Este documento presenta un resumen de 10 temas relacionados con la vanguardia artística y el color en las primeras décadas del siglo XX. Incluye una lista de colaboradores para cada tema y un análisis detallado del fauvismo, expresionismo y otros movimientos artísticos de la época que rechazaron la tradición académica en favor de la renovación a través del color y la expresión.

2. COLABORADORES DE LOS ESQUEMAS:
- TEMA 1.- FERNANDO FABIÁN SÁNCHEZ CORDERO
- TEMA 2.- LUZ LAPUERTA DIEGO
- TEMA 4.- ELIA RODRÍGUEZ MONTERO
- TEMA 5.- CARMINA MAGDALENO FLORENTÍN
- TEMA 6.- JOSÉ ELIZONDO GUTIÉRREZ
- TEMA 7.- FRANCISCA SASTRE AGUSTÍN
- TEMA 9.- JOSÉ ELIZONDO GUTIÉRREZ
- TEMA 8.- VANESSA CORCHADO CABALLERO
- TEMA 10.- JACINTO MERCADO PÉREZ

3. CAPÍTULO 1
LA VANGUARDIA Y EL COLOR
1.- INTRODUCCIÓN
 ULTIMAS DÉCADAS XIX PRIMERAS DEL XX
o Modernidad frente a tradición
o Renovación frente a academicismo
o Primer manifiesto futurista. 1909
 ¡Museos, cementerios!
 EL FUTURISMO
o Negación y desprecio por el pasado
o Valoración de
 Arte prehistórico
 Arte negro
 Oceanía, América prehispánica, esquimales
2.- LA NEGACIÓN DEL PASADO, EL MITO DE LO NUEVO
 VANGUARDIA
o Término militar y político
o Renovación. Cada obra ruptura con lo anterior
o Desprecio por las realizaciones del pasado
o Desarrollo principal entre 1900 y 1945
o Vigencia hasta 1980
o Numerosos grupos y movimientos
 Duración limitada
 Grupos minoritarios
o Ruptura con la unidad de estilo y principios académicos
o Rechazo a la tradición como modelo
o Ruptura con la noción de tiempo
o Rompe con amplios periodos de los estilos y corrientes
o Imposible hegemonía duradera
 Aceleración del tiempo artístico
 Cada tendencia breve, acelerada, sustituida por una nueva
 Fauvistas, expresionistas, cubistas, futuristas…
o Fenómeno no lineal, sino sincopado, complejo, dispar, contradictorio…
 Artistas experimentan en la misma línea o con nuevas formas
 Gris y Braque con el Cubismo
 Matisse tras dejar el Fauvismo
 Picasso tras dejar el Cubismo
 Kandinsky y Mondrian con la pintura abstracta
 Actividad más amplia que la vigencia de cada corriente
3.- ACADEMICISMO Y KITSCH
 LA MODERNIDAD MODERADA
o El arte del siglo XX no lo forma, exclusivamente, la Vanguardia
o Experiencias al margen de la vanguardia, aunque contaminadas por ella
 Ruptura con la tradición sin planteamientos radicales

4. o MARC CHAGALL (1887-1985)
 Llega a París en 1910. Contacto con vanguardia
 Figuración libre, onírica y fantástica
 Al margen de la lógica
 Sin contactos con la tradición. Independiente de la Vanguardia
 La casa que arde (1913)
o AMADEO MODIGLIANI (1884-1920)
 En París en 1906. Momento álgido de la Vanguardia
 Retratos y desnudos
 Sugerencia rostros de la escultura negra
 Sin planteamientos radicales de la Vanguardia
o Desarrollo atemperado y moderado
 EL CASO ESPAÑOL
 Diversos artistas se enfrentan al academicismo
 Movimientos, tendencias y actitudes individuales
 EL ART DÉCO (en su época Estilo Moderno)
 Sucedáneo de las vanguardias
 Alcanza mayor difusión que éstas
 Movimiento que afecta todas las artes
 Pintura, escultura, cine, fotografía, moda…
 Iconos
o Greta Garbo, Dietrich, Valentino…
 Diseños de Pierre Bonet
 Movimiento aséptico ideológica y políticamente
 Fuentes comunes Clasicismo y Cubismo
 Nacionalsocialismo y fascismo
 Planteamientos idénticos al Racionalismo Arquitectónico
 PERSISTENCIA DEL ACADEMICISMO
 Resiste ataques a los que le somete las Vanguardias
 Apoyado por enseñanza oficial arte y lenguaje oficial Estados
 Soviético, nacionalsocialismo, fascismo, franquismo
 Público al que vanguardias le parecía destrucción del arte
 Ensimismado en intemporalidad y permanencia
CHAGALL. La casa que arde.
1913
MODIGLIANI. Retrato de Jacques Lipchitz y
su esposa. 1916

5.  KITSCH
 Ni renovación ni conservadurismo
 No responde a ningún sistema plástico
 Imaginería blanda, sensiblonería cursi y edulcorada
 No son arte, sino objetos con apariencia artística
 Pretende dar belleza a los objetos desde la incongruencia
 La imitación y el juego con imágenes conocidas
 La Gioconda
 Estampas de carácter religioso
 Taza de café con una esvástica
o Kitsch o academicismo: el tiempo, elemento al margen de la Historia
o Vanguardias: El tiempo es su condición sine qua non
4.- UN NUEVO ESPACIO FIGURATIVO: FAUVISMO Y EXPRESIONISMO
 Aparece la Abstracción en 1910
 Ensayos giran alrededor de nuevas formas de representación
 Ruptura con imagen tridimensional desde una visión monofocal
 Matisse. Combinación de imágenes de figuras y planos de color
 De la representación a la expresión
o Nueva forma de representar
o El valor del color, la expresión o la velocidad (futuristas)
 Fauvismo y expresionistas de Die Brücke.
o El color y la expresión
o Fauvismo
 Exaltación límite del color
 El juego y las combinaciones cromáticas
 Mujer con sombrero (1909). Matisse
 Tendencia plástica
 Sólo se desarrolla en la pintura
o Expresionismo
 Expresar por encima de representar
 Punto de vista único: el ojo del pintor
 Se plasma el estado de ánimo del artista
 Mujer semidesnuda con sombrero. Kirchner
 Una actitud ante la vida
 Desarrollo en pintura, literatura, arquitectura, cine…
o Picasso y Braque
 Ruptura con el sistema de representación
 Se aproximan a la abstracción, sin abandonar la figuración
5.- LA SATURACIÓN DEL COLOR: EL FAUVISMO
 En común con impresionismo y postimpresionismo:
o Exaltación del color frente a la forma y el dibujo académico
o La pintura reemplaza, incluso, a la representación

