2. Salvador Dalí (1904-1989),Pintor surrealista español nacido en Figueras, Gerona, el 11 de mayo de 1904. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), de donde fue expulsado en 1926. En esa época vivió en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde se relacionó con Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rafael Alberti, José Moreno Villa y otros artistas. En 1929, instalado en París, donde conoció a Pablo Picasso, se adhiere al surrealismo, aunque los miembros principales del movimiento expulsarían finalmente a Dalí por sus tendencias políticas derechistas. La producción de Dalí de este periodo se basa en su método "paranoico-crítico", inspirado en buena parte en las teorías de Freud: representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes, como los relojes blandos de La Persistencia de la memoria (1931, Museo de Arte Moderno, MOMA, Nueva York). Dalí se trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948. Sus últimas obras, a menudo de contenido religioso, se realizan en un estilo más clásico, entre ellas cabe citar la Crucifixión (1954, Metropolitan Museum, Nueva York) y La Última Cena (1955, Galería Nacional de Washington). La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso. Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como El perro andaluz (1928) y La edad de oro (1930), libros ilustrados, diseños de joyería así como escenografías y vestuarios teatrales. También escribió libros autobiográficos como La vida secreta de Salvador Dalí (1942) y Diario de un genio (1965). Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueras.

3. Obras de Salvador Dalí Ventana, 1925. Óleo sobre cartón, 105 x 74,5 cm. Está expuesto en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid. El enigma sin fin, 1938. Óleo sobre lienzo, 114,5 x 146,5 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid. Impresiones de África, 1938.

4. Pablo Ruiz Picasso (1881-1973), pintor y escultor español, considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX. Artista polifacético fue único y genial en todas sus facetas: inventor de formas, innovador de técnicas y estilos, artista gráfico y escultor, siendo uno de los creadores más prolíficos de toda la historia, con más de 20.000 trabajos en su haber. Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis de muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras supervivientes en museos de toda Europa y el mundo. En lo político, Picasso se declaraba pacifista y comunista. Fue miembro del Partido Comunista Francés hasta su muerte, el 8 de abril de 1973 en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) a los 91 años. Está enterrado en el parque del castillo de Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).

5. Obras de Pablo Ruiz Picasso Las Meninas (1957). Óleo sobre lienzo, 194 x 260 cm. Está en el museo Picasso de Barcelona. Familia de Saltimbanquis (1905). Óleo sobre lienzo, 213 x 229 cm. Está expuesto en National Gallery of Art, Washington D.C. Las señoritas de Avignon (1907). Óleo sobre lienzo. Está expuesto en Metropolitan Museum of Art, New York City.

6. Vincent van Gogh (1853-1890),Pintor postimpresionista holandés. Vivió la mayor parte de su vida en Francia y su obra influyó de forma decisiva en el movimiento expresionista. Van Gogh nació el 30 de marzo de 1853 en Groot-Zunder, hijo de un pastor protestante holandés. Desde su juventud demostró tener un temperamento fuerte y un carácter difícil que habría de frustrar todo empeño que emprendía. A los 27 años ya había trabajado en una galería de arte, había dado clases de francés, había sido estudiante de teología y evangelizador entre los mineros de Wasmes, en Bélgica. Sus experiencias como predicador aparecen reflejadas en sus primeras composiciones sobre campesinos, de las cuales la más conocida es la tosca y directa Los comedores de papas, uno de los diez únicos grabados que el pintor hizo a lo largo de su carrera. Oscuras y sombrías, a veces descarnadas, sus primeras composiciones ponen en evidencia el intenso deseo de expresar la miseria y los sufrimientos de la humanidad tal y como él los vivió entre los mineros de Bélgica. En 1886 fue a París a vivir con su hermano, y allí se familiarizó con los nuevos movimientos artísticos que estaban en pleno desarrollo. Influido por la obra de los impresionistas y por la de los grabadores japoneses como Hiroshige y Hokusai, comenzó a experimentar con las técnicas de la época. Más adelante adoptó los brillantes matices pictóricos de artistas franceses como Camille Pissarro y Georges Seurat. En 1888 dejó París y se trasladó al sur de Francia con la esperanza de atraer allí a algunos de sus amigos y fundar con ellos un Taller del Mediodía. Bajo el sol ardiente de la Provenza, pintó escenas rurales, cipreses, campesinos y otras características de la vida de la región. Durante ese periodo en el que vivió en Arles, empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos relacionados con obras tan conocidas como Dormitorio en Arles y Noche estrellada. Son también de esta época Descargadores en Arles y Les Vessenots en Auvers.

