Movimientos del arte visual contemporaneo en el Siglo XX

1. Los Ismos

2. El arte del siglo XX se caracteriza al configurarse
múltiples corrientes que se denominan ismos.
Las vanguardias no se pueden entender intentando
establecer un orden cronológico. Muchas surgieron al
mismo tiempo.
El año 1863 se puede tomar como fecha de inicio de la
pintura moderna, cuando el arte rompe con todo lo
establecido anteriormente.
El Impresionismo y luego el Postimpresionismo
constituyen el punto de partida para las corrientes del
siglo XX.

3. Fauvismo

4. El Fauvismo se desarrolla en Francia durante los
años 1903 a 1907.
La primera exposición tiene lugar en París en el Salón
de Otoño de 1905 y alcanza su climax en 1906 en el
"Salon des Indépendants".
La denominación deriva de la palabra "fauves"
(fieras), término con el que el crítico Louis Vauxcelles
denominó a un grupo de pintores, encabezado por
Matisse, que practicaban un estilo vigoroso de pintura
alejado de todo principio académico.

5. CARACTERÍSTICAS
• Uso del color fuerte, violento, agresivo y fiero.
• Las formas, el espacio y el volumen se crean a través del color.
• Énfasis cromático mediante colores puros, saturados,
principalmente planos, realzados por la línea de los contornos y sin
referencia al tema o a su figura.
• Eliminación de la perspectiva espacial.
• Referencias formales de las culturas primitivas y exóticas (árabe y
africana).
• Predominio de colores complementarios.
• Creación de espacios pictóricos de carácter ornamental basados
en motivos decorativos tomados de papeles de pared o piezas de
artesanía.

6. Maurice Vlaminck, Restaurante de la Machine a Bougival. (1905)

7. Henri Matisse.
La raya verde, 1905, óleo
sobre lienzo, 60 x 41 cm.

8. Henri Matisse
Autorretrato, 1906,
óleo sobre lienzo, 55 x
46 cm, Statens
Museum for Kunst,
Copenhagen.

9. André Derain, El puente de Londres. (1906)

10. Expresionismo

11. El expresionismo surge en Alemania en la primera
década del siglo XX, como oposición al positivismo
materialista imperante en la época.
El expresionismo es un movimiento que no sólo
atañe a las artes plásticas sino también a la música,
el cine y las demás artes.
El régimen nazi alemán definió al expresionismo
como "arte degenerado", los artistas de esta
tendencia fueron proscritos y muchas de sus obras
destruidas.

12. CARACTERÍSTICAS
• La pintura es concebida como una manifestación directa,
espontánea y libre de convenciones de la subjetividad del artista
basada en una necesidad interior
• las imágenes son creadas, no copiadas para así expresar el mundo
interior, subjetivo, del artista.
• Utilización del color y el trazo para expresar simbólicamente estados
de ánimo.
• Destrucción del espacio tridimensional.
• Aglomeración de formas y figuras.
• Ausencia de carácter decorativo.

13. Edvard Munch, El grito,
1893, ceras, pastel y
témpera sobre papel
cartón, 83´5 x 66 cm,
Munch Museet, Oslo.

14. Edvard Munch, Madonna,
1893-1894, óleo sobre lienzo,
90 x 68´5 cm, Munch Museet,
Oslo.

15. Oskar Kokoschka. La Tempestad (1914). Óleo sobre lienzo. 181 x 220 cm.
Öffentliche Kunstsammlung. Basilea

16. Emile Nolde. La última Cena (1909)

17. El Cubismo

18. Término creado por un crítico de arte (el crítico francés Louis
Vauxcelles), que al ver las obras de este movimiento de principios
del siglo XX, afirmó que "desprecian la forma y lo reducen todo,
paisajes, figuras y casas, a esquemas geométricos, a cubos".
El cubismo tiene sus bases en Cézanne.
La pintura cubista quedó formalmente fundada en 1907 con la obra
de Picasso, "Las Señoritas de Aviñón".
Picasso y Braque, junto a Juan Gris, llevaron a cabo un análisis
objetivo de la realidad de la pintura, que para ellos, necesariamente
debía fundarse en la realidad bidimensional del lienzo.
Por eso, junto con eliminar la perspectiva y la ilusión de
profundidad, limitaron los colores a los tonos grises, verdes y
marrones, para que el análisis temático de la estructura corpórea
fijada en el espacio, se expresara con mayor énfasis.
Con el collage, buscaron la liberación formal del color de su
tradicional carácter descriptivo.