6. o Acciones individuales unidas por estos ideales comunes
 Salón de Otoño. Origen del nombre
o Torso de un chico. Albert Marquet
o Donatello entre fieras (Donatello chez les fauves)
 PRIMER GRUPO
o Matisse, Marquet, Manguin, Camión y Rouault. Estudio de Moreau
 SEGUNDO GRUPO
o Escuela de Chateau. Derain y Vlaminck
 TERCER GRUPO
o Escuela del Havre. Emile-Othon Friesz, Raoult Dufy y Georges Braque
 MATISSE, DERAIN Y VLAMINCK
El retrato
 André Derain (1905). Matisse
 El retrato de Vlaminck (1905). Derain
 La línea verde. Retrato de Mme. Matisse (1905). Matisse
o Preocupación por la expresividad del color y la pasta pictórica
o Superficie fragmentada en planos encontrados y contrapuestos de color
o Suma de fragmentos que desplazan la representación de lo real
o La sensación que produce la realidad en la mente del pintor
o
o El Paisaje
 Paisaje de Collioure (1905). Matisse
 Montañas de Collioure (1905). Derain
 El circo (1906) Vlaminck
o Fragmentación más evidente y radical
o Valor de lo inacabado, protagonista el color
o Distanciamiento del modelado a través de la luz y la sombra

7.  Desarticulación del objeto representado
 Nueva concepción de la imagen pictórica
 DUFY, VAN DONGEN, BRAQUE, ROUAULT
 Casas viejas de Honfleur (1906). Dufy
 Modjesko, soprano (1908). Van Dongen
 Técnica más moderada que los tres anteriores
 Braque. Recuperación de la forma antes de su paso al cubismo
 Rouault. Acentua componente expresivo
 Sentimiento místico
 Correspondencia entre ética y pintura
6.- MATISSE, EL COLOR Y LA SENSACIÓN
 Había llevado los principios fauvistas a una situación límite
 Le Luxe I (1906). Ruptura tajante con su obra anterior
 Las Bañistas. Tema clásico
 La vanguardia puede ser clásica y lo clásico puede ser vanguardia
 Recupera la forma en equilibrio con la exaltación cromática
o La danza (1909)
o Bodegón con la danza (1909)
 Espacio casi plano
 Lo conceptual impera sobre la captación inmediata de lo real
 Ordenación del color y la expresividad
 La pasión circunscrita al orden
 Publicación de La Grande Revue (1908)
o La expresividad reside en la pasión a punto de estallar en un rostro o
o En un movimiento violento
o La composición es el arte de combinar los elementos
o Cada parte será visible, ocupando el papel que le corresponda
o Lo que no tiene utilidad es nocivo
BRAQUE. PUERTO DE
AMBERES
ROUAULT. CALVARIO

8. o Armonía de conjunto
o Un detalle superfluo no debe ocupar el lugar de otro detalle esencial
o Representar la idea de acumulación de sensaciones a través del color
o Efectos sugerentes a través del color, de sus parentescos o contrastes
 Mesa servida (1908)
 Mesa y pared mismo color, rojo. Misma ornamentación
 Los componentes se confunden
 Días después del manifiesto de Matisse, Marinetti lanza el
o Primer manifiesto del futurismo
 Radical contraposición de La Grande… de Matisse
 El mito de la violencia y la velocidad
 Negación sacrílega de toda mirada al pasado
7.- EL COLOR Y LA FORMA: EL EXPRESIONISMO
 Aparece en Alemania
 Igual que el Fauvismo, se basa en la exaltación del color
 Difiere de éste, tanto formal como ideológicamente
 Tendencia que no es solamente plástica, también ética e ideológica
 Una actitud ante la vida, visión del mundo, proyección del estado de ánimo
 Proyección en literatura, música, teatro, arquitectura, cine, etc.
 Integración de diversas artes: pintura y música, pintura y poesía, etc.
 Influencias de Van Gogh y Gauguin
 Versiones procedencia del término Expresionismo
 Frente al hedonismo y esteticismo fauvista, visión angustiada e insegura
 Proyección estado de ánimo, inseguro, tenso, propio de una sociedad en crisis
 La pintura para expresar angustia, aspecto nuevo en la vanguardia
 Expresionismo de Tintoretto y el Greco.
 Goya. Pinturas negras. Difiere al ser una actitud individual y no de grupo
 Precedentes de la expresión en Alemania: Matias Grünewald
8.- EL GRUPO DIE BRÜCKE
 Incorporan a Alemania al mundo de las vanguardias
 Entre 1905 y 1913. Alumnos Escuela Técnica Superior de Dresde