7. Obras de Vincent van Gogh Los girasoles (1889). Óleo sobre lienzo, 93 x 72 cm. Esta obra la podemos ver en el National Gallery de Londres. Los descargadores en Arles (1888). Óleo sobre lienzo, 54 x 65 cm. Está expuesta en Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Les Vessenots en Auvers (1890). Óleo sobre lienzo, 55 x 65 cm. Esta obra está expuesta en el Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

8. Leonardo da Vinci Fue un pintor florentino y polímata (a la vez artista, científico, ingeniero, inventor, anatomista, escultor, arquitecto, urbanista, botánico, músico, poeta, filósofo y escritor) nacido en Vinci el 15 de abril de 1452 y fallecido en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años de edad, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas. Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Boloña y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I. Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita sólo puede ser equiparable a su capacidad inventiva, Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, la persona con el mayor número de talentos en múltiples disciplinas que jamás haya vivido. Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de Vitruvio, que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados. No obstante, sólo se conocen una quincena de sus obras, debido principalmente a sus constantes experimentos con nuevas técnicas y a su inconstancia crónica. Este reducido número de creaciones, junto con sus cuadernos que contienen dibujos, diagramas científicos y reflexiones sobre la naturaleza de la pintura, constituyen un legado para las sucesivas generaciones de artistas, llegando a ser igualado únicamente por Miguel Ángel. Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el submarino y el automóvil. Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse, puesto que la mayoría no eran realizables aún en esa época. Como científico, Leonardo da Vinci hizo progresar mucho el conocimiento en las áreas de anatomía, la ingeniería civil, la óptica y la hidrodinámica.

9. Obras de Leonardo da Vinci La Gioconda, conocido también como La Mona Lisa (1503-1506). Óleo sobre tabla, de 77 x 53 cm. Se exhibe en el museo del Louvre de Paris. San Jerónimo (1480) es una pintura realizada al temple y óleo sobre tabla, de 103 x 75 cm. Se conserva en la Pinacoteca Vaticana, dentro de los Museos Vaticanos de la Ciudad del Vaticano. La Virgen de las Rocas (1483-1486) es un nombre usado para denominar dos cuadros de Leonardo da Vinci pintados con idéntica técnica pictórica de óleo sobre lienzo. La versión del Museo del Louvre fue transferida a lienzo desde el panel original de madera, pero la que se conserva en Londres aún permanece sobre tabla. Tamaño 189 x 120 cm.

10. Frida Kahlo (1907-1954), pintora mexicana que realizó principalmente autorretratos, en los que utilizaba una fantasía y un estilo inspirados en el arte popular de su país. A los 16 años, cuando era estudiante en la Escuela Nacional Preparatoria de esta ciudad, resultó gravemente herida en un accidente de camión y comenzó a pintar durante su recuperación. Tres años más tarde le llevó a Diego Rivera algunos de sus primeros cuadros para que los viera y éste la animó a continuar pintando. En 1929 se casaron. Influida por la obra de su marido, adoptó el empleo de zonas de color amplias y sencillas plasmadas en un estilo deliberadamente ingenuo. Quería que su obra fuera una afirmación de su identidad mexicana. Más adelante, la inclusión de elementos fantásticos, claramente introspectivos, la libre utilización del espacio pictórico y la yuxtaposición de objetos incongruentes realzaron el impacto de su obra, que llegó a ser relacionada con el movimiento surrealista. Obras como: La columna rota (1944, colección Dolores Olmedo, Ciudad de México), en la que aparece con un aparato ortopédico de metal y con el cuerpo abierto mostrando una columna rota en lugar de la columna vertebral. Su dolor ante la imposibilidad de tener hijos lo plasma en Hospital Henry Ford (1932, colección Dolores Olmedo), en la que se ve a un bebé y varios objetos, como un hueso pélvico y una máquina, diseminados alrededor de una cama de hospital donde yace mientras sufre un aborto. Otras obras son: Unos cuantos piquetitos (1935, colección Dolores Olmedo), Las dos Fridas (1939, Museo de Arte Modernos de México) y Sin esperanza (1945, Dolores Olmedo). Expuso en tres ocasiones. Organizó las exposiciones de Nueva York de 1938 y de París de 1939. En abril de 1953 expuso por primera vez en la galería de Arte Contemporáneo de Ciudad de México. Un año después murió. Su casa de Coyoacán fue transformada en Museo y lleva su nombre.

11. Obras de Frida Kahlo Autorretrato con monos, 1943. Óleo sobre lienzo, 81,5 x 63 cm. Está em la Colección de Jacques y Natasha Gelman Ciudad de Mexico, Mexico. Diego y yo, 1949. Óleo sobre lienzo montado sobre masonite, 29, 5 x 22,4 cm. Está en la colección de Mary Anne Martin Fine Arts, New York, USA El marxismo dará salud a los enfermos, 1954. Óleo sobre masonite, 76 x 61 cm. Está en el Museo de Frida Kahlo Coyoacán, Mexico.

12. Diego Rodríguez de Silva y Velazquez Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilla, 6 de junio de 1599 – Madrid, 6 de agosto de 1660) conocido como Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y figura indiscutible de la pintura universal. Pasó sus primeros años en Sevilla donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista por influencia de Caravaggio y sus seguidores. Se trasladó a Madrid y a los 24 años fue nombrado pintor del rey, y cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores del rey. A esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo a partir de entonces consistía en pintar retratos del rey, de su familia, así como otros cuadros para decorar las mansiones reales. Su estilo evolucionó hacia una pintura de gran luminosidad con pinceladas rápidas y sueltas. En esta evolución tuvo mucho que ver el estudio de la colección real de pintura y su primer viaje a Italia donde estudió tanto la pintura antigua como la contemporánea. En su madurez, a partir de 1631, pintó grandes obras como La rendición de Breda. En su última década su estilo se volvió más esquemático y abocetado alcanzando un dominio extraordinario de la luz. Este periodo se inauguró con el retrato del papa Inocencio X, pintado en su segundo viaje a Italia y a él pertenecen sus dos últimas obras maestras: Las Meninas y Las Hilanderas. Su catálogo consta de 120-125 obras. El reconocimiento como pintor universal se produjo tardíamente, hacia 1850. Alcanzó su máxima fama entre 1880 y 1920, coincidiendo con los pintores impresionistas franceses para los que fue un referente. Manet se sintió maravillado con su pintura y lo calificó como «pintor de pintores» y «el más grande pintor que jamás ha existido».

