Imágenes a comentar tema 5 - Arte románico

Tema 5 -
Arte Románico
Imágenes a comentar según Estándares de
aprendizaje LOMCE
Profesora Rocío González

QUÉ ES – Iglesia de San Vicente de Cardona.
DÓNDE - Cardona, provincia de Barcelona, Cataluña.
CUÁNDO – Primer Románico catalán, entre los años 1029 y 1040.
QUIÉN – Autor desconocido. Se sabe que su contratante fue el vizconde Bremon
y su impulsor el abad Oliba.
San Vicente de Cardona

CONTEXTO HISTÓRICO: En la península Ibérica había algunos rasgos peculiares derivados de
la situación religiosa y política. El norte cristiano estaba dividido en pequeños reinos, en pleno
proceso de expansión territorial y económica. Los siglos XI y XII estuvieron marcados por
importantes avances de la reconquista.
Este templo románico se eleva junto al castillo de Cardona, formando entre el castillo y la
iglesia un punto de gran importancia estratégica. Un valor importante en el momento que fue
construida, ya que desde ahí se podía visualizar el terreno circundante. Se construyó con la
repoblación que se hizo en la zona tras la caída del Califato de Córdoba. Para su financiación se
contó con el aporte económico que supusieron las donaciones del Obispo de Vic muerto en
1010. Por aquellos años, en esta zona habría una iglesia anterior de menores dimensiones.

CONTEXTO HISTÓRICO: La obra se sitúa en el contexto del Primer Románico. Con esta
denominación se hace referencia a las construcciones realizadas en Lombardía y norte de Italia
por los canteros lombardos, y, simultáneamente, en Cataluña influida en parte por esos
mismos maestros que recorrían Europa ofreciendo sus servicios para la construcción de
edificios.
En la primera mitad del XI Cataluña abandona definitivamente la tradición mozárabe y se
integra en las corrientes artísticas europeas. Mucho se ha discutido sobre la influencia de los
canteros lombardos en el primer románico en Cataluña, las últimas investigaciones tienden a
rebajar la importancia de éstos, se basan en que surge siguiendo modelos lombardos pero que
simultáneamente hay iglesias (totalmente abovedadas) que no tienen tanto que ver con lo
lombardo.

ANÁLISIS: Sant Vicente de Cardona dispone de los elementos propios del románico catalán,
diferenciándose de la arquitectura lombarda en la plena adopción de las estructuras europeas:
planta de cruz latina con tres naves, transepto y tres ábsides semicirculares. A la vez, sin
embargo, dispone de algunos elementos típicos de la arquitectura lombarda, como la utilización
del aparejo de piedra y la decoración típica lombarda.
El espacio interior está dividido en tres naves: una nave central de mayor tamaño y dos naves
laterales más pequeñas. En la zona más oriental las naves están cruzadas por el transepto, el cual,
aunque es algo más ancho que las naves, no sobresale demasiado en planta, dando la apariencia
de planta basilical. Las tres naves desembocan, en la zona más oriental del edificio, en tres
ábsides semicirculares de diferente tamaño, acorde con el tamaño de las naves.

ANÁLISIS:
Todo el cuerpo del presbiterio y del ábside central queda elevado, ya que en su espacio
inferior se encuentra una cripta.
Para sostener toda la cubierta abovedada se emplearon pilares compuestos que se
desarrollan en forma de cruz, adonde llegan los arcos fajones de la bóveda de cañón de la
nave central. Mientras que en las laterales, mucho más estrechas, la bóveda es de arista. Y
en cuanto a la zona del crucero, allí se eleva una cúpula sobre trompas. Esta cúpula aparece
horadada por motivos de iluminación, algo que se consiguió gracias que las piedras
utilizadas no son de gran tamaño.

ANÁLISIS: En el espacio exterior destaca, principalmente, la línea recta, exceptuando los
ábsides y ventanas. La distribución de volúmenes exteriores es muy ordenada. Encontramos,
pues, el cimborrio octogonal que corresponde a la cúpula, tres semicírculos que se
corresponden con los ábsides, y paralelepípedos que corresponden con el transepto y las
naves. En la cabecera destaca la decoración de arquillos ciegos y fajas lombardas.
Al los pies del templo encontramos que está precedido por un pórtico que integra una torre,
de planta cuadrada al exterior.
El aspecto general es de solidez, robusta, como una fortaleza.

COMENTARIO: La arquitectura lombardo-catalana deriva de la lombarda. Maestros lombardos se
trasladaron a Cataluña y allí unieron sus conocimientos a las formas de construcción características de
Cataluña, creando un estilo con matices diferentes. La influencia de la arquitectura autóctona es
especialmente mozárabe.
La arquitectura catalana va a gozar de una edad de oro en el siglo XI gracias al esplendor del Condado
de Barcelona. La próspera economía permitirá muchas construcciones, además de que los condes de
Barcelona aceptarán muy pronto la reforma cluniacense y fomentarán la creación de nuevos edificios.
Actualmente la iglesia se encuentra en un perfecto estado de conservación, siendo uno de los mejores
testimonios de la arquitectura del primer románico catalán.

CONCLUSIÓN:
No cabe duda que la iglesia de San Vicente de Cardona es una de las
obras maestras (si no la que más) del románico lombardo en
Cataluña por su grandiosidad y equilibro de espacios, su orden y
elegancia y su uniformidad.

San Martín de Frómista
QUÉ ES – Iglesia de San Martín de Frómista.
DÓNDE - San Martín de Frómista, Palencia, Camino de Santiago.
CUÁNDO – Último tercio del siglo XI. Románico Pleno.
QUIÉN – Autor desconocido. Encargada por iniciativa de la viuda de Sancho III.