9.  Alcanzó desarrollo en otras ciudades como Leipzig o Berlín
 Expresionismo: Alteración de figuras y objetos en función de la expresión
 No buscan la representación precisa
 A través del color, la deformación y la escenografía atormentada e inquietante, buscan provocar un
estado de ánimo desasosegado, inseguro e incierto
 Comunidad al estilo de los nazarenos o los nabis
 Forma común de entender la vida
 Sus motivos
o Desnudos con gran carga erótica
o Calles pobladas de transeúntes
o Bailarinas y artistas de circo
o El pintor y la modelo
 Concepción individual subjetiva dificulta concretar los rasgos comunes
 Inquietudes comunes, preferencias diversas
 Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad) fue otro grupo expresionista
 Modelos y formas de expresión olvidados
o Maestros medievales
o Escultura negra
o Arte africano y de Oceanía
 Conectar con la historia no manipulada por la lógica ni el academicismo
 ERNEST LUDWIG KIRCHNER (1880-1938)
o El expresionismo a sus últimas consecuencias. Fue el más activo
 Marcela (1910)
 Aplicación del color de forma arbitraria para subrayar efectos expresivos
 Figura concebida como amasijo de miembros con cierto orden
 Espacio creado por líneas y planos de color que aumentan la sensación de
soledad del personaje
 Cinco mujeres en la calle (1913)
 Expresión de la soledad contemporánea
 La apariencia de alegría es sólo una máscara de soledad
 Trazos y formas angulosas expresan la angustia del pintor
 Mirada crítica a la sociedad de su tiempo
 El artista y la modelo (1911)
 ERICH HECKEL (1883-1970)
o Inicios fauvistas
o Proyecta una angustia íntima

10.  Desnudo en un sofá (1909)
o Grabados en madera
 Se acentúan los efectos expresivos
 Árboles florecidos (1906)
 Hombre en una llanura (1917)
o La impotencia humana ante la desolación
 KARL SCHIMIDT-ROTTLUFF (1884-1976)
o Pintura a base de color y pasta pictórica (conexión con fauvismo)
o Densa, pesada y agobiante
o Inquietud, efecto de inestabilidad y emoción
o La naturaleza, realidad inerte, intensa, angustiada
 Paisaje noruego (1911)
o Cambia a una pintura de planos de color y formas angulosas
 Mujer descansando (1912)
 OTTO MUELLER (1984-1930)
o Formas esquemáticas, angulosas y sintéticas
 Dos chicas en la hierba (1922)
 FRITZ BLEYL
o Expresividad silenciosa y emoción intensa y atemperada
 OTROS EXPRESIONISTAS
 EMIL NOLDE (1867-1956)
o Gran afinidad con Die Brüke
o Carácter independiente
o Expresión de figuras a límites del esperpento
o Deformación de cuerpos y rostros, imágenes irreales
 Gente del mercado (1908)
o Mancha de color elemento esencial
o El trazo de la materia se convierte en protagonista de las expresión
o Imágenes mentales y fantasmagóricas, incluso religiosas
 La Natividad (1912)
 EDVARD MUNCH (1863-1944)
o El Grito (1895)
 De las primeras obras que impera el expresionismo

11.  Cargada de angustia desoladora e inquietante
o Está en Alemania entre 1905-1909
o Idea de soledad, desolación y aislamiento constantes de su pintura
 Cuatro muchachas en el puente (1905)
 Pubertad (1895)
 JAMES ENSOR (1860-1949)
o Precursor del expresionismo
o Tema frecuente mascaras extraordinaria expresividad
 OSKAR KOKOSCHA (1886-1980)
o Pintor de paisajes y retratos
 Disección del interior de la psicología del personaje
 Herwarth Walden (1910)
 Martha Hirsch (1909)
 CHAIM SOUTINE (1893-1943)
o Pintura desgarrada y deformada
o Caricaturización lleva a los seres a estado de descomposición
 Mujer de Rojo (1922)
Realizado por FERNANDO FABIÁN SÁNCHEZ CORDERO.

12. Cezanne
TEMA 2. EL CUADRO Y LA REPRESENTACIÓN: EL CUBISMO
Es una experiencia nueva que desborda los planteamientos clásicos de representación, de los que
cuestiona su valor y su vigencia.
Se desarrolla fundamentalmente entre 1.907 – 1.914 y es consecuencia de una experimentación
lenta y minuciosa de Picasso y Braque, a los que se unen posteriormente Lèger y Juan Gris. Se
establece desde la intuición y fue el movimiento más renovador de su tiempo.
El precursor más importante es Cézanne.
1. Introducción
Características
principales  Se rompe la visión de la representación monofocal.
 Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético, con una
nueva relación entre el espectador y la obra de arte, ya
que este debe reconstruirla en su mente.
 Los objetos son vistos desde diferentes puntos de vista:
perspectiva múltiple.
 Desaparecen las gradaciones de luz y sombra.
 Las formas geométricas invaden las composiciones,
traduciéndose las formas de la naturaleza en
simplificaciones: cubos, cilindros, esferas…
 No cruzan el umbral del abstracto, permanecen en la
figuración.
 Los temas principales son los retratos y las naturalezas
muertas.

13. Picasso nace en Málaga en 1.881, y vive en Barcelona y posteriormente
en París, donde realiza su formación y decide vivir.
En su primera época se distinguen estas dos etapas, en las que hay una
preocupación por el color.
a) Azul: (1901 – 1904)
- Junto al color, integra el valor de la forma y el dibujo, con un
componente de clasicismo estilizado.
- Hay un sentimiento pesimista y melancólico de la existencia.
- Obras:
 Maternidad: 1901 (2)
 Mujer acurrucada: 1902
 La vida: 1903 (4)
 Madre con niño enfermo: 1904 (3)
b) Rosa: (1904 – 1906)
- Se justifica el cambio de color por el cambio de temática, que pasa
a ser mayoritariamente el circo.
- Obras:
 La familia de acróbatas: 1905
 Arlequín sentado: 1905 (5)
 Mujer en camisa: 1905 (1)
1 2 3
4 5
2. Picasso azul. Picasso rosa

14.  Siente una fuerte inclinación por el arte negro e ibérico, y hace una
interpretación del arte de las culturas primitivas. También se interesa
por la escultura egipcia y gótica.
 Manifiesta una reducción de la intensidad del color y una radical
simplificación de las formas y los volúmenes.
 Obras:
 Retrato de Gertrude Stein: 1906
 Autorretrato con paleta: 1906 (7)
 Mujeres desnudas abrazadas: 1906
 Les demoiselles d’Avignon: 1906 -1907 (6)
Este cuadro marca el inicio del cubismo. Supone una ruptura consciente y coherente
con el sistema de representación tradicional, a la vez que una recuperación de la
forma.
Es una composición en torno al desnudo, con influencias iberas, egipcias y primitivas.
Introduce la simultaneidad de la visión.
6 7
3. Picasso negro