13. Obras de Diego Rodríguez de silva y Velazquez Los Borrachos, El Triunfo de Baco (1628-29). Óleo sobre lienzo, de 165 x 188 cm. Está obra se exhibe en el Museo del Prado. Las Hilanderas (1657). De tamaño 220 x 289 cm. Está expuesta en el Museo del Prado. Las Meninas, Las Familia de Felipe IV (1656). Óleo sobre lienzo, de 318 x 276 cm. Se muestra en el Museo del Prado.

14. Bartolomé Esteban Murillo Nació en 1617 en la ciudad de Sevilla. Fue bautizado en la parroquia de Santa María Magdalena de la ciudad de Sevilla. Fue el menor de catorce hermanos. Su padre era un cirujano barbero llamado Gaspar Esteban, siendo por tanto Esteban su primer apellido. Su madre se llamaba María Pérez Murillo, de quien tomó el apellido para firmar su obra, como hizo Velázquez. Al morir sus padres cuando tan sólo tenía 10 años, pasa al cuidado de una de sus hermanas mayores, Ana, casada con un barbero cirujano, Juan Agustín de Lagares, con quien el joven Bartolomé mantendría muy buena relación. Murillo se formó en el taller de su pariente Juan del Castillo, donde pronto comenzó a destacar de entre sus discípulos. Llegó a pasar allí cinco años, siendo uno de sus compañeros de taller el pintor granadino Alonso Cano. A los 22 años Murillo decidió establecer un taller de pintura barata que le permitía vender cuadros sobre todo en las ferias de los pueblos, pero a pesar de que se vendían bien, esto no terminaba de satisfacer al artista, tanto es así que tras conocer copias de Antoon van Dyck, traídas a Sevilla por Pedro Moya, surgió en él un fuerte deseo de perfeccionar su pintura. Aunque no se conoce que viajara al extranjero, conoció bien la pintura flamenca, debido entre otras cosas a la posible relevancia de Sevilla como importante ciudad comercial, ya que esto favoreció el conocimiento exterior. No obstante, Murillo tomó la resolución de abandonar su ciudad al menos por un tiempo. De gran realismo, aunque con un estilo que se estaba forjando a lo que sería después, su pintura recogió asuntos de sentido social y de estética naturalista en sus grandes temas, como los niños mendigos o las escenas de la infancia de Cristo. También cultivó una pintura suave de gusto burgués y aristocrático, como demuestran sus obras religiosas.

15. Obras de Bartolomé Esteban Murillo San Isidro (1655). Óleo sobre lienzo, de 193 x 165 cm. Se exhibe en la Catedral de Sevilla, y el estilo es Barroco Español. Tres muchachos (1670). Óleo sobre lienzo, de 159 x 104 cm. Está expuesta en la Dulwich Picture Gallery, Londres. El estilo es Barroco. Visita al Pontífice (1665). Óleo sobre lienzo, de 232 x 522 cm. Se exhibe en el Museo del Prado.

16. Francisco Herrera “El Mozo” Hijo de Herrera el Viejo, se marchó muy joven a Italia, al parecer incapaz de resistir el mal carácter de su padre. En Italia estudió pintura al fresco, muy de moda durante el Barroco decorativo allí, y que apenas se practicaba en España, por lo que los fresquistas italianos eran muy demandados. Completó sus estudios con la arquitectura, en la cual llegó a destacar por sus proyectos. Cuando regresó a Sevilla, su padre se había trasladado a la Corte madrileña. Fue nombrado co-presidente de la Academia de Sevilla con Murillo, uno de sus fundadores en 1660. Tras la muerte de su padre, Herrera también se trasladó a Madrid, donde consiguió ser Pintor del rey Carlos II, además de Maestro Mayor de las Obras Reales, por su condición de arquitecto. En el desempeño de esta función trazó los planos para la Basílica del Pilar de Zaragoza, que se inició en 1681. Al morir en 1685, el proyecto original se modificó.

17. Obras de Francisco Herrera “El Mozo” Alegoría de la Eucaristía (1656). Óleo sobre lienzo, se exhibe en la Catedral de Sevilla. El estilo es Barroco. San Antonio de Pauda (1660-1670). Óleo sobre lienzo, de 165 x 104 cm. Se exhibe en el museo del Prado y es de estilo Barroco. Triunfo de San Hermenegildo (1654). Óleo sobre lienzo, de 328 x 229 cm. Está obra se muestra en el Museo del Prado.