CONTEXTO HISTÓRICO: En la península Ibérica había algunos rasgos peculiares derivados de la
situación religiosa y política. El norte cristiano estaba dividido en pequeños reinos, en pleno
proceso de expansión territorial y económica. Los siglos XI y XII estuvieron marcados por
importantes avances de la reconquista.
Hay que ver en la fundación de esta iglesia un doble interés por parte de la monarquía castellana:
de una parte fomentar el camino de Santiago que suponía la entrada de población que se
asentaba creando núcleos urbanos a los márgenes del camino, asegurando la zona frente a los
musulmanes, así como la entrada de importantes recursos económicos y la activación del
comercio en la zona. Por otra parte, cabe ver en este tipo de construcciones la búsqueda de
prestigio por parte de la monarquía a través de la construcción de semejantes edificios.

ANÁLISIS: La planta es basilical, con tres naves longitudinales separadas por pilares cruciformes
y arcos de medio punto, rematadas por tres ábsides semicirculares, siendo el central más grande
que los laterales, y una nave perpendicular a éstas (el transepto) que no sobresale en planta,
donde se sitúa el crucero, cubierto por cúpula octogonal sobre trompas. La iglesia está
totalmente abovedada con bóvedas de medio cañón, la central dividida en tramos por arcos
fajones y en los ábsides bóvedas de horno (cuarto de esfera).
Al exterior los contrafuertes refuerzan los sólidos muros. Se abren pocas ventanas, abocinadas,
de arco de medio punto sobre columnillas.
El material es la piedra, sillería, perfectamente tallada.

ANÁLISIS: En el exterior destaca el hábil escalonamiento de volúmenes entre la nave principal,
más alta, y las laterales, más bajas, y entre el ábside principal más grande y los laterales más
pequeños. Como novedad encontramos dos torres cilíndricas en la portada principal. Destaca
también el cimborrio octogonal.
Desde el punto de vista decorativo las fachadas no tienen esculturas, la escultura se refugia en el
interior en bellos capiteles y, ante todo, en las cornisas. En ellas apreciamos líneas de taqueado
jaqués (también presentes como líneas de imposta en el centro de los muros), así como
numerosos canecillos que, con función de ménsulas, sujetan el alero y sirven como lugar para
aplicar distintos relieves..

COMENTARIO: El templo sufrió a lo largo del tiempo un progresivo deterioro, que lleva a que
a finales del XIX sea declarado inadecuado para el culto. Tras su cierre, el deterioro se acelera
con varios desprendimientos en la bóveda y las paredes. La edificación amenazaba ruina. En
1894 se inician las labores de restauración.
Pese a la excesiva restauración que sufrió, recoge todas las características de la arquitectura
de este estilo. Formaba parte de un conjunto monástico, hoy desaparecido.
Sus orígenes, según las fuentes escritas, parecen remontarse al año 1066, cuando Doña
Mayor, viuda del rey Sancho III de Navarra otorga en testamento unas cantidades para que se
levante el templo dentro de un conjunto monástico.

COMENTARIO:
Fue ocupado el monasterio por la orden benedictina, y lugar de retiro de la reina viuda los
últimos años de su vida.
San Martín es un ejemplo de cómo se difundió el arte Románico por los caminos de
peregrinación. Recoge todas las características del 1º estilo internacional europeo, un arte al
servicio de la iglesia, que surge en pleno feudalismo y en la Europa rural y estamental. Es un
reflejo de cómo el Norte Peninsular vivía una situación política, cultural y artística muy
diferente al resto del territorio que estaba bajo influencia de Al-Andalus.

CONCLUSIÓN:
Esta iglesia es un buen ejemplo de la evolución del románico en su expansión entre los
diferentes reinos de la Península Ibérica, de manera que dentro de unas características
generales claramente románicas apreciamos peculiaridades en función del territorio donde
se desarrolla.
Esta iglesia es sin duda una de las más importantes del románico español, sólo superada por
la Catedral de Santiago de Compostela cuya construcción comenzó en la década siguiente.

Catedral de Santiago de Compostela

QUÉ ES – Catedral de Santiago de Compostela.
DÓNDE - Santiago de Compostela (provincia de La Coruña, capital de Galicia), fin del Camino
de Santiago.
CUÁNDO – Último tercio del XI. Románico Pleno. Se construyó en 4 fases entre 1075 y 1188.
QUIÉN – Las obras fueron encargadas por los obispos Diego Peláez (hasta 1087) y Diego
Gelmírez (hasta 1128). Diferentes maestros, inician en la primera fase los maestros Bernardo el
Viejo y Roberto, les siguen el maestro Esteban, Bernardo el joven y el maestro Mateo, autor
del famoso pórtico de la Gloria.

CONTEXTO: La península Ibérica en la Edad Media presentaba una enorme complejidad
política (feudalismo, dominios de la iglesia y de las órdenes monásticas) y cultural. En el sur
se encontraba el estado musulmán de Al-Andalus, en el norte los pequeños reinos cristianos
que aprovechan la debilidad musulmana para impulsar la Reconquista. Pese al avance
cristiano, la convivencia entre las dos culturas fue el factor dominante y uno de los
elementos que enriqueció nuestro Románico.
La historia de la ciudad de Santiago gira en torno al descubrimiento del sepulcro del apóstol
Santiago el Mayor.

CONTEXTO: El rey Alfonso II el Casto y el obispo Teodomiro de Iria Flavia convirtieron el
lugar en un centro aglutinador del cristianismo, junto con Roma y Jerusalén. Las sucesivas
incursiones árabes y nómadas, lideradas por Almanzor, destruyeron completamente la
antigua iglesia construida por Alfonso III el Grande, que se apropió de las campanas
llevandoselas hasta Córdoba junto con los prisioneros. Vencido por Fernando III fue
devuelta a cambio de prisioneros islámicos.
En el año 1075 se inician las obras de la actual catedral en estilo románico.