15. - Redescubrimiento de Cézanne y el valor de la forma en detrimento del color.
- La forma, el orden y la geometría se convierten en el nuevo fundamento de la
pintura, eliminando el valor supremo del color.
- Hay una “arquitectura de paisaje”, que presenta los 3 componentes decisivos
del cubismo:
 Reducción del color.
 Primacía de la forma
 Abandono del sistema de perspectiva monofocal.
- Se plantea un nuevo lenguaje plástico: EL CUBISMO
PICASSO
Obras:
 Frutas y copas: 1908
 Paisaje de Horta d’Ebre, Fábrica, Mujer sentada: 1909 (9)
 Mujer con mandolina, Retrato de Ambroise Vollard, Retrato de Daniel –
Henry Kahweiler: 1910
 El acordeonista: 1911 (aquí se acentúa el grado de abstracción que aparece en
las obras de 1910).
 Naturaleza muerta con silla de paja: 1912, que constituye el primer collage.
(10)
 Violín y frutero: 1913
 Mujer con guitarra, El jugador de cartas: 1914
En un momento determinado se plantea el abandono del cubismo y la necesidad de
un cambio radical en su pintura. Hay un retorno al orden con recuperación de formas
y modelos clásicos.
 Dos mujeres desnudas: 1920
 Mujer y niño: 1922
 Arlequín: 1923
BRAQUE
En los primeros años utiliza una trama discontinua de líneas y pinceladas que
parecen aplanar el objeto contra el lienzo. También abunda en las composiciones en
forma oval.
 Violín y vasija, Violín y paleta: 1910
 Hombre con violín: 1911
 Composición del as de trébol: 1913 (8)
4. Picasso y Braque: la forma y la representación

16. 8 9
El portugués. Braque
10
En las obras de los dos pintores se puede apreciar:
 Hay una visión de la realidad captada desde múltiples puntos de vista.
 Hasta 1912 el problema del color es secundario y utilizan una paleta reducida.
 Distanciamiento de la naturaleza identificable y alejándose de su apariencia,
proceso que camina hacia la abstracción, aunque ambos son de decidida voluntad
figurativa.
 Introducen nuevos componentes en la pintura (“fragmentos de realidad”), objetos
que se integran en el cuadro y confirman su condición de obra figurativa:
COLLAGES.
Collages:
- Se incorporan objetos planos de la realidad, que se descontextualizan y alteran su
función.
- Se introduce en la pintura el objeto representado, lo que proporciona la referencia
de una realidad concreta.
- Con frecuencia son letras, números, fragmentos o títulos de periódicos.

17.  Intenta estructurar y sistematizar el cubismo, ya que considera el orden
fundamental en el cuadro.
 Tiene una concepción de la imagen legible e identificable, y quiere devolver a la
pintura su condición académica, por lo que intenta la creación de un lenguaje que
se convierta en el Estilo Moderno.
 Manifiesta preocupación por la disparidad de la pintura moderna.
 Tiene una gama más rica de colores.
 Obras:
 El fumador: 1913 (11)
 Guitarra delante del mar: 1925 (12)
11 J. Gris
The man in the cafe
12
5. Juan Gris y el orden de la pintura. (1887 – 1927)

18. El Cubismo, que comienza como una marcha en solitario de Picasso y Braque, se convierte en un
movimiento con un número importante de seguidores, entre los que se encuentran: Metzinger,
Gleices, Laurencin, Lèger, Picabia, Duchamp, Delaunay, Duchamp-Villon.
6. El Cubismo de experiencia a lenguaje.
- Metzinger: escribe el primer escrito teórico, y realiza una geometrización rítmica.
- Delaunay: lleva el cubismo a los límites de la abstracción.
 La serie de la Torre Eiffel: a partir de 1910 (13)
- Duchamp: inquietudes futuristas del movimiento.
 Desnudo bajando una escalera nº 2: 1912 (14)
- F. Lèger: el cubismo es su punto de partida, aunque permanecen los volúmenes con
un cierto sentido naif. Destaca la belleza de los objetos mecánicos.
 Contraste de formas: 1913
 La partida de naipes: 1917
 El almuerzo: 1921 (15)
 Mujeres en un interior: 1922
13 14 15

19. Otto Wagner (1.841 – 1.918)
Es el máximo exponente de la Sezession y pionero del movimiento moderno. En sus obras se
aprecia una intensa depuración formal y decorativa, vinculada a los elementos industrializados.
 Plantean una acción rebelde y escandalosa con una fe ciega en el progreso, la técnica
y la velocidad, lo que se traduce en un arte dinámico, veloz, de captación y
exaltación febril del movimiento y de la acción, con un cierto amor a la violencia.
 Es la primera tendencia de vanguardia italiana, que aparece en un marco de arraigado
conservadurismo artístico.
 Sus proclamas son precursoras del fascismo, ya que no es solamente un movimiento
plástico, sino también político, ético y social. Marinetti publica en 1909 el Primer
Manifiesto Futurista.
 Interrumpe con gran fuerza, escándalo, proclamaciones ostentosas y provocadoras,
con una intensa actividad de propaganda que traspasa los usos artísticos habituales.
 Se produce la identificación de la vanguardia artística y política, junto a una repulsa
de la tradición y un odio político al pasado.
 En la parte plástica, la representación de los distintos estados de la figura en
movimiento.
 Los representantes más importantes de este movimiento:
- Carlo Carra: Jinete rojo, 1913, con simultaneidad de visiones. (16)
- Giacomo Balla: Dinamismo de un perro con correa, 1912.
- Gino Severini: Bailarina en azul, 1912.
- Humberto Boccioni.: Fuerzas en la calle, Estados de la mente II, 1911.
16
Boccioni. El ciclista
G. Balla. Lampada ad arco
7. El Futurismo italiano: la rebeldía de lo veloz.