18. Hans Baldung Grien Hans Baldung, también llamado Grien, es uno de los grandes maestros del Renacimiento alemán. Nació en Cshwábisch Gmünd hacia 1484/85, formándose en Alsacia bajo la influencia de Schongauer. Hacia 1502 se traslada a Nuremberg, trabajando en el taller de Durero, en el que permaneció unos cinco años, marcando una importante influencia en sus grabados. En 1509 se establece en Estrasburgo de manera definitiva, poniéndose en contacto con los círculos intelectuales cercanos a Lutero. Entre 1512 y 1517 residió en Friburgo para trabajar en su obra maestra, el retablo de la catedral. A pesar de realizar una buena producción religiosa, su temática favorita será la macabra - siguiendo a Grunewald - en la que acredita buenas dotes como colorista. Las Edades y la Muerte del Museo del Prado es un buen ejemplo de esta temática. Los desnudos femeninos también le llamarán la atención como se aprecia en las Tres Gracias del mismo museo. Baldung fallece en 1545 en Estrasburgo

19. Obras de Hans Baldung Grien Las tres Gracias, La Armonía (1547). Óleo sobre tabla, de 151 x 61 cm. Está expuesta en el Museo del Prado. Las Edades y La Muerte (1547). Óleo sobre tabla, de 151 x 61 cm. Se muestra en Museo del Prado. Natividad (1520). Óleo sobre tabla, de 105,5 x 70,4 cm. Está en el Alte Pinakothek, Munich

20. Francisco Domingo Marqués Francisco Domingo Marqués inició su formación artística en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos, en su Valencia natal, teniendo como maestro a Rafael Montesinos, gran admirador de Ribera cuya pintura copiará con fervor el joven artista. En 1864 se traslada a Madrid para continuar su formación en la Real Academia de San Fernando, obteniendo en 1868 la ansiada pensión para trasladarse a Roma. El envío de obras a las Exposiciones Nacionales le permitirá cosechar importantes éxitos, siendo sus trabajos herederos de la tradición naturalista del Barroco. De regreso a España divide su tiempo entre Madrid y Valencia, trasladándose en 1875 a París donde continuará con el negocio de Fortuny, trabajando en pequeñas obras de estilo minucioso y colorista, sintiendo cierta influencia del Impresionismo francés. En su etapa madura llegará a deshacer la materia pictórica para interesarse especialmente por el color.

21. Obras de Francisco Domingo Marqués Autorretrato (1883). Óleo sobre lienzo, de 64 x 48 cm. Está expuesta en el Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid. Estudio de Muñoz Degraín (1867). Óleo sobre lienzo y se muestras en el Museo del Prado. Zapatero (1875). Óleo sobre lienzo. Está obra se muestra en el Museo del Prado.

22. Jerónimo Jacinto Espinosa Jeronimo Jacinto Espinosa nació en Cocentaina (Valencia) en 1600. Se formó con su padre, siendo decisiva para el joven artista la influencia de Ribalta y de Orrente, pintores con los que se vinculará estrechamente, mostrando similar admiración por el naturalismo tenebrista de Caravaggio. El realismo de sus figuras le han hecho valedor del sobrenombre de Zurbarán Valenciano, convirtiéndose Espinosa en el maestro principal de la escuela valenciana del Barroco Español tras la desaparición de Ribalta. Fallecería en Valencia en 1667.

23. Obras de Jerónimo Jacinto Espinoso Comunión de la Magdalena (1655). Óleo sobre lienzo. Se muestra en el Museo de BB.AA. de Valencia y es de estilo Barroco Español. San Juan Bautista (1645). Óleo sobre lienzo , de 112 x 91 cm. Se exhibe en el museo del Prado. Virgen con Niño (1640). Óleo sobre lienzo, de 191 x 148 cm. Se muestra en el Museo del Prado.

24. Pedro Orrente Pedro Orrente trabajó en Toledo durante el período barroco; de 1604 a 1612 estuvo en Italia, donde quedó muy impresionado por la obra de Bassano. Sus trabajos son pinturas bíblicas y bodegones, adquiriendo gran fama por su habilidad a la hora de plasmar animales y pequeños bodegones, que usaba para rellenar o ambientar las grandes escenas bíblicas que le encargaban sus clientes. Su estilo habitual era el naturalismo tenebrista, como el de otros muchos pintores del interior de Castilla. En el Museo del Prado existen ejemplos de su obra, que se halla repartida entre Madrid, Toledo y Valencia, ciudad en la que murió a mediados del siglo XVII.

25. Obras de Pedro Orrente Adoración de los Pastores (1617). Óleo sobre lienzo, de 111 x 162 cm. Se muestra en el Museo del Prado. Labán y Jacob (1617). Óleo sobre lienzo, de 116 x 209 cm. Está expuesta en el Museo del Prado San Sebastian (1625). Óleo sobre lienzo de estilo Barroco Español y se muestra en la Catedral de Valencia

26. Gentile da Fabriano El verdadero nombre de este pintor tardogótico es Gentile di Niccolò, recibiendo el apelativo da Fabriano por ser originario de esta localidad. Sus orígenes y su formación resultan bastante desconocidos, aunque pudo formarse dentro del "estilo internacional" vigente en los últimos años del siglo XIV. Está documentado por primera vez en 1408, durante una estancia en Venecia, iniciando unos trabajos decorativos en el palacio de los Dux que serían acabados por Pisanello. Su carrera itinerante le hará gozar de enorme fama, visitando todas las Cortes del norte de Italia, donde recibirá numerosos encargos, pudiendo decirse de él que fue maestro de una importante generación de artistas que apenas asumen los dictados del Renacimiento como Jacopo Bellini o Jacobello del Fiore. Durante 1422 y 1425 está en Florencia, desarrollando su estilo elegante y cortesano, alejado de las preocupaciones por la figura y la perspectiva de Masaccio, aunque se encuentren presentes en algunas de sus obras. Su producción no es muy amplia ya que la mayor parte de sus frescos han sido destruidos, dejándonos en sus trabajos en tabla un exquisito detallismo y una admiración por los fondos dorados, los arabescos y la línea sinuosa que le sitúan fuera de la órbita del Quattrocento.