ANÁLISIS: Sigue el esquema de las iglesias de peregrinación, de planta basilical con cruz latina,
formada por tres naves, al igual que su crucero. Presenta un nártex a sus pies con dos torres en
los extremos. En la cabecera se encuentra la girola o deambulatorio, con capillas radiales que
permite rodear el altar mayor para ver la tumba del apóstol, que se sitúa bajo el Altar Mayor.
El alzado es un acierto arquitectónico, arcos de medio punto peraltados, alternancia de pilares
cruciformes con medias columnas adosadas y columnas circulares. Con cada arco se
corresponden hermosos ventanales. Sobre las naves laterales y las del transepto se dispuso
una tribuna que contrarresta el empuje de las bóvedas de cañón de la nave central de casi 22
metros de altura. Las tribunas están cubiertas por bóvedas de cuarto de esfera.

ANÁLISIS: La entrada principal se encuentra en el Pórtico de la Gloria (nártex), construido por
el Maestro Mateo en 1180. Se divide en tres arcos. El central hace alusión al Apocalipsis con
centenares de figuras presididas por Cristo. Soporta el peso del tímpano central el parteluz,
presidido por una imagen monumental de Santiago el Mayor. También construye la cripta que
permite salvar el desnivel del terreno y sobre el que se asienta el último tramo de las naves. Y
el pórtico entre las dos torres.
La gran fachada barroca del Obradoiro, del siglo XVIII, es obra de Fernando Casas y Novoa.
En la fachada de las Platerías destaca el desbordamiento de la escultura fuera del marco de los
tímpanos, donde se narra el ciclo de la Redención.

ANÁLISIS SIMBÓLICO:
La catedral de Santiago viene a simbolizar, en primer lugar, la importancia de una ciudad y una
sede obispal en la que se encuentra situado el sepulcro de uno de los doce apóstoles de Cristo.
En este sentido, la propia planta de la iglesia es imagen de la cruz de Cristo y, en consecuencia,
representación en pIedra de la idea de la crucifixión y muerte de Jesús como base para la
salvación del mundo. Pero, por otro lado, la construcción simboliza a la perfección el desarrollo
del reino astur-leonés en un momento en el que el espacio geográfico peninsular se encontraba
fragmentado y en el que sobresalía el mundo islámico representado por al-Andalus.

COMENTARIO:
Las influencias más evidentes son de tipo languedociano (pilares
compuestos, arcos peraltados, bóvedas de cañón con fajones…).
En la última etapa predominan las influencias borgoñonas (triple
portada, arcos apuntados, bóvedas de crucería…).

CONCLUSIÓN:
La Catedral Compostelana, comenzada en tiempos del obispo D. Diego Peláez, hacia
1075, es el ejemplar más valioso y significativo del arte románico español. Las
influencias del Románico Francés las encontramos jalonadas a lo largo de todas las
etapas del Camino de Santiago, que culmina en el gran compendio del Románico que es
la catedral de Santiago de Compostela, naciendo así la imagen de Santiago Matamoros,
símbolo de combate contra el Islam que se prodigó a lo largo de la ruta.

La duda de Santo Tomás (Silos)

QUÉ ES – Panel escultórico o machón de la Duda de Santo Tomás,
del claustro de Santo Domingo de Silos (Burgos)
DÓNDE - Santo Domingo de Silos, Burgos.
CUÁNDO – Inicios del siglo XII. Románico pleno.
QUIÉN – Maestro anónimo.

CONTEXTO: El monasterio, aunque no en su actual configuración, se remonta a
la época visigoda, si bien se desvanece durante la ocupación musulmana. En el
siglo X, llamado aún San Sebastián de Silos, y en especial durante el periodo en
que el conde Fernán González gobierna en Castilla (930-970), vuelve a resurgir la
comunidad, alcanzando una pujante actividad que nuevamente decae bajo las
razias de Almanzor (1002). Cuando en 1041 Domingo, prior del monasterio de
San Millán de la Cogolla, se refugia en Castilla huyendo del rey navarro, es bien
recibido por el leonés Fernando I quien le confía la misión de restablecer el
antiguo esplendor al monasterio de Silos puesto bajo la advocación de San
Sebastián. Con el decidido impulso de Santo Domingo como abad se erigió la
iglesia románica, templo de 3 naves y 5 ábsides consagrado en 1088 por el abad
Fortunio, el claustro que aún perdura, y el resto de las dependencias monacales.
A la muerte del santo, el monasterio toma su patrocinio y pasa a denominarse
Santo Domingo de Silos.

ANÁLISIS: Tema religioso extraído de los Evangelios que narra la aparición
milagrosa de Cristo, tras su Resurrección y Ascensión, al Colegio
Apostólico. En ella, y tras la falta de fe de Santo Tomás, que no creía en una
aparición anterior, el propio Jesucristo hace que introduzca sus dedos en
la llaga del costado para verificarlo. Junto a los dos protagonistas se
encuentran San Pablo (calvo y con filacteria) y San Pedro (con sus llaves).
El resto de los apóstoles se coronan con nimbo y portan libros, situándose
encima de Cristo, y en posición de tres cuartos, Santiago.
En la parte superior del arco (enjutas) aparecen edificios y personajes que
tocan grandes cuernos y que representan la Jerusalén Celeste (Paraíso).
Tipología. Medio-bajo relieve situado en uno de los machones de las
esquinas del claustro.

ANÁLISIS: El material utilizado es la piedra a través de la técnica de la talla
con postizos (aún visibles algunos) de piedras negras en las pupilas.
La composición atiende a la ley del marco, adaptándose al arco de medio
punto sustentado por falsas columnas corintias. Los personajes se
organizan según criterios geométricos, colocándose en bandas
horizontales que sólo se rompen en la tercera fila. Sin embargo, y para
evitar una visión excesivamente estática, el escultor ha organizado las
cabezas en vertical generando suaves líneas diagonales hacia la izquierda
que generan un efecto envolvente sobre la escena principal y que nos lleva
visualmente hacia él (efecto reforzado por la leve inclinación de sus
cabezas que dirigen su mirada hacia la escena). Ésta (Cristo y Santo Tomás)
se encuentra aislada por el brazo de Cristo que cierra el espacio y la
postura de Santo Tomás (totalmente distinta a la del resto).