20. 8. Figura y espacio de la escultura.
Sigue una trayectoria independiente, interrelaciona con el cubismo y l a renovación se produce por
acciones individuales y experiencias en solitario.
Aportaciones innovadoras realizan Duchamp-Villon con “El ocaballo” en 1914, Laurens o Lipchitz.
C. BRANCUSI: 1876 – 1957
Es el gran renovador. Simplifica y reduce las formas, mostrando una atracción por la
escultura negra.
Tratamiento de la superficie con lisura extrema.
Obras:
 Musa dormida: 1910 (17)
 La Maiasta: 1912
 Comienzo del mundo: 1924
H. BOCCIONI
Representante del futurismo y de la figura en movimiento.
Obras:
 Desenvolvimiento de una botella en el espacio: 1912
 Línea única de la continuidad en el espacio: 1913 (18)
P. GARGALLO: 1881 – 1935
Experimenta con el metal: Greta Garbo, 1930. El profeta: 1933
J. GONZÁLEZ: 1876 – 1942
Nuevas técnicas y materiales: hierro, soldaduras autógenas, piezas unidas y articuladas.
Obras:
 Hombre cacto: 1933
 La Montserrat: 1936
17 18
J. González. Montserrat gritando

21. BIBLIOGRAFÍA:
El Arte Del Siglo XX. Mª Dolores Antigüedad et alts. Editorial Ramón Areces.
ESQUEMA REALIZADO POR: Luz Lapuerta Diego. Centro Asociado Talavera de La Reina.
FOTOS: http://www. De distintas páginas.es
Der Blaue Reiter, integra en Munich las fuerzas artísticas renovadoras, con heterogeneidad
de tendencias y planteamientos.
Surge en enero de 1909 con artistas como Jaulenski, Kandinsky, Kubin, Werefkin o
Münter, a los que se une F. Marc en 1911.
En 1911 realizan la primera exposición, y en la del año siguiente, 1912, se une Die Brücke.
En los años 1911 – 12 realizan la edición de un almanaque dirigido por Kandinsky y Marc,
en el que también participan Macke, Klee, Münter o Kubin.
Kandinsky: es el principal teórico del movimiento.
F. Marc: expresionista, intenso colorido, dibujo y composiciones esquemáticas, aunque
posteriormente evoluciona a la abstracción.
Macke: sintetiza el color de los fauvistas y expresionistas y realiza una construcción de la
forma derivada de Cézanne.
La duración de Der Blaue Reiter fue corta, quedando disuelto en 1914, con el inicio de la
Primera Guerra Mundial.
R. Marc Kandinsky
9. La unidad de la vanguardia: Der Blaue Reiter.

22. TEMA IV. ABSTRACCIÓN Y FIGURACIÓN
2.- ABSTRACCIÓN Y FIGURACIÓN.
Pintura y escultura
abstracta son
aquellas que no
existe ningún
elemento que pueda
ser representación
o alusión figurativa
en la realidad.
No será abstracta
una obra que parte
de presupuestos
figurativos para
llegar a límites
abstractos.
 .Arte abstracto , ¿ podría ser la tendencia definidora del arte del
Siglo XX ( según algunos críticos )?.
 Abstracción. Primera década del siglo XX, por los distintos
movimientos de vanguardia.
 El cuadro se convierte en una imagen a perspectiva. Cubo
pictórico. Sustituido por el cuadro – objeto.
 Irrupción de un fenómeno que se ha desarrollado a través de
diversas tendencias.
 Abstracción es un fenómeno que surgió paralelamente al
desarrollo de la crítica formalista. .
 También han señalado que las formas abstractas han existido en el
arte con anterioridad.
 Formas decorativas =ornamento .
 Carecen de autonomía al ser incorporadas a otro objeto con una
función ornamental y no como formas válidas en si mismas.
 Arte Abstracto = Primeras realizaciones en 1910.
 Obras que representan analogías en la abstracción de Turner,
de Monet, aunque tampoco tienen que ver demasiado con ella.
1. INTRODUCCIÓN.
2011 se cumple un
siglo de la aparición de
la abstracción
 ARTISTAS ABSTRACTOS:
 Kandinsky, Kupka, Delaunay, Mondrian ( ámbito de la representación
con una primera etapa figurativa ).
 Kandinsky.Aportaciones del Fauvismo y Expresionismo.
 Kupka. Ilustraciones y pintura postimpresionista.
 Delaunay. Inclinación inicial por el Cubismo Predominio de la mancha
del color.
 Mondrian. Figurativa, Cubista, Cubismo abstracto.
 PRIMERAS OBRAS ABSTRACTAS:
 Inicios figurativos.
 Kandinsky con su exaltación del color en pinturas iniciales. Delaunay.
Mondrian obras de influencia postimpresionista como “ Molino al
sol “ , y otras como “ Naturaleza muerta de Jengibre “, y
“ Composición Oval “.
Kandinsky: “ Los ataques
que este arte ha tenido
que sufrir
constantemente ( ataques
a menudo rencorosos
son la mejor prueba de
su vitalidad y de su
importancia “.