27. Obras de Gentile da Fabriano Adoración de los Magos (1423). Témperas sobre madera y esta pintura se muestra en la Galería de los Uffizi Magdalena (1400-10). Témpera sobre madera y está expuesta en la Pinacoteca de Brera. Virgen con Niño y Santos (1405). Témperas sobre madera. Está expuesta en Staatliche Museen de Berlín

28. Fernando Gallego Según Palomino, nació en Salamanca. Lo que es seguro es que toda su carrera artística la desarrolló allí, ejerciendo un amplio influjo en toda Castilla con su depurado estilo Gótico, impregnado profundamente de elementos flamencos. Su mentor artístico es Dirck Bouts, cuyas obras tal vez pudo haber contemplado en los Países Bajos durante un hipotético viaje realizado en sus años de formación. Realizó un ciclo de astrología en la biblioteca de la Universidad de Salamanca, uno de los primeros temas paganos del Gótico Español. En el Museo del Prado de Madrid se encuentra el que tal vez sea uno de sus cuadros más conocidos, pintado al óleo sobre tabla y en un estilo plenamente Hispanoflamenco; se trata de la Piedad, que utiliza un fondo de paisaje completamente nórdico, con arquitecturas que no se veían en España. Muchos autores emplearon estos recursos, copiando los fondos directamente de las tablas de maestros flamencos que se importaban, o bien mediante dibujos y grabados que procuraban comprar y archivar como una fuente de inspiración para su producción en los talleres

29. Obras de Fernando Gallego Cristo Bendiciendo (siglo XV). Óleo sobre tabla, de 169 x 132 cm. Se muestra en el Museo del Prado Martirio de Santa Catalina (1470). Óleo sobre tabla, de 125 x 109 cm. Se exhibe en el Museo del Prado Piedad (1470). Óleo sobre tabla, de 118 x 102 cm. Está expuesta en el Museo del Prado.

30. Francisco de Goya y Lucientes Francisco de Goya y Lucientes nace en un pequeño pueblo de la provincia de Zaragoza llamado Fuendetodos el 30 de marzo de 1746. En la capital aragonesa recibió Goya sus primeras enseñanzas; fue a la escuela del padre Joaquín donde conoció a su amigo íntimo Martín Zapater y parece que acudió a la Escuela de dibujo de José Ramírez. Con doce años aparece documentado en el taller de José Luzán, quien le introdujo en el estilo decadente de finales del Barroco. En este taller conoció a los hermanos Bayeu, muy importantes para su carrera profesional. Zaragoza era pequeña y Goya deseaba aprender en la Corte; este deseo motiva el traslado durante 1763 a Madrid, participando en el concurso de las becas destinadas a viajar a Italia que otorgaba la Academia de San Fernando, sin obtener ninguna. En la capital de España se instalará en el taller de Francisco Bayeu, cuyas relaciones con el dictador artístico del momento y promotor del Neoclasicismo, Antón Rafael Mengs, eran excelentes. El 25 de julio de 1773 Goya contrae matrimonio en Madrid con María Josefa Bayeu. Los primeros encargos que recibe en la Corte son gracias a esta relación. Su destino sería la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, para la que Goya deberá realizar cartones. La relación con la Real Fábrica durará 18 años y en ellos realizará sus cartones más preciados: Merienda a orillas del Manzanares, El Quitasol, El Cacharrero, La Vendimia o La Boda. Por supuesto, durante este tiempo va a efectuar otros encargos importantes; en 1780 ingresa en la Academia de San Fernando para la que hará un Cristo crucificado, actualmente en el Museo del Prado. En Madrid se iniciará la faceta retratística de Goya, pero será durante el verano de 1783 cuando retrate a toda la familia del hermano menor de Carlos III, el infante D. Luis, en Arenas de San Pedro (Ávila), sirviéndole para abrirse camino en la Corte, gracias también a su contacto con las grandes casas nobiliarias como los Duques de Osuna o los de Medinaceli, a los que empezará a retratar, destacando la Familia de los Duques de Osuna, uno de los hitos en la carrera de Goya. Carlos IV sucede a su padre en diciembre de 1788; la relación entre Goya y el nuevo soberano será muy estrecha, siendo nombrado Pintor de Cámara en abril de 1789. Este nombramiento supone el triunfo del artista y la mayor parte de la Corte madrileña pasa por su estudio para hacerse retratos, que cobra a precios elevados. Durante 1792 el pintor cae enfermo; desconocemos cuál es su enfermedad pero sí que como secuela dejará a Goya sordo para el resto de sus días. Ocurrió en Sevilla y Cádiz y en Andalucía se recuperará durante seis meses; esta dolencia hará mucho más ácido su carácter y su genio se verá reforzado. El estilo suave y adulador dejará paso a una nueva manera de trabajar. Al fallecer su cuñado en 1795 ocupará Goya la vacante de Director de Pintura en la Academia de San Fernando, lo que supone un importante reconocimiento.