ANÁLISIS: El modelado se realiza de una doble manera. En el interior de las figuras
(pliegues vestiduras, rasgos faciales...) se profundiza muy poco, creando un efecto
casi de dibujo y figuras planas, sin excesivo interés por el claroscuro. Por el
contrario, la separación entre figuras y fondo sí se remarca con mayor intensidad.
La perspectiva utilizada tiende a los fondos planos y la composición en bandas
superpuestas (yuxtaposición) que sería una evolución de la perspectiva abatida y
por completo antinatural. La figura de Cristo, con fines narrativos, tiene una altura
mayor, pudiéndose decir que utiliza la perspectiva jerárquica.
La figuras poseen un fuerte sentido antinaturalista visible en su isocefalia,
hieratismo, canon desproporcionado ( alargado), postura inestable creada por el
cruce de piernas o los pies danzantes y esquematismo en rostros o pliegues de las
vestiduras. En general tienden a una cierta geometrización.

COMENTARIO: Tanto lo comentado en el tema, la composición, como la
falta de perspectiva y el antinaturalismo de las figuras, nos muestran una
obra perteneciente al estilo románico donde se abandonan los valores
estéticos de la obra para poner toda la atención en su función didáctica.
Pues el arte románico, profundamente teocéntrico, tiende a crear escenas
que más que complacer al ojo o la razón (como era habitual en el periodo
clásico), sirvan como instrucción de los principios religiosos y morales que
ha de seguir el fiel, funcionando como una forma de control ideológico de
una sociedad estamental en donde la obediencia y la fe ciega son dos
normas básicas de comportamiento que imponen las clases privilegiadas
(nobles y clero).

COMENTARIO: La obra que analizamos remarca la importancia del creer sin
ver, utilizando un episodio evangélico, idea que podría extenderse a otros
ámbitos y sobre todo al religioso, el poder infalible de la Iglesia y la necesidad
de su absoluta obediencia por parte de la comunidad representada por esos
apóstoles no individualizados con los que debería identificarse el creyente.
El principal transmisor de todas estas doctrinas será la nueva orden
benedictina de Cluny que se desarrollará utilizando los caminos de
peregrinación. Basada en la Regla de San Benito (ora et lavora) conocerá una
expansión imparable que le permitirá el establecimiento de numerosos
monasterios (Silos, Moissac...) desde los que se expande este mensaje
religioso a la vez que se copian libros en sus scriptorium en donde se
salvaguardará gran parte de la cultura clásica.

CONCLUSIÓN: En las esculturas del claustro de Silos podemos
observar todas las características de la escultura románica, siendo
esta una de las principales obras de este estilo.
Es ejemplo de unas normas de representación estética que
obedece a la importancia de la idea o mensaje. No se trata de
imitar la naturaleza sino de captar la esencia. Es decir, tiene la
influencia de la filosofía platónica a través de San Agustín
indicándose que los sentidos no captan la realidad sino la
apariencia y siendo la primera la importante, no es lógico ocuparse
en demasía de la segunda.

Juicio Final, tímpano de Santa Fe de Conques

Juicio Final, Santa Fe de Conques
QUÉ ES – Tímpano de la Portada de la Basílica de Santa Fe de Conques (Francia).
DÓNDE - Conques, en la región de Occitania. Está en el valle del río Dourdou de
Conques, en el sudoeste del país y es uno de los centros de peregrinación más
importantes de Francia gracias a la Abadía de Santa Fe.
CUÁNDO – Hacia 1124. Románico pleno francés.
QUIÉN – Anónimo.

CONTEXTO: Época feudal con profunda fragmentación política por la existencia
de los señoríos y de señores feudales tanto laicos como eclesiásticos. El el único
vínculo de unión en este mundo dividido es la fe, de ahí la importancia de la iglesia
y sobre todo de los monasterios.
La cultura gira en torno a Dios, por tanto cultura teocrática con culto a las
reliquias y caminos de peregrinación como Santiago de Compostela.

ANÁLISIS: En la fachada occidental de la iglesia abacial, una profunda arquivolta en bóveda de
cañón con arco de medio punto acoge el tímpano del Juicio Final, una de las obras fundamentales
de la escultura románica en Francia por sus cualidades artísticas, su originalidad y por las propias
dimensiones de la obra. Representa pues el Juicio Final, según el Evangelio de Mateo, apareciendo
en el conjunto un total de 124 personajes, estando dividido el mismo en tres niveles distintos. En
la parte superior, en los ángulos, podemos apreciar la presencia de dos ángeles tocando una
trompa, a la vez que en el centro de la composición destaca un Maiestas Domini o Cristo en
Majestad, que nos presenta a los elegidos a su derecha, en el Paraíso, y a los condenados a su
izquierda, en el Infierno. Tras de él, los ángeles llevan la Cruz y el hierro de la lanza evocadores de
la Pasión.

A media altura, el cortejo de los elegidos está avanzando hacia Cristo, pudiéndose reconocer a
la Virgen María y a san Pedro, que aparecen con una aureola, siendo seguidos por algunos
personajes de importancia en los primeros tiempos de la historia de la abadía: el abad Dadon
(su fundador), y Carlomagno (su benefactor). Debajo, podemos contemplar a Santa Fe bajo la
mano de Dios, junto a unas cadenas de prisioneros a los que ella ha liberado. Al otro lado, unos
ángeles-caballeros rechazan a los condenados que intentan escapar del Infierno. Puede verse
entre ellos a monjes indignos, o a un borracho colgado por los pies (tema moralizante).
En el nivel más bajo, vemos el Paraíso, con Abraham en el centro, teniendo a su derecha un
ángel que permite la entrada a los elegidos y, a su izquierda, un demonio que arroja a los
condenados a las fauces del infierno. El infierno, presidido por Satanás, se castiga a los pecados
capitales: la Soberbia, desazonada de un caballo, la Avaricia ahorcada con su propia bolsa de
dinero, la Envidia, cuya lengua es arrancada por un demonio, la Lujuria, representada por una
mujer con pechos desnudos, atada por el cuello a su amante. En el dintel puede leerse una
advertencia.