23.  Paul Klee. 1879 – 1940. Figurativo y abstracto de forma simultánea. Preocupación teórica.
Pintura personal independiente de corrientes. Participa en exposiciones de Der Blaue Reiter
Se sitúaba ante el arte con la mentalidad de un primitivo desvinculado de los azares de la
historia del arte, del pensamiento y de la cultura. Acudir al arte para crear lo visible.
“ La Montaña dell gato “ pintura realizada por un niño o unos cuadros mágicos. “ Harmonía
en azul = naranja “
 Confusión entre los límites de la abstracción y de la figuración. Público que rechaza la abstracción.
 Títulos de obras, nombre para identificarlas y diferenciarlas.
 Los artistas abstractos rechazan la representación, expresión del mundo en que vive el artista.
 Ausencia de representación.
P. Mondrian Composición Oval

24. 3 KANDINSKY Y LOS INICIOS DE LA ABSTRACCIÓN. LA APORTACIÓN DE DELAUNAY Y
KUPKA.
ROBERT DELAUNAY ( 1885 – 1914 ).
 Se Inició en la pintura muy joven bajo la influencia de Gaugin. . Atracción por el color.
Cezanne. Cubismo a partir de 1908
 “ Tres pinturas de la Torre Eiffel “ , muestran un cubismo cromático y libre donde dará paso a
sus obras abstractas. A base de composiciones de discos de color “ Disco simultáneo “.
 Descomposición del objeto y de la pintura como expresión de simultaneidad.
 1911 y 1914descomposición de la luz.
 1908 y 1909 siente inquietudes muy distintas de la descomposición y representación simultánea
de los objetos. Estudió las teorías del físico Chevreul y preocuparse por el problema de la
descomposición de la luz y una nueva realidad.
KANDINSKY
 1910. Crea su primera acuarela abstracta, 1914 estalla la Primera Guerra Mundial. . Primer
ensayo de supresión de la representación.
 Suma de toques de pintura de carácter expresivo que sigue un proceso técnico inexistente.
 Su primer libro. “ De lo espiritual en el Arte “ , se publicó en 1911.
 Pintura de Kandinsky . Paso de la figuración a la abstracción siguió un proceso lógico
 Obras “ Boceto para Composición II “; “ Composición VII”; “ Con mancha roja”; “ Mancha
roja “. Abstracción como expresión de manchas, líneas y colores que responden a una “
necesidad interior “.
 Años 20, la pintura experimentó un cambio radical. Abstracción realizada a base de
combinaciones de forma geométricas. “ Composición VIII “ ( ordenación de expresividad
anterior ) ; “ Mensaje íntimo “; “ Punto y línea en el plano “ ( obra teórica de Kandinsky en
1926 ).
 Primera Acuerela Abstracta. Composición
VII

25.  KUPKA , FRANK ( 1871 – 1957 )
 Obras no figurativas como “ colocación en verticales “.
 Kupka estudió en Praga y en Viena trasladándose a París.
 Orienta a lograr un efecto lírico sin abandonar el orden que logra con la combinación geométrica de las
formas.
 Obras de gran complejidad plástica
4. PIET MONDRIAN Y EL NEOPLASTICISMO.
 Obra es en realidad una imagen arquitectónica de la pintura o una pintura arquitectónica.
 No llegó a realizar ni un solo plano.
 Pintura arquitectónica de Mondrian surge sin ningún fin de utilidad, plástica pura.
 Invetigación de las combinaciones.
 Juegos de la geometría llevados con paciencia y constancia.
 Academia de Amsterdam, pintura postimpresionista ( Van Gogh ), . Preocupación por el orden
de la geometría y combinación de líneas verticales y horizontales.
 Crea el Movimiento De Stijl donde ha publicado diversos artículos. Parte de un principio de
reducción de los componentes de la pintura, simplificación y presencia de líneas verticales y
horizontales.
 Practicar la pintura y experimentar de una forma constante. Cuadros formados del color. Los tonos
alteran la significación de un cuadro y un color.
 Composiciones profundamente meditadas.
 Elemento modulador y ordenador del espacio, de proporciones, de estructura y composición.
 “ Composición Azul “ 1917. Composición a base de rectángulos.
 “ Composición, trazos negros sobre fondo blanco “ estructura a base de líneas gruesas horizontales y
verticales. Abstracción neoplástica
 “ Composición rojo, amarillo, negro “. 1921
 Rectángulos, colores planos, armadura que lo ordena

26. 5. LA ABSTRACCIÓN RUSA.MALEVICT. EL CONSTRUCTIVISMO RUSO.
 Cauces estrictamente formales e independientes de problemas políticos e ideológicos.
 Rusia, tras la Revolución de Octubre. Abstracción se integró en movimientos ideológicos de la
Revolución.
 Revolución = Imponer orden social.
 Antes de la Revolución se produjo un arte de vanguardia de contactos que los artistas mantuvieron
con París.
 Arte de Vanguardia radical. Pero no fue así.
 1909 revolución. Michale Larionov ( 1881 – 1962 ). Proceso hacia el “ Rayonismo “ t tendencia
basada en el juego expresivo de líneas, síntesis del Cubismo, Orfismo y Futurismo. “ La Diana “ ; “
Composición rayonista, dominio del rojo “.
 KAZIMIR MALEVICHT ( 1878 – 1935 ).
 Experiencia Cubista.
 “Última Exposición futurista 0.10 “ treinta y nueve obras abstractas.
 Su abstracción llega a una esencialidad límite y extrema. En el cita do texto.
Cubismo al Suprematismo . Malevicht afirma que el Suprematismo es el redescubrimiento del arte puro.
 “ Cuadrado negro sobre un fondo blanco “ 1914 – 1915, demostración de carácter simplificador de
la geometría y de la pintura. Su arte tenía una cuarta dimensión.
 Inicio y definición de la abstracción geométrica. Mayoría de las realizaciones de los pintores que
iniciaban su camino a la abstracción. Principios iniciales.
 Contradicciones que arranacarán los constructivistas.
 Suprematistas = Malevicht. Nueva tendencia que haría su irrupción en 1921. “ “EL
CONSTRUCTIVISMO “ . Deriva de las realizaciones de VLADIMIR TATLIN 1885 – 1953 ). Intersección
de planos , objeto artístico tridimensional. .Desarrollo del Constructivismo, paralelismos entre Vanguardia
artística y vanguardia política. Nueva sociedad y nuevo orden político = Arte revolucionario, innovador, y
renovador en clara ruptura con las creaciones del pasado.
 “ Monumento a la II Internacional “ de Tatlin , maqueta se exhibió en Petrogrado y Moscú. 5
metros de altura pero su monumento real quería que superase a la Torre Eiffel. . Tecnología como referencia al
Progreso. Obras de ingienería. Hierro utiliza a través de una articulación construida de piezas. Rompe con las
técnicas del esculpido, modelado y escultura. Piezas implantadas en el espacio que no hay delante ni detrás,
formada por una conjunción de partes que no existe jerarquía. Infinitud de puntos de vista. La obra se
transforma y se hace independiente.