19. Las características de un nuevo lenguaje:
En el Cubismo no hay nada de teórico, sino que todo son
descubrimientos:
1. Independencia y autonomía de planos, estallido del visión tipo
caleidoscopio.
2. Perspectiva múltiple
3. Desaparición de gradaciones de sombra y luz
4. Color "Tono Local": Los objetos no tienen un color propio.
5. Geometrismo: Los formas geométricas invaden las
composiciones. Las formas observadas en la naturaleza, son
traducidas en cilindros, conos, esferas y cubos. La retina capta
las formas y la mente del pintor las simplifica.
6. Base filosófica: No se trata de reflejar la realidad misma, sino la
idea de realidad que posee el artista.

20. 1. Fase analítica
En el primer
momento, se partió
de la observación de
la realidad para
proceder después a
su "destrucción".
Resultaba un
conjunto de planos
indescifrable, lo que
es en definitiva es la
obra cubista.
Pablo Picasso. Frutero y pan
sobre una mesa (1909)

21. 2. Fase hermética
Picasso y Braque, empiezan a dejar
pistas en sus obras. Se empiezan a
introducir detalles figurativos y
esquematizados para estimular la
comprensión. Por ejemplo, las
cuerdas o clavijas ayudan a
identificar la posible existencia de un
instrumento musical.
Pablo Picasso. Retrato de
Ambroise Vollard. (1910)

22. 3. Fase sintética, el collage como paso previo a la escultura:
En esta fase se dio un nuevo paso. Ya no hay razón para imitar
minuciosamente una etiqueta o un sobre, sino que se toma un
ejemplar real y se pega, es la técnica del Papier collé, inventada por
Picasso y por Braque .
Es el nacimiento del Collage.
El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto. A partir de
este momento ya no interesó el análisis minucioso, sino la imagen
global. Sobre la superficie del soporte se pegan papeles, telas y
objetos diversos, de ahí que comience a hablarse de la "introducción
de intrusos".

23. Con el collage la técnica cambia,
El pincel es sustituido por las
tijeras y la cola, y después los
clavos y la soldadura. Los
fragmentos de imagen pasan a
formar parte de un conjunto
estético. Los materiales se
descontextualizan, se hacen
enigmáticos y adquieren
características propias.
Pablo Picasso. Guitarra. (1913)

24. Pablo Picasso, Guernica, 1937, 349 x 776 cm.
óleo sobre lienzo, Museo Nacional Reina Sofía, Madrid.

25. Pablo Picasso: Las Señoritas de Avignon, 1907
Óleo sobre lienzo, Metropolitan Museum of Art, New York City .

26. Pablo Picasso, Los Pájaros muertos, 1912, 46 x 65 cm.,
óleo soble lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid.

27. Pablo Picasso, Instrumentos de música sobre una mesa, 1925, 162 x 204,5 cm., óleo sobre lienzo,
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid.

28. Pablo Picasso .
El poeta (1910)

29. Pablo Picasso .
Ma Jolie (Woman with Guitar)
(1911-12)

30. Georges Braque.
Viaducto en L’estaque.
1908.

31. Georges Braque, Instrumentos musicales, 1908, óleo sobre lienzo, 50 x 61 cm, colección privada.

32. Georges Braque
Casas en L´Estaque, 1908
óleo sobre lienzo, 73 x 60 cm,
Kunstmuseum Bern.

33. Arte Abstracto

34. Vasily Kandinsky es el iniciador de la abstracción.
La abstracción es un leguaje no figurativo. De la realidad se
toma lo esencial y se abstrae lo secundario. La primera
etapa de la abstracción (1900-1914) la representa
Kandinsky. Su código es libre e intuitivo, trabaja con formas
irregulares y con gran gama cromática. A Kandinsky le
importa la mancha de color y la expresión.
Malevich publica en 1915 Manifiesto del Suprematismo,
con él, se inicia en Rusia la abstracción geométrica. Mihail
Larionov y Natalia Gontcharova publican en 1909 el
Manifiesto Rayonista.
Con Malevich y el Suprematismo se va caminando hacia
una plástica pura en las artes figurativas. El uso
restringido del color y las formas simples, caracterizan el
Suprematismo. Después Rodchenko siguió la misma línea.