ANÁLISIS: Los elementos formales se caracterizan por:
Horror vacui, todo está lleno , no hay espacio vacío.
Simetría y frontalidad, la simetría comienza en la cruz, continúa por la figura de Cristo,
todas las figuras están de frente.
Jerarquía presidida por la figura de Cristo como juez que tiene un canon mayor.
Adaptación al marco, como se observa tanto en los bienaventurados bajo arcos como en
el infierno.
Hieratismo y rigidez: en los personajes relacionados con la divinidad, seriedad, falta de

Antinaturalismo: no se corresponde con la realidad y se tiende a la simplificación y al
esquematismo.
Tenían policromía que aún se observa en los relieves .
Figuras muy expresivas de fácil mensaje especialmente Lucifer y los condenados, con ello
se expresa las consecuencias del mal.
La temática de la obra, basada en la visión apocalíptica de San Juan, muestra el final de la
Humanidad en un sentido claramente aleccionador y moralizante tal como confirma la
inscripción del dintel que reza: “Pecadores, si no cambiáis vuestras costumbres, sabed que
sufriréis un juicio temible“.

COMENTARIO: Fue fundado en 819 por el eremita Dado que estableció una comunidad de
monjes creando el monasterio de Conques (después Santa Fe), origen de la abadía. En el siglo XI
se hizo necesario construir una iglesia más grande para acomodar al gran número de peregrinos
y bajo la dirección del abad Odorico (1031-65) se empezó a construir la iglesia de la Santa Fe.
La función del tímpano es didáctica, moral, quedando patente la enseñanza de las consecuencias
de las acciones, la salvación o la condena con horribles castigos por parte de las bestias
infernales que es lo más expresivo. El bien y el mal quedan expresados mediante lo bello y lo feo.
Estamos en la entrada a la Jerusalén Celestial en una iglesia de peregrinación.

CONCLUSIÓN: Ejemplo de la plástica románica y de expresividad.
La iglesia de Santa Fe de Conques se encuentra en una de las vías del Camino de Santiago y
estas imágenes preparaban al peregrino en su viaje .
Estamos ante una de las obras capitales de la escultura románica europea no sólo por la
calidad de su talla y la maestría en la composición sino también por la expresividad y
dramatismo que alcanza el conjunto.

Capitel Última cena, San Juan de la Peña

QUÉ ES – Capitel románico del claustro del monasterio de San Juan de la Peña.
DÓNDE - Santa Cruz de la Serós, al suroeste de Jaca, Huesca, Aragón (España).
CUÁNDO – Románico pleno, último tercio del siglo XII.
QUIÉN – maestro de San Juan de la Peña, autor anónimo, también conocido
como Maestro de Agüero.

CONTEXTO: Probablemente existiera algún tipo de cenobio anterior al siglo XI, pero la
construcción de mayor importancia empieza el año 1026 por iniciativa de Sancho el Mayor. En
el año 1071 el rey Sancho Ramírez cede el conjunto existente a los monjes cluniacenses y
favorece su reforma. En este momento se levanta el conjunto que hoy queda, en mayor o
menor medida. La reforma benedictina de Cluny no podía obviar la construcción de un claustro
que se finalizará ya entrado el siglo XII.
En San Juan de la Peña se conservaban gran cantidad de reliquias: dos trozos de la Santa Cruz,
un trozo de vestido de la Virgen, piedras procedentes del pesebre del Niño Jesús y del Santo
Sepulcro entre otras muchas reliquias.

ANÁLISIS: El Maestro desarrolla en los capiteles del claustro un programa sobre escenas
bíblicas donde aparecen entre otras el Anuncio a los pastores, la Natividad, la Anunciación, la
Epifanía, creación de Adán y Eva, o el que nos ocupa: la Última Cena.
Se trabaja con bajorrelieves casi todos dominados por un horror vacui muy acentuado que
provoca contorsiones en algunas figuras que superan el propio marco. Los gestos son
exagerados, casi teatrales, acentuando los ojos y la boca, y confiriendo narratividad a las
escenas. En cuanto a las formas, éstas se someten a esquemas geométricos que dominan desde
la configuración del rostro o los pliegues de los paños, hasta los movimientos de la misma agua
que se vierte de un jarro a otro.

ANÁLISIS:
En el capitel vemos a Jesucristo en la última cena, con algunos de los apóstoles, tras la mesa
rectangular. De izquierda a derecha en la Última Cena aparecen un total de siete figuras
repartidas de la siguiente manera: a la izquierda, dos apóstoles conversan entre sí; a
continuación, Judas, Jesús y San Juan; tras éste, San Pedro que incitó al discípulo amado a
hacer la pregunta y otro apóstol más. Sobre la mesa aparece una fuente o plato con un pez.

COMENTARIO: A partir de finales del XII y sobre todo durante el XIII, el cenobio iniciaría un lento
proceso de decadencia, principalmente porque con las conquistas y el avance cristiano hacia el sur, el
foco de influencia y de poder se desplazó desde el abrupto Pirineo hacia el área del valle del Ebro.
Así pues, toda la Baja Edad Media será para San Juan de la Peña un periodo de largo ostracismo,
sobreviviendo y manteniéndose viva la comunidad en condiciones de extrema humildad hasta que, en
1675, el más devastador incendio motivó el traslado de la comunidad a un nuevo cenobio barroco.
Tras la invasión francesa y, sobre todo, tras la Desamortización, ambos monasterios quedarían
abandonados, siendo posteriormente declarados Monumento Nacional, procediéndose a su
restauración y adecuación para el turismo, existiendo en la actualidad un centro de interpretación, una
hospedería e incluso un pequeño museo.