27.  ANTÓN PEVSNER ( 1888- 1962 ). NAUM GABO . Representantes más coherentes de esta
tendenc ia
 “ Manifiesto realista de 1920 “. Nueva idea del dinamismo en la obra de arte de acorde con la
época.
 Realizar una escultura integrada en el espacio urbano de la ciudad con el fin de integrarlo en la
vida. “ Construción. Superficie desarrollable. “.
 Este concepto de arte proponía unas posibilidades de actuación en el ámbito de la vida, de
introducir el arte en la existencia, de humanizar la mecanización y llegar a toda la sociedad
 Eliminando la masa, el volumen compacto de la escultura e introduciendo en e espacio objetos
construidos.
 Idea del movimiento marcó el ideal de los futuristas. Proyección en el espacio del objeto
escultórico y la rutura con el punto jerárquico preferente lo que creará una nueva relación dinámica
entre la escultura y el espacio.
 Norteamérica. ALEXANDER CALDER ( 1898 – 1976 ) creador de la escultura móvil o piezas
de esculturas con la posibilidad de movimiento real en el espacio.
 Escultura abierta en la que las imágenes espaciales de la pieza se multiplican con su movimiento y
los infinitos puntos de vista del espectador.
6. ARTE Y POLÍTICA: REALISMO Y COMPROMISO..
 Entusiasmo revolucionario por la vanguardia fue breve.
 Kandinsky y Pevsner, se desengañaron y marcharon de Rusia.
 Corriente Oficialista impuesta desde el Estado., difundir y reforar la ideología.
 “ Arte Oficial de la URSS “ hasta la desaparición del régimen comunista.
 Vanguardia = reproche = carácter hermético, condición estética y carente de contenidos
ideológicos.
 1932. Stalin. “ “ Decreto sobre la Reconstrucción de las organizaciones literarias y artísticas “.
Imposición.. Control político del Estado. . Asociaciones de artistas. Muchos eran contrarios a la
Vanguardia.
 La Vanguardia tenía un carácter contestario
 El arte debe de ser comprensible al pueblo, desarrollar ideas de la revolución y narrar hechos
históricos y su proyección en el mundo social.
 SERGI GERASIMOV, VLADIMIR SEROV integrados en esta corriente fueron portavoces de
este arte de Estado.
 REALISMO Matización . Relacionados con la política no se hace referencia a una tendencia
concreta, desarrollo comprometido con la política. Lenguaje e ideología. Carácter figurativo.
Narrativo. Literario. Son corrientes políticas, ideológicas, al servicio del poder.
 ALEMANIA. Régimen Nazi. Arte de Estado. ARTE HEROICO y controlar la producción
artística, persiguiendo el arte de vanguardia ( arte degenerado ).Temas propios del Realismo
social basada en la exaltación academicista de un costumbrismo trasnochado.
 Regímenes totalitarios , arte comprometido con la realidad concreta, comportamiento antimoderno.
BEN SHAN. Pintor norteamericano de origen Ruso. “ La partida de pelota de Mano “ crítica
social como la serie de “ guaches “

28.  MÉXICO.
 DIEGO RIVERA ( 1886 – 1957 ) fue el primer pintor que ejecutó , una pintura mural en
México de carácter social.
 Madrid. París.
 “ Creación “ en el Anfiteatro Bolivar de la Universidad. Pintura nacional de carácter autóctono
desentendida de las modas.
 Criterio revolucionario , Formas sencillas y simplificadas que parecen derivar de un
primitivismo indígena.
 JOSÉ CLEMETE OROZCO ( 1883- 1949 ) pintura mejicana. Muralista. Arte didáctico y
como lenguaje de la Revolución y como medio de explicarla. Seguía a ilustradores Mejicanos.
Mural utilizado como medio de comunicación.
 DAVID ALFARO ( 1896 – 1974 ) Concepción monumental y profundamente expresiva.
Realismo comporta el desarrollo del espíritu revolucionario planteado desde un lenguaje
conmovedor. “ Los Elementos “ su primer mural. 1922. Barroquismo exacerbado.
 EUROPA
 Repercusión de la realidad social y política del momento.
 Dadaísmo. Arte de acentúada crítica social.
 PINTORES DE LA NUEVA OBJETIVIDAD . surge en los años veinte, disolución por los
Nazis. OTTO DIX Y GEORG GROSZ . Representación distorsiona la imagen de lo real para
acentuar los contenidos críticos de la pintura. Gran Inquietud. Desasosiego. OTTO DIX :
Sylvia von Harden . Denuncia, el estado de una sociedad en crisis, inseguridad, angustia, duda.
GROSZ , artista comprometido contra las instancias del poder. Militares, banqueros,
burgueses, capitalistas y Clero son criticados. Crisis social y económica después de la Primera
Guerra Mundial. “ Los Pilares del País “1926. Acentúa los elementos expresivos hasta la
caricatura logrando expresividad ágil.
 PICASSO
 Renovación, vitalidad, versatilidad de su lenguaje.
 “ El Guernica “ ( Reina Sofía ) . Lenguaje expresivo. Un cuadro para el Pabellón de la
República española en la Exposición Internacional de París en 1937. El Gobierno le encargó a
Picasso un cuadro para el Pabellón. El tema le fue sugerido por el bombardeo de la aviación
alemana sobre Guernica. Picasso realizó dibujos preparatorios el 1 de mayo de ese año.
Reportaje fotográfico por Dora Maar. Cuadro de grandes dimensiones. Intencionada reducción
de colores a blanco, negro y gris. Interpretaciones. No introdujo el acontecimiento. Plasmó la
crítica de la muerte del inocente.
 Caballo agonizando. Madre con el niño que se halla a la izquierda ( “ piedad “ ), figura del
guerrero muerto del primer término. Edificio de la izquierda envuelto en llamas, derecha a
izquierda con una antorcha y arrastrándose. El toro de la izquierda aparece mirando al
espectador. Pintor narrador.
 En el pabellón aparecieron figuras de Miró, de Alberto Sánchez, de Calder, o Julio
Gónzalez compromiso de la República con la modernidad y de los artistas con la situación
dramática de la guerra Civil.