31. Este mismo año se iniciará la relación con los Duques de Alba, especialmente con Doña Cayetana, cuya belleza y personalidad cautivarán al artista. Cuando ella enviudó, se retiró a Sanlúcar de Barrameda y contó con la compañía de Goya, realizando varios cuadernos de dibujos en los que se ve a la Duquesa en escenas comprometidas. De esta relación surge la hipótesis de que Doña Cayetana fuera la protagonista del cuadro más famoso de Goya: la Maja Desnuda. Pero también intervendrá en la elaboración de los Caprichos, protagonizando algunos de ellos. En estos grabados Goya critica la sociedad de su tiempo de una manera ácida y despiadada, manifestando su ideología ilustrada. En 1798 el artista realiza la llamada Capilla Sixtina de Madrid para emular a la romana de Miguel Ángel: los frescos de San Antonio de la Florida, en los que representa al pueblo madrileño asistiendo a un milagro. Este mismo año firma también el excelente retrato de su amigo Jovellanos. El contacto con los reyes va en aumento hasta llegar a pintar La Familia de Carlos IV, en la que el genio de Goya ha sabido captar a la familia real tal y como era, sin adulaciones ni embellecimientos. La Condesa de Chinchón será otro de los fantásticos retratos del año 1800. Los primeros años del siglo XIX transcurren para Goya de manera tranquila, trabajando en los retratos de las más nobles familias españolas, aunque observa con expectación cómo se desarrollan los hechos políticos. Este debate interno se reflejará en su pintura, que se hace más triste, más negra, como muestran El Coloso o la serie de grabados Los Desastres de la Guerra. Su estilo se hace más suelto y empastado. Al finalizar la contienda pinta sus famosos cuadros sobre el Dos y el Tres de Mayo de 1808. Como Pintor de Cámara que es debe retratar a Fernando VII quien, en último término, evitará que culmine el proceso incoado por la Inquisición contra el pintor por haber firmado láminas y grabados inmorales y por pintar la Maja Desnuda. A pesar de este gesto, la relación entre el monarca y el artista no es muy fluida; no se caen bien mutuamente. La Corte madrileña gusta de retratos detallistas y minuciosos que Goya no proporciona al utilizar una pincelada suelta y empastada. Esto provocará su sustitución como pintor de moda por el valenciano Vicente López. Goya inicia un periodo de aislamiento y amargura con sucesivas enfermedades que le obligarán a recluirse en la Quinta del Sordo, finca en las afueras de Madrid en la que realizará su obra suprema: las Pinturas Negras, en las que recoge sus miedos, sus fantasmas, su locura. En la Quinta le acompañaría su ama de llaves, Dª. Leocadia Zorrilla Weis, con quien tendrá una hija, Rosario. De su matrimonio con Josefa Bayeu había nacido su heredero, Francisco Javier. Goya está harto del absolutismo que impone Fernando VII en el país, así que en 1824 se traslada a Francia, en teoría a tomar las aguas al balneario de Plombières pero en la práctica a Burdeos, donde se concentraban todos sus amigos liberales exiliados. Aunque viajó a Madrid en varias ocasiones, sus últimos años los pasó en Burdeos donde realizará su obra final, la Lechera de Burdeos, en la que anticipa el Impresionismo. Goya fallece en Burdeos en la noche del 15 al 16 de abril de 1828, a la edad de 82 años. Sus restos mortales descansan desde 1919 bajo sus frescos de la madrileña ermita de San Antonio de la Florida, a pesar de que le falte la cabeza ya que parece que el propio artista la cedió a un médico para su estudio.

32. Obras de Francisco de Goya y Lucientes Carlos III de Cazador (1788). Óleo sobre lienzo, de 207 x 126 cm. Está expuesta en el Museo del Prado, Madrid. Los Duques de Osuna y sus hijos (1788). Óleo sobre lienzo, de 225 x 171 cm. Se muestra en el museo del Prado, Madird. La lucha contra los mamelucos (1814). Óleo sobre lienzo, de 268 x 347 cm. Se exhibe en el Museo del Prado, Madrid.

33. Oscar Kokoschka Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Viena entre 1905 y 1908, donde recibió la influencia de Klimt y del Art Nouveau. En 1910 se traslada a Berlín donde colabora con la revista de vanguardia "Der Sturm" como dibujante. Fue gravemente herido en la Primera Guerra Mundial y, en 1917 de instaló en Dresde y fue profesor de la Academia de esta ciudad. Aquí estudió la pintura antigua y mostró especial interés por la obra de Rembrandt. Entre 1924 y 1931 viajó por Suiza, Francia, España y norte de África. Su obra fue perseguida como degenerada por el nacionalsocialismo y, en 1938 se instala en Inglaterra, donde realiza obras de carácter antibélico. Muere en Montreux en 1980. Además llevo a cabo una importante labor literaria, escribió obras teatrales, poemas y su autobiografía.