Conclusión:
Situado a los pies del Camino de Santiago Aragonés, el Real Monasterio de San
Juan de la Peña es, en la actualidad, uno de los monumentos peninsulares que
más visitantes atrae tanto por su interés histórico - artístico, como por la
inigualable belleza de su emplazamiento y de sus paisajes circundantes.

Pórtico de la Gloria, catedral de Santiago.

QUÉ ES – Portada occidental de la catedral de Santiago.
DÓNDE - Catedral de Santiago de Compostela, La Coruña.
CUÁNDO – Románico pleno, 1188.
QUIÉN – Maestro Mateo.

CONTEXTO: La península Ibérica en la Edad Media presentaba una enorme complejidad
política (feudalismo, dominios de la iglesia y de las órdenes monásticas) y cultural. En el sur
se encontraba el estado musulmán de Al-Andalus, en el norte los pequeños reinos cristianos
que aprovechan la debilidad musulmana para impulsar la Reconquista. Pese al avance
cristiano, la convivencia entre las dos culturas fue el factor dominante y uno de los
elementos que enriqueció nuestro Románico.
La historia de la ciudad de Santiago gira en torno al descubrimiento del sepulcro del apóstol
Santiago el Mayor.

CONTEXTO: El rey Alfonso II el Casto y el obispo Teodomiro de Iria Flavia convirtieron el lugar en un
centro aglutinador del cristianismo, junto con Roma y Jerusalén. Las sucesivas incursiones árabes y
nómadas, lideradas por Almanzor, destruyeron completamente la antigua iglesia construida por
Alfonso III el Grande, que se apropió de las campanas llevandoselas hasta Córdoba junto con los
prisioneros. Vencido por Fernando III fue devuelta a cambio de prisioneros islámicos.
En el año 1075 se inician las obras de la actual catedral en estilo románico. En 1188 el maestro Mateo
finaliza con su portada occidental.
En la mayoría de las ocasiones el artista era considerado un artesano anónimo, se le valoraba no el que
hiciera una obra única, sino obras bien hechas, que obedecieran a las reglas de lo bello, a las de la
geometría y a las de la matemática.

ANÁLISIS: Nos encontramos ante una obra arquitectónica, portada de entrada a la catedral, y
escultórica, pues toda ella se encuentra recubierta de esculturas que obedecen a un programa
iconográfico complejo y típicamente medieval. Su autor es el Maestro Mateo, que supo plasmar
en piedra un denso mensaje teológico. Sobre 1168 se inició esta obra, que finalizó en 1188 según
consta en una inscripción. Es una construcción de tres vanos cubiertos por bóvedas de crucería
que cobijan el ingreso principal a la iglesia, compuesto de tres arcos abocinados que dan acceso a
las tres naves, y de los cuales el principal tiene tímpano sostenido por un parteluz.
Su iconografía se basa en el Apocalipsis de San Juan. En el tímpano central aparece en tamaño
jerárquico Cristo en majestad rodeado del Tetramorfos.

A ambos lados, sobre el dintel, un grupo de ángeles portan los instrumentos de la Pasión (la
cruz, la corona de espinas, los clavos, ...), mientras que, completando el fondo, aparecen los
Bienaventurados representados en un tamaño mucho menor y dispuestos en dos frisos
horizontales mientras dirigen su mirada al centro de la composición, esto es, hacia Cristo.
Por encima, en una arquivolta aparecen los 24 ancianos con instrumentos musicales como se
indica en el Apocalipsis. Son éstas figuras de gran realismo y movilidad. Incluso, los ancianos
músicos hacen escorzos con sus cabezas para poder mirarse.
En las jambas, a la derecha de Cristo, se encuentran los profetas que precedieron la llegada del
Mesías (Jeremías, Daniel, Isaías y Moisés) mientras que en las de la izquierda aparecen los
apóstoles (San Pedro, San Pablo, Santiago el Mayor y San Juan Evangelista).

El parteluz está ocupado por la figura casi exenta de Santiago, coronado con una aureola de
bronce con incrustaciones de vidrio, quien, sentado y portando un pergamino en la derecha y un
cayado en la izquierda, parece recibir a los peregrinos que hasta la puerta se acercan. Bajo él se
encuentra una columna que representa el árbol de Jesse. El capitel simboliza la santísima
Trinidad, por lo que el parteluz aúna la doble naturaleza de Cristo, la humana y la divina.

COMENTARIO: El conjunto escultórico muy probablemente fue obra de taller, aunque bajo
la supervisión del maestro Mateo. La desigual calidad en la factura de las distintas esculturas
del conjunto, así como el elevado número de las mismas realizadas en un tiempo corto, ha
llevado a los especialistas a la aceptación de la existencia de dicho taller. Aún así, el conjunto
es, sin duda, uno de los de mayor calidad, no sólo del románico español, sino del europeo.
Se ha señalado la influencia de la escultura francesa en esta obra, aunque los cierto es que
las proporciones, el movimiento, la expresión sonriente de los rostros, los ropajes que
marcan la anatomía que cubren más que esconderla, así como muchos otros detalles, nos
anuncian un cambio, no solo en la escultura,que avanza hacia el naturalismo que será
característico en el gótico, sino una nueva sensibilidad religiosa, más amable y próxima al ser
humano.

COMENTARIO: Respecto a la iconografía, la decoración de este pórtico, como es normal en
el románico, va más allá de la mera función decorativa, teniendo otra función, mucho más
importante, didáctica dirigida hacia una población mayoritariamente analfabeta sobre los
misterios de la Salvación.

CONCLUSIÓN:
El pórtico de la Gloria supone un dignísimo broche de oro a la evolución de la escultura
románica siendo, en cierta manera, una obra de transición al anunciar algunas de las
características que marcarán el arte figurativo gótico dominado por el naturalismo y la
expresividad. Estamos por tanto, ante la unión del viejo tema del Pantocrátor y el Juicio
Final y una nueva visión de la naturaleza y del Hombre fruto de una religiosidad donde
la esperanza se abre camino frente al temor de épocas pasadas.