35. Wassily Kandinsky. Composición VII. Óleo sobre lienzo. 195 x 300 cm. Galería Estatal
Tretjakov. Moscú.

36. Wassily Kandinsky.
Upwards, 1929.

38. Cuadro con círculos concéntricos Kandisky

39. Negro y violeta Kandisky

40. Suprematismo

41. • El arte suprematista se reduce el arte a su esencia: a la
sensibilidad pura.
• La representación objetiva en un lienzo es para los
suprematistas algo que ha estado estorbando al arte a lo
largo de la historia.
• El suprematismo busca el arte en sí y por sí mismo,
obras no disfrazadas que tiendan al mundo de la
sensibilidad y no al mundo de la representación.
• El artista ruso Kazimir Maliévich, creador del movimiento
suprematista y autor del manifiesto, eliminó de sus
pinturas toda referencia externa, creando así obras
totalmente subjetivas en las que no hay figuras, ni
objetos, ni tema, ni cosas.

42. Kasimi Malevich:
Suprematist
Composition, White on
White (1918)

46. Kasimir Malevich
Suprematism. 1915
Stedelijk Museum, Amsterdam

47. Neoplasticismo

48. Surge en Holanda en 1917. El neoplasticismo o
movimiento De Stijl (El Estilo) propugna una estética
renovadora basada en la depuración formal.
El planteamiento básico de este movimiento queda
perfectamente claro en la frase programática de uno de
sus creadores, Doesburg, que dijo: "Desnudemos a la
naturaleza de todas sus formas y sólo quedará el estilo”.
Sus planteamientos fueron expuestos en 1918 en el
"Primer manifiesto" del movimiento.
Piet Mondrian fue quien formuló las bases teóricas de la
nueva estética y que posteriormente denominaría
"Neoplasticismo".

49. CARACTERÍSTICAS
• Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes
fundamentales: líneas, planos y cubos.
• Planteamiento totalmente racionalista.
• Estructuración a base de una armonía de líneas y masas
coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre
verticales, horizontales o formando ángulos rectos.
• Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del
equilibrio.
• Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo,
azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises).

50. Piet Mondrian,
Composición en
rojo, amarillo y
azul, 1921, óleo
sobre lienzo, 39 x
35 cm.

51. Piet Mondrian,
Composición 10.
1940, óleo sobre
lienzo, 80 x 73 cm.

53. Theo van Doesburg
Arithmetic
Composition (1930)

54. Dadaísmo

55. CARACTERÍSTICAS
• Actitud anti-arte.
• Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de
materiales (collage y décollage) y objetos de desecho
cotidiano.
• Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y
cualquier canon impuesto.
• Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo
e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la
identidad entre el arte y la vida). Feísmo.
• Liberación del subconsciente (se produce una transición al
surrealismo y al arte semi-abstracto).
• Motivaciones de disociación.
• Auge del disparate.

56. El movimiento dada nace en Zurich en 1916 y dura hasta 1922.
La denominación "dada" (caballito) corresponde al primer término
que apareció en un diccionario de alemán-francés abierto al azar y
fue adoptado por un movimiento literario y artístico que pretendía
cambiar la sociedad, la cultura y el arte a través del desconcierto, el
inconformismo, el nihilismo, la ironía, la negación de la racionalidad
y de todos los valores establecidos hasta entonces.
Sus fundadores fueron el pintor alsaciano Hans Arp y el poeta
rumano Tristan Tzara.

57. • Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad
pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus ready-
mades
• Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del
collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de
imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos,
revistas y anuncios; y el "merz" o collage dadaísta (desarrollado
por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y
estado.

58. Marcel Duchamp,
Rueda de
Bicicleta, Objeto
Pronto, 1913

59. En 1917 Marcel
Duchamp fue invitado
por la galería Grand
Central de Nueva York a
formar parte del jurado
de una exposición de
artistas independientes.
Sin informar a nadie, el
propio Duchamp envió
para exponer en esa
exposición este urinario
de porcelana blanca
firmado con el
seudónimo "R. Mutt".
Cuando su Fuente fue
rechazada para la
exhibición, Duchamp
renunció al jurado y el
incidente causó un
escándalo que sacudió
al mundo del arte.

