publicado en París por Jean Moréas en 1886.
Como reacción a la visión pura de los impresionistas y del
Realismo y dentro de la estética neoclásica, muestra
imágenes y escenarios oníricos ajenos a la realidad.
La imagen inventada como expresión del interior de la
persona y su mensaje se ejecuta con dibujo meticuloso,
figurativo, a base de fuertes trazos, y se utiliza el color
para subrayar el contenido.

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El Simbolismo
Gustave Moreau (1826-1898)
Pintor francés, está considerado una de las grandes
figuras del movimiento simbolista como narrador de
extrañas e insólitas imágenes oníricas.
Se inspira en temas de la Biblia, fábulas, dioses
antiguos y mitos, especialmente el de Orfeo.
Odilon Redon (1840-1916)
Escultor y pintor francés, y uno de los precursores del Surrealismo.
Su obra es reflejo de su peculiar universo interior.
Sus temas son míticos, paisajísticos, científicos, industriales,
orientales, literarios y religiosos.

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Galería de imágenes
2.- Arquitectura e ingeniería: revolución
industrial y nuevos materiales
Palacio de cristal de Londres
Torre Eiffel
Montaje de la Torre Eiffel
Ópera de París
Leiter Building
Flatiron Building
Plaza de la Estrella y alrededores
Champs-Élysées
Casa Tassel
Interior de la casa Tassel
El beso
Les saisons
Desnudo con sedas
Vista de Chicago
3.- La escultura
La danza
El pensador
Las puertas del infierno
El beso
Los burgueses de Calais
4.- La pintura: del Romanticismo
al inicio de las vanguardias
La balsa de la Medusa
La Libertad guiando al pueblo
Viajero frente al mar
Lluvia, vapor y velocidad
La mañana, la danza de las ninfas
Entierro en Ornans
El ángelus
El almuerzo en la hierba
Impresión, amanecer
Baile en el Moulin de la Galette
Clase de danza en la ópera
Una tarde de domingo en la
isla de la Grande Jatte
Moulin Rouge
Los jugadores de cartas
Matamúa (Érase una vez)
Noche estrellada
Orfeo
El buda

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Palacio de cristal, Londres. Joseph Paxton.

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Torre Eiffel (1887-1889),
París. Gustave Eiffel.

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Montaje de la Torre Eiffel
1 Parte inferior (7 de diciembre de 1887)
2 Segunda plataforma (21 de agosto de 1888)
3 Parte superior (26 de diciembre de 1888)

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Ópera de París (1861-1875). Charles Garnier.

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Leiter Building, Chicago.

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Flatiron Building (1902),
Nueva York. Daniel Burnham.

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Plaza de la Estrella y alrededores (1850), París.
Barón Haussmann.

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Champs-Élysées, una de las doce avenidas que desembocan
en la place de l'Étoile.

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Casa Tassel (1892),
Bruselas. Victor Horta.

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Interior
de la casa Tassel

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El beso (1907-1908), Österreichische Galerie, Viena. Gustav Klimt.

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Les saisons, cartel de Alphonse Mucha.

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Desnudo con sedas (1935),
Bruce R. Lewin Gallery,
Nueva York. Tamara de Lempicka.

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La danza (1863),
Museo de Orsay, París.
J. B. Carpeaux.

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El pensador (1880-1900),
Museo Rodin, París.
Augusto Rodin.

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Las puertas del infierno
(1880-1900),
Museo Rodin, París.
Augusto Rodin.

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El beso (1898), Museo Rodin,
París. Augusto Rodin.

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Los burgueses de Calais (1885-1895), Museo Rodin, París.
Augusto Rodin.

INTERNET
La balsa de la Medusa (1819), Museo del Louvre, París.
Théodore Géricault.

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La Libertad guiando al pueblo (1830), Museo del Louvre, París.
Eugène Delacroix.

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Viajero frente al mar (1818),
Kunsthalle, Hamburgo.
Caspar David Friedrich.

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Lluvia, vapor y velocidad (1844), National Gallery,
Londres. J. M. W. Turner.

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La mañana, la danza de las ninfas (1850), Museo de Orsay, París.
J. B. Corot.

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Entierro en Ornans (1850), Museo de Orsay. Gustave Courbet.

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El ángelus (1857-1859), Museo de Orsay. Jean-François Millet.

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El almuerzo en la hierba (1863), Museo de Orsay, París. Edouard Manet.

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Impresión, amanecer (1874), Museo Marmottan-Monet, París.
Claude Monet.

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Baile en el Moulin de la Galette (1876), Museo de Orsay, París.
Auguste Renoir.

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Clase de danza en la ópera (1872), Museo de Orsay,
París. Edgar Degas.

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Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte (1884-1886),
Art Institute, Chicago. Seurat.

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Moulin Rouge (1891),
Toulouse-Lautrec.

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Los jugadores de cartas (1890-1895), Museo de Orsay, París. Paul Cézanne.

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Matamúa (Érase una vez)
(1892),
Museo Thyssen-Bornemisza,
Madrid. Paul Gauguin.

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Noche estrellada (1889), Museo de Arte Moderno,
Nueva York. Vincent van Gogh.

INTERNET
Orfeo (1866),
Gustave Moreau.

INTERNET
El buda (1906-1907),
Odilon Redon.

INTERNET
Vista de Chicago

INTERNET
Internet
Historia y Arte
IR A ESTA WEBIR A ESTA WEB
Manet
Museo Rodin
Torre Eiffel
Delacroix
Cézanne

INTERNET
Cine e Historia del Arte
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“VAN GOGH”
“ART NOVEAU”
“LA TORRE EIFFEL”
“IMPRESIONISMO”

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