Bóveda de la
Anunciación
a los pastores
en el Panteón
Real de San
Isidoro de
León

Bóveda de la Anunciación, Panteón Real de San Isidoro
QUÉ ES – Pintura al fresco de una bóveda con el tema de la Anunciación.
DÓNDE - Panteón Real de San Isidoro de León.
CUÁNDO – Románico pleno, siglo XII.
QUIÉN – Anónimo.

CONTEXTO: En los reinos cristianos ésta es una época dominada por una economía basada
en la agricultura, que se organiza según el llamado modelo feudal. Es una economía
autosuficiente, con poco comercio ( salvo ferias). El sistema político se basa en la existencia
de reyes que para asegurarse la fidelidad de los grandes señores, les entregan feudos, es un
sistema basado en las relaciones personales, en una sociedad estamental, con tres
estamentos o grupos cerrados: Bellatores (nobles), Oratores (Clero) y Laboratores
(campesinos).
Es una época en la que toda la cultura está basada en la religión, y en la que incluso la
filosofía intenta demostrar la existencia de Dios (Santo Tomás de Aquino).
En este contexto no es de extrañar que las manifestaciones artísticas más frecuentes sean
las religiosas.

ANÁLISIS: El conjunto de las bóvedas del panteón aparecen recubiertas de pinturas al fresco,
temple sobre estuco blanco, y representan escenas relacionadas con el nacimiento de Jesús
(Anunciación a los pastores, degollación de los Inocentes), su Pasión (Santa Cena y el
Prendimiento) y el Apocalipsis (visión de San Juan y Pantocrator).
Concretamente la obra que vamos a comentar es la anunciación del ángel a los pastores. La
escena está formada por tres pastores, dos tocando instrumentos, uno el cuerno y otro el
caramillo, mientras el tercero da de beber a un perro mastín. Cabras y cerdos conforman el
rebaño mientras que un ángel de formas alargadas, coronado con un nimbo, anuncia la buena
nueva del nacimiento de Jesús acompañando el anuncio con el gesto de sus manos así como la
dirección en la que ha tenido lugar el mismo. Ramas y árboles en flor así como unas líneas
onduladas sitúan la escena en el monte.

Las figuras aparecen delimitadas por un grueso trazo mientras que hay un predominio de
colores cálidos tales como marrones, ocres, amarillos y rojizos. Carecen de expresividad no
mostrando sorpresa ni temor ante la milagrosa aparición del ángel.
La escena se adapta a la forma de la bóveda que decora, de manera que mientras unas figuras
aparecen derechas otras lo hacen boca abajo, lo que acentúa la sensación de irrealidad de la
misma. Igualmente destaca la ausencia de perspectiva de manera que las figuras aparecen
representadas en un plano único y sólo la aparición de ciertos elementos naturales, como ramas
y árboles, representados de manera esquemática permiten la localización de la escena.

En resumen, podemos observar el predominio de la línea para definir formas y figuras, el uso
de colores planos, la esquematización en la composición, así como la ausencia de perspectiva
y de expresividad de las figuras.
Todo ello obedece a un sentido artístico y religioso, en el que lo primero no se entiende sin lo
segundo, de manera que el arte figurativo, escultórico y pictórico, debe tener una clara
función didáctica además de decorativa, de manera que los aspectos estéticos pasan a un
segundo plano frente a la claridad narrativa.
La escena aparece acompañada con una leyenda que dice "ANGELUS A PASTORES" y que
ayuda a interpretarla.

COMENTARIO: Se ha considerado durante mucho tiempo que esta pintura respondía al
modelo de pintura francés que habría llegado a través del Camino de Santiago; hoy se cree que
también podría deberse al influjo de un taller miniaturista leonés. Las características de la
pintura responden a la importancia del dibujo que el románico manifiesta así como a las otras
características propias de la pintura románica.
Esta obra forma parte de un complejo programa iconográfico, tal vez en relación con el culto
mozárabe, que aunque había sido prohibido por Alfonso VI, todavía seguiría usándose en la
zona leonesa.

Bóveda de la Anunciación
CONCLUSIÓN:
Denominada "la Capilla Sixtina" del Románico por su claridad y estado de
conservación, las pinturas del Panteón de los reyes de San Isidoro de León nos
muestran la claridad que alcanzó la pintura románica aunque siempre sujeta al
soporte arquitectónico y a la espiritualidad que las inspiró.

Ábside de San Clemente de Tahull

QUÉ ES – Pintura mural al fresco de un ábside.
DÓNDE - Iglesia de San Clemente de Tahull, Valle de Bohí (Lérida).
CUÁNDO – Románico pleno catalán, siglo XII.
QUIÉN – Maestro de tahull, anónimo.

CONTEXTO: La iglesia de San Clemente de Tahull fue consagrada por Ramón de Roda,
obispo de Roda en el año 1123, fecha pintada en una de las columnas de la nave y a la cual se
asocia la creación de la pintura mural del ábside central.
Se asocia la consagración de la iglesia con la reconquista definitiva de Barbastro y Zaragoza,
y otros núcleos. Según esta teoría, el rey de Aragón, Alfonso el Batallador, recompensó
económicamente a los ejércitos no aragoneses que participaron en la reconquista de estos
territorios, entre los que se encontrarían personajes catalanes como el conde de Pallars y la
familia Erill, bajo el dominio feudal de la que estuvo el Valle de Bohí y familia con la que el
obispo Ramón de Roda mantenía una estrecha relación. De este modo, las pinturas murales
de San Clemente de Tahull podrían haber sido consecuencia de estos favores.