60. Francis Picabia
Parada Amorosa, 1917,
Acuarela

61. Kurt Schwitters
Merz 199-2, 1921

62. Jean Arp, Overturned Blue Shoe with Two Heels Under a Black Vault, 1925, Madera Pintada

63. Hannah Hoch,
Pretty Maiden,
1920

66. Surrealismo

67. El movimiento surrealista nace en Francia
finalizada la primera guerra mundial. Surge en
el ámbito literario, pero pronto lo abarca todo,
pensamiento, artes plásticas, cine y teatro.
La producción surrealista se caracterizó por la
exaltación de los procesos oníricos, el humor
corrosivo y el erotismo, concebido todo ello
como armas de lucha contra la tradición, la
moral y la cultura burguesa.

68. En el campo de las artes plásticas, los pintores
surrealistas se manifiestan de dos maneras diferentes,
los surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica
(Magritte, Delvaux y Dalí, entre otros) y que se sirven
del realismo y de las técnicas y recursos pictóricos
tradicionales; y los surrealistas abstractos, que
practican el automatismo psíquico puro (Masson, Miró)
e inventan universos grafico-plásticos propios.

69. CARACTERÍSTICAS
• Figuración con temática subjetiva de carácter onírico basada en
las técnicas del inconsciente de Freud .
• Interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente, la
magia y la irracionalidad.
• Conjunción de imágenes dispares en el tiempo como en el
espacio.
• Los objetos y formas son despejados de su significación
tradicional (principio de la "desorientación"), el observador
queda desorientado, sin saber a qué atenerse.
• Creación de imágenes equívocas de manera que una misma
cosa puede ser interpretada de varias maneras (principio de la
"discordancia"), por ejemplo, una nube puede parecer la cabeza
de un animal o bien otra cosa.
• Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la
destrucción y lo misterioso.

70. • Toca todos los estilos: clásico, barroco, ingenuismo, futurismo,
etc.
• Utilización espectacular de la perspectiva cónica, exagerando la
sensación de profundidad (creación de grandes espacios y
lejanías).
• Creación en el cuadro de juegos perceptivos e ilusionísticos.
• Ejecución pictórica minuciosa, con gran cuidado del dibujo y la
figura (Dalí).
• Utilización del claroscuro y del color modelado.

71. • Pintura automática. Pintura realizada mediante el método del
automatismo psíquico. Los surrealistas utilizarán ese método
con la intención de transformar directamente el estado psíquico
del artista en una expresión pictórica, en la que el acto creador
no sea influido estilísticamente por el pensamiento organizativo
racional.
• Frottage. Técnica inventada por Max Ernst en 1925. Consiste en
transferir al papel o al lienzo mediante fricción o frotamiento, una
superficie rugosa, por ejemplo, la de un trozo de madera. Las
dibujos y texturas que resultan se utilizan como punto de partida
de la pintura automática para la realización posterior de
imágenes fantásticas.
• Grattage. Técnica consistente en pintar colores repartiéndolos
arbitrariamente sobre una tabla de madera. Una vez secos, son
rascados o grabados con una cuchilla o un punzón afilado
creando dibujos o graffitis sobre la superficie coloreada. Esta
técnica también se utilizó como punto de partida de la pintura
automática.

72. Salvador Dalí, El Gran Masturbador, 1929, 110 x 150 cm., óleo sobre lienzo, Museo Nacional
Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

73. Salvador Dalí, La Persistencia de la Memoria, 1931, 24 x 33 cm., óleo sobre lienzo, Museum of
Modern Art. New York.

74. Salvador Dalí.
Sueño Causado por el
Vuelo de una Abeja en
Torno a una Granada
un Segundo antes de
Despertar, 1931,
51 x 41 cm., óleo sobre
lienzo, Foundación
Thyssen-Bornemisza,
Thyssen Museum,
Madrid.

75. Salvador Dalí,
Crucifixión o Corpus
Hipercubicus, 1954,
194.5 x 124 cm., óleo
sobre lienzo,
Metropolitan Museum,
New York.