34. Obras de Oscar Kokoschka El huevo rojo (1940 – 1941). Óleo sobre lienzo. Esta obra pertenece a una colección particular. La esposa del viento (1914). Óleo sobre lienzo, de 181 x 220 cm. Esta obra se puede observar en el Museo Kunstmuseum de Basilea. Viena, vista desde el wilhelmimberg (1931). Óleo sobre lienzo, de 92 x 136 cm. Esta obra la podemos ver en el Historisches Museum der Stadt Wien.

35. Sir Thomas Lawrence Artista precoz, su padre no dudó en utilizar su habilidad para los retratos durante su adolescencia en la localidad de Bath, consiguiendo importantes ganancias con obras a lápiz o pastel que supondrán la mayoría de los ingresos familiares. A los 17 años se trasladó a Londres para continuar su formación artística, ingresando en la Royal Academy. En 1787 envió siete trabajos a la exposición oficial consiguiendo muy pronto ser reconocido gracias a la presentación en 1790 de su Reina Carlota, obra que le confirmaría como retratista de moda entre la alta sociedad londinense. Incluso llegó a aceptar más encargos de los que podía realizar, con lo que en numerosas ocasiones no satisfacía sus clientes. En 1791 fue elegido miembro correspondiente de la Academia y al año siguiente era designado sucesor de Reynolds como pintor del rey. La Academia le elevaría su rango a miembro de pleno derecho en 1794, siendo elegido presidente en 1820. Las obras de Lawrence pronto empezaron a ser criticadas por su excesiva teatralidad. El pintor deseaba trabajar también en la pintura temática y no dedicarse sólo a la retratística pero sus intentos en este asunto carecen del vigor de sus trabajos en el campo del retrato. La fama de Lawrence empezó a tener un ligero declive que consiguió superar con la exposición en la Royal Academy de 1807. Paulatinamente recuperaría su fama inicial, siendo nombrado caballero en 1815, momento en el que se le hace un importante encargo por parte de la familia real: la Cámara de Waterloo, en el castillo de Windsor, donde retratará a los soberanos, militares y hombres de Estado relacionados con la reciente derrota de Napoleón. Su fama alcanzó la internacionalidad con una serie de trabajos en el extranjero entre 1818 y 1820, especialmente con el retrato del papa Pío VII. Su estilo aparentemente rápido encierra un método de trabajo tremendamente minucioso, en el que los rasgos del modelo eran debidamente dibujados antes de trabajar con el óleo. Sin embargo, el empleo de ayudantes en la ejecución de numerosas obras ha llevado a un descenso de calidad en buena parte de ellas. A pesar de ello, el estilo de Lawrence alcanzará importante popularidad en las décadas de 1830-1840.

36. Obras de Sir Thomas Lawrence Arthur Atherley (1791). Óleo sobre lienzo, de125, 8 x 100,4 cm. Está pintura se muestra en Los Angeles Country Museum. George Hamilton Gordon, IV conde de Aberdeen (1829 – 1830). Óleo sobre lienzo, de 139,7 x 118 cm. Pertenece a una colección particular. Miss Elizabeth Farren (1790). Óleo sobre lienzo, de 139,7 x 118 cm. Está obra se muestra en el Metropolitan Museum

37. Andrea Mantegna Natural de Isola di Cartura, entre Padua y Vicenza, vio la luz hacia 1431, formándose en Padua con el pintor Squarcione - apasionado estudioso de la época romana y coleccionista de objetos arqueológicos, afición que heredó el propio Andrea - quien le consideró su hijo adoptivo. Ya en sus años jóvenes se interesó por la perspectiva tomando como referencia las obras de Paolo Ucello, Andrea del Castagno o Fra Filippo Lippi, maestros que habían trabajado en Padua. También se interesa por la perspectiva, como se aprecia en la Asunción de la Virgen, siguiendo la Trinidad de Masaccio. Durante la ejecución de este encargo en la iglesia de los Ermitaños, se trasladó a Venecia, donde se relaciona con la familia Bellini, contrae matrimonio en 1452 con Nicolasia, hija de Jacopo y hermana de Giovanni, y establece una estrecha relación con sus cuñados, como se observa en la Oración en el huerto o la Presentación en el templo. A su regreso a Padua realiza una de sus obras más importantes: la Pala de San Zenón. Con 29 años Andrea realiza allí sus obras más importantes: la decoración de la Cámara de los Esposos, donde los Gonzaga son retratados en diversas actitudes; el interés por la perspectiva y las referencias antiguas le llevan a abrir la sala gracias a las referencias a la campiña plagada de castillos y ciudades, destacando el Óculo fingido que sirve de coronamiento a la estancia. También de la estancia en Urbino sería la Muerte de la Virgen, donde la perspectiva y las figuras dotan al conjunto de un sereno equilibrio. Su fama le hizo ser llamado a Roma por el papa Inocencio VIII para decorar una de las capillas del palacio del Belvedere, destruida en 1780, regresando de nuevo a Mantua en 1490, cuando inicia los lienzos del Triunfo del César, evocación majestuosa del mundo romano que recuerda los frisos y relieves históricos de la Antigüedad. Isabella d´Este le encargó la decoración de su "Studiolo", donde pintó el Parnaso y el Triunfo de la Virtud. Durante estos últimos años sus imágenes religiosas se hacen más intimistas y desaparecen las referencias arquitectónicas para representar un fondo neutro aunque en algunas, como la Madonna de los Caballeros o la Virgen Trivulzio, continúa con dichas referencias. Las figuras siguen siendo escultóricas, interesándose por los escorzos y la perspectiva, como se muestra en el Cristo muerto, una de las más bellas obras de la pintura universal. Su afición por el mundo clásico le llevó a realizar escenas que simulan relieves como la Introducción del culto de Cibeles en Roma o Sansón y Dalila.