CONTEXTO: Sobre el autor: Conocido como el Maestro de Tahull, en el mundo de la Historia
del Arte, poco se sabe al respecto. Durante la Edad Media, los hoy considerados artistas eran
artesanos que ponían al servicio de abades, obispos y señores sus capacidades artísticas, sin
disfrutar su oficio de más renombre. Dos teorías sobre la procedencia del autor apuntan
hacia direcciones diferentes. Por un lado, se trataba de un maestro extranjero, de
procedencia italiana, que contaba con la ayuda de colaboradores de menos valía (como
muestran las figuras de los serafines),) y había adquirido y empleado técnicas hispánicas; por
otro lado se cree que se trataba de un artesano local.

ANÁLISIS: Se trata de una pintura mural al fresco que decora la bóveda de cuarto de esfera
del ábside central del templo de San Clemente de Tahull.
En la bóveda se representa ocupando casi la totalidad a Cristo en Majestad sentado y
encerrado en una mandorla. Su nimbo y su cabeza rebasan el borde superior de la mandorla.
Viste túnica y manto que le cubre los hombros; la mano derecha levantada en actitud de
bendecir. En la mano izquierda sostiene, apoyándolo en su rodilla, un libro abierto en el que
leemos: Ego sum lux mundi (Yo soy la Luz del Mundo). A un lado y otro de su cabeza aparecen
el Alfa y la Omega como metáfora de que Cristo es principio y final de todo.

Todo el muro aparece ordenado en tres registros de colores: azul, amarillo y negro. Sobre la
banda azul, cuatro ruedas, dos a cada lado de Cristo encierran un león y un toro; y en las más
cercanas a Cristo, dos ángeles que cogen del rabo y de una pata, respectivamente, al león y al
toro (símbolos de San Marcos y San Lucas). En los registros superiores se recortan dos ángeles,
el de la derecha lleva un libro (San Mateo), el de la izquierda un águila (San Juan).
Una banda con los nombres de la Virgen y de los Apóstoles separa esta parte de la cuenca del
hemiciclo en el que, cobijadas bajo arcos y separados por la ventana del ábside, vemos las figuras
(de izquierda a derecha) de Tomás, Bartolomé, María,quien porta el cáliz con la sangre de Cristo,
Juan, Santiago y los restos de otra figura que, por las letras visibles en la parte superior, podría
ser Felipe.

Su factura es de pincelada acabada y pastosa, con líneas bien definidas en trazos negros que
delimitan contornos (pintura dibujada). El color cubre los espacios entre líneas con tonalidades
cálidas. Son colores planos, sin modelado y con alto contenido simbólico. No hay estudio de luz,
la cual es de procedencia ambiental y no produce contrastes. No hay interés por el espacio
tridimensional, ni perspectiva ni contexto espacial pero sí tiene un contenido iconográfico que
divide la escena por zonas de mayor o menor importancia. La composición es clara y sencilla,
muy jerárquica. Establece un eje de simetría a través del centro de Cristo y de su mandorla y
pasa por la ventana inferior. Hay los mismos personajes a un lado y otro. El espacio principal se
reserva para el Pantocrator, luego el tetramorfos y por último, la Virgen y los Santos.
Las formas de expresión son antinaturalistas, con poses muy estudiadas y expresiones serias,
sin individualidad ni humanidad, anatomías y rasgos parecidos, ropajes y actitudes muy
estilizados. La imagen vale por lo que significa.

COMENTARIO:
En estas pinturas del ábside de san Clemente de Tahull son evidentes diversas
influencias, entre las que ha de destacarse la pervivencia de la tradición bizantina,
quizás heredada a través de obras realizadas en Italia. Precisamente, se ha llegado a
plantear que esta es la procedencia del artista de Tahull, quien debía conocer
también las tendencias que se venían desarrollando en la miniatura mozárabe
hispánica, de la que debió tomar los rasgos naturalistas que apreciamos en algunas de
las representaciones.

COMENTARIO: La Iglesia de San Clemente de Tahull, junto con la de Santa María, constituye
uno de los conjuntos pictóricos mejor conservados de la pintura románica en la Península. En
1934 son trasladados al Palacio de Montjuich, actual Museo de Arte de Cataluña.
Descrito el mural vamos a pasar a su significado. Su fuente iconográfica la tenemos en el
Apocalipsis de San Juan. El anónimo maestro ha sabido transmitir toda la majestad que del
texto apocalíptico emana en la figura del Cristo del ábside, vestido como rey, coronado de luz y
con ese solemne gesto de la mano derecha que se alza ante nuestra mirada bendiciéndonos. Su
rostro simétrico rebosa solemnidad y severidad: sus ojos abiertos, expresivos; sus cejas
marcadas, nos transmiten esa sensación de que estamos ante alguien que nos mira y juzga con
rigor. Cristo sostiene el libro de los siete sellos y en él está escrito «Yo soy la luz de mundo».

La habitual interpretación de muchos especialistas de la Maiestas Domini es una iconografía al
servicio del poder establecido en la sociedad feudal, a través de la cual al hombre dominado se le
quiere advertir que el orden terrestre establecido es reflejo de la voluntad divina y que un día
será juzgado con rigor por el Creador. Cristo aparece rodeado por una mandorla (luz que emana
de su ser divino) y en torno suyo aparecen los cuatro seres: el león, el toro, el águila y el hombre,
símbolos de los evangelistas o tetramorfos. Pero en el siglo XII a estas significaciones simbólicas
se les añadieron otras: el hombre representa la Encarnación de Cristo; el toro, su Sacrificio
redentor en la cruz; el león, su Resurrección (se afirma en los bestiarios que el león duerme con
los ojos abiertos), y el águila, su Ascensión.
Toda esta iconografía tiene de fondo tres bandas de color azul, amarillo y negro. El azul es
símbolo de la bóveda celeste, el amarillo dorado es el color del sol y el negro es el símbolo de la
nada, de lo que no existe.

CONCLUSIÓN:
Estamos ante una de las obras más importantes no sólo del arte románico español
sino también europeo, fiel reflejo de la grandiosidad del arte románico.

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