76. René Magritte.
El castillo de
los Pirineos
(1959)

77. René Magritte.
La condición
humana (1933)
National Gallery of Art,
Washington

78. René Magritte.
El imperio de las
luces (1954)
Museo Peggy
Guggenheim.
Venecia.

79. René Magritte
El dominio de
Arnheim (1949)

80. Joan Miró. Nocturno (1940).

81. Joan Miró - The Skiing Lesson - 1966

85. Op Art

86. Surge en EE.UU. hacia 1958.
La primera exposición oficial tiene lugar en el Museo de Arte
Moderno de Nueva York en 1965 y se tituló "The Responsive Eye"
(El ojo sensible). Ese mismo año, Vasarely, cuyos experimentos
ópticos se remontan al año 1932, recibió el primer premio de la
Bienal de São Paulo.
En Europa, el Op-art surgió a mediados de los años sesenta como
un movimiento denominado nueva tendencia en el que se engloban
varios grupos diferentes de artistas.
El Op-art tuvo una gran aceptación popular, aunque muchos
críticos lo calificaron como "poco inteligente". Muchos de los
diseños de las obras "op" fueron explotados con fines comerciales
por la industria de la moda, de los tejidos y de la publicidad. Esta
saturación del diseño "op" contribuyó a la banalización y rápido
envejecimiento de este estilo artístico.

87. CARACTERÍSTICAS
• Ausencia de figuración o de referencias subjetivas de carácter
emocional.
• Creación de efectos visuales combinaciones de formas y figuras
ambiguas .
• Composiciones estructuradas mediante espacios
geométricamente ordenados de diferente tamaño o mediante
módulos repetitivos y en variación.
• Participación del observador: en muchos casos el observador
necesita moverse delante de la obra para apreciar toda la gama
de efectos ópticos.
• Empleo frecuente de pintura acrílica para conseguir colores
impecablemente lisos y uniformes.

88. Victor Vasarely
Cheyt M.

89. Victor Vasarely
K- Tridem

90. Victor Vasarely
Vonal Ksz

91. Pop Art

92. Surge en EE.UU. e Inglaterra hacia 1955 y se convierte en el
estilo característico de los años sesenta.
El término de “Pop art" (abreviación de "popular art") fue utilizado
por primera vez en 1954 por el crítico Lawrence Alloway para
denominar al arte popular que estaba creando la publicidad, el
diseño industrial, el cartelismo y las revistas ilustradas.
La vanguardia artística de mediados de los años cincuenta se
inspira en este arte popular de la sociedad de consumo para crear
obras figurativas con una temática absolutamente directa que las
haga accesibles al público en general.
Surge como reacción contra el expresionismo abstracto tan
alejado de la realidad y de la comprensión del público.

93. CARACTERÍSTICAS
• Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y
apariencias del mundo contemporáneo.
• Temática extraída del medio ambiente urbano de las grandes
ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: comics,
revistas, periódicos sensacionalistas, fotografías, anuncios
publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos
populares, elementos de la sociedad de consumo y del bienestar
(alimentos enlatados, neveras, coches, autopistas, gasolineras,
etc.).
• Ausencia de planteamiento crítico: los temas son concebidos
como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura.

94. • Representación de carácter inexpresivo, preferentemente
frontal o repetitiva.
• Combinación de la pintura con objetos reales integrados en
la composición de la obra ,flores de plástico, botellas, etc.,
en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos
tiempos
• Preferencia por las referencias al "status" social, la fama, la
violencia y los desastres (Warhol), la sexualidad y el
erotismo (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología
industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton, etc.).
• Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes
formatos de las imágenes del comic de Lichtenstein).
• Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los
empleados en la industria y los objetos de consumo.

95. Andy Warhol,
Lata de sopa Campbell.

96. Andy Warhol,
Elvis, 1964.

97. Andy Warhol,
Marilyn.

98. Robert Rauschenberg. Trophy II (for Teeny and Marcel Duchamp), 1960
oil, charcoal, paper, fabric, metal on canvas, drinking glass (not original), metal chain, spoon
90 x 118 in.

99. Robert Rauschenberg
Rétroactive 2. 1964
Sérigraphie et peinture à l'huile
Galerie LLena Sonabend, Paris

100. Tom Wesselmann: Great American Nude No. 98, 1967

101. Jasper Johns. Flag (1954)

102. Roy Lichtenstein,
El beso.

103. Roy Lichtenstein
Woman in Bath, 1963
Oil on canvas
171 x 171 cm
Museo Thyssen-
Bornemisza, Madrid