38. Obras de Andrea Mantegna Crucifixión (1457 – 1459). Témperas sobre madera, de 67 x 93 cm. Esta pintura es de estilo del renacimiento italiano y se muestra en el Museo Nacional de Louvre Pala de San Zenón (1457 – 1459). Óleo sobre tabla, de 450 x 480 cm. Es del estilo del renacimiento italiano y se muestra en la Iglesia de San Zenón. Triunfo de la Virtud (1497 – 1502). Témpera sobre madera, de 160 x 192 cm. Estilo del renacimiento italiano y está expuesta en el Museo Nacional de Louvre.

39. Clara Peeters Pintora especializada en bodegones, trabajó en la ciudad de Amberes, al mismo tiempo que una importante dinastía de pintores del mismo nombre, Peeters, con los cuales parece ser que no tenía parentesco. Tres de sus obras las tenemos en el Museo del Prado, una de ellas titulada Bodegón con pasas. Tanto en este como en el resto de sus bodegones se aprecia la magnífica capacidad de Clara para plasmar una realidad minuciosa y plagada de elementos materiales, de diferentes calidades y texturas. Sus lienzos tienen un fondo oscuro, neutro, como pudo haber aprendido de los núcleos tenebristas que trabajaron en su país. Uno de estos grupos fue el de los Caravaggistas de Utrecht.

40. Obras de Clara Peeters Bodegón con empanada (1611). Óleo sobre tabla, de 55 x 73 cm. Se muestra en el Museo del Prado. Bodegón con pasas (1611). Óleo sobre tabla, de 52 x 72 cm. Está expuesta en el Museo del Prado. Bodegón con peces (1611). Óleo sobre tabla, de 50 x 72 cm. Se exhibe en el Museo del Prado.

41. Eduardo Rosales Artista español nacido en Madrid a comienzos del siglo XIX; se formó durante el Eclecticismo español. Muerto a los treinta y seis años, la brillante carrera de Rosales prometía una obra de enorme calidad. Iniciado en la pintura de Historia propia del Eclecticismo, evolucionó del rígido academicismo exhibido en el Testamento de Isabel la Católica hacia la ligereza del pigmento y la pincelada fluida del Impresionismo, como se aprecia en sus abundantes estudios, bocetos y acuarelas. Una parte importante en su evolución se produjo en un viaje por Italia, que le descubrió la importancia de la luz solar y sus efectos sobre la materia, un descubrimiento que aplicó en la superficie blanda y húmeda de su último cuadro, Saliendo del Baño del Museo del Prado. El principal valor de este lienzo, que es su espontaneidad y su aspecto abocetado, no se sabe si atribuirlo a una evolución hacia la libertad de estilo o a que realmente quedó incompleto con su muerte.

42. Obras de Eduardo Rosales Aragoneses y caballería (1872 – 1873). Óleo sobre tabla, de 22 x 28 cm. El estilo es Eclecticismo Español y pertenece a una colección particular. Maximina Martínez de Pedrosa (1860). Óleo sobre lienzo, de 54 x 43 cm. Se exhibe en el Museo del Prado y el estilo es Eclecticismo Español. Violinista Pinelli (1868). Óleo sobre lienzo, de estilo Eclecticismo Español y se puede ver en el Museo del prado.

43. Luis Tristán Pintor toledano, de la generación siguiente a la del Greco, y que imitó el estilo de éste, dentro de un Manierismo exaltado que ya no se realizaba en España. A Luis Tristán se le considera el único discípulo de El Greco, aparte del hijo de aquél, Jorge Manuel. Pudo estudiar con él de 1603 a 1606 pero tras su aprendizaje en Toledo, marchó unos años a Italia (1606-1613) regresando después a España. Trabajó toda su vida en Toledo, donde practicó el estilo personal aprendido de El Greco, aunque con un mayor control a la hora de estilizar esas figuras melancólicas que caracterizan la obra del maestro, en un intento por matizar el Manierismo, ya pasado de moda con el enfoque naturalista que provenía de la península italiana y los ecos de la Contrarreforma.

44. Obras de Luis Tristán Retablo de Santa Clara (1623). Óleo sobre lienzo , de estilo Manierismo y se exhibe en el Museo de Santa Cruz, Toledo. San Luis dando limosna. Óleo sobre lienzo, del estilo Manierismo. Está obra se muestra en el Museo Nacional de Louvre. Santa Mónica (1616). Óleo sobre lienzo, de 42 x 40 cm. Está expuesta en el Museo del Prado.