29. Diego Rivera. Los Yernos
J. C Orozco “ Los Zapatistas “.
D.A Siqueiros “ Eco de um grito “.
Picasso. “ El Guernica “.

30. BIBLIOGRAFÍA:
.- Serrano De Haro Soriano, Amparo ; Antigüedad, Mª Dolores ; Nieto, V ; EL ARTE DEL SIGLO
XX.METAMORFOSIS DEL ARTE
. MADRID (2010) Ed. Ramón Areces.
.- Argan, Giulio Carlo ; EL ARTE MODERNO: DEL LUMINISMO A LOS MOVIMIENTOS
CONTEMPORÁNEOS (2ª) EDICIONES AKAL, S.A
ESQUEMA REALIZADO POR: ELIA RODRÍGUEZ MONTERO Centro Asociado A CORUÑA
FOTOS: http://www.artehistoria.com
Google Imágenes.

31. Desnudo bajando una escalera
Rueda de bicicleta
TEMA 5. DADAÍSMO Y SURREALISMO: Una estética de contradicción.
 1.1 Introducción
 Dada, una doble afirmación que desemboca en negación.
 Nació en Zurich en 1915 en plena guerra mundial. En el Café Voltaire de la
mano del poeta Hugo Ball y su esposa, a quienes se unió el poeta Tristán
Tzará. Sus veladas se caracterizaron por su provocación y aunque hubo de
cerrar, el germen dada ya existía. Por su carácter nihilista y rupturista, se
llamaban antiartísticos. Los siete manifiestos dada fueron escritos por Tzará
y en ellos dejó claro que dada no significa nada.
 1.2 La rebelión de las palabras y de las obras
 Los artistas se sienten traicionados por las palabras “los bellos paisajes, los
bellos ideales” ante la pesadilla de la Guerra Mundial.
 Marcel Duchamp (1887-1968)
 Frente al rey blanco de la modernidad representado por Pablo Picasso, está
Duchamps como el rey negro. Frente al protagonismo del primero, él lanza
propuestas de distinto signo y cada artista sigue su camino. Sus principios
se inscriben en el Cubismo. La primera obra que le da más renombre:
Desnudo bajando la escalera, junta cubismo y Dada. El extraño aspecto
mecánico del maniquí que baja la escalera como análisis del movimiento o,
como burla del afán cubista por desmenuzar la vida en piezas. La
ambigüedad es en Duchamp un enigma siempre abierto. Sus “ready-made”
u objeto manufacturado que introduce en el terreno sagrado del arte con el
doble propósito de burlarse de esa tradición y reivindicar la belleza oculta de
esos objetos: Rueda de Bicicleta, Botellero, como máquinas estériles. La
burla grosera en la Gioconda con bigotes y el título LHOOQ. Su gran obra
“La novia puesta al desnudo por los solteros…” llamado el Gran Vidrio, dos
superficies de vidrio que representan a la novia de blanco en la parte
superior y a los solteros en la inferior con el deseo de desnudarla. En ella
reúne la temática sexual típica de los Surrealistas, con la iconografía
maquinista del Dadaísmo.
1. Dadaísmo o el camarote artístico de lo absurdo
 1.3 Invenciones dadaístas
 El Dadaísmo no es sólo Duchamp, sino muchas propuestas artísticas que desde Zurich se extienden por Europa:
Berlín, Colonia, Hannover, París, llegando a Nueva York.
“Invenciones dadaístas” más importantes y su repercusión.
Cabaret: Ball y Tzara sacuden la ordenada ciudad de Zurich con extrañas actuaciones teatrales, con poemas… es el
principio del teatro del absurdo, del happening. Según Ball lo que hacían era celebrar al mismo tiempo una
bufonada y un oficio de difuntos.
Manifiesto-visual: la expresión de las ideas Dada, se transmiten gráficamente mediante publicaciones literarias,
carteles, invitaciones. Ellos separan la forma y contenido de las palabras, prevaleciendo la intención visual no
sometida al texto. Así mezclan distintos tipos de letra y tamaños, escriben de derecha a izquierda, de abajo-arriba.
Aunque no se entendiese nada, el impacto visual atraía inmediatamente al público.
Ready-made: la intervención del artista es mínima. Lo difícil es el máximo cambio de significado con el mínimo de
intervención. Otros pueden ser verdaderos collages, puzzles que buscan sorprender sin excluir el humor.
Fotomontaje: Es la deconstrucción de la unidad estilística del cuadro o poema tradicional, mediante la inserción de
recortes de periódico y carteles en dibujos, pinturas o acuarelas. Grosz, Haussmann y Hoch, han destacado en los
fotomontajes cada uno en su estilo. La estrategia es mezclar elementos de la alta y baja cultura. Insertar objetos
cotidianos, prefabricados, al ámbito simbólico de la creación visual.
Rayogramas y schadografías: Surge de una antigua técnica usada por los botánicos del XIX, que consiste en
exponer al sol objetos sobre papel fotosensible. Ray y Schad realizaron interesantes obras experimentales, dándole el
nombre de sus apellidos. Schad, objetos pequeños de material textil traspuesto al papel; Ray, composición más
sofisticada tanto en la composición como en la graduación de luz, dominio técnico mayor.

32. Picabia.Parade Amoureuse.1917
Perro a la luz de la luna
Joan Miró
El enigma sin fin
1938 Salvador Dalí
Europa después de la lluvia.
1942. Marx Ernst
 2.1 Introducción: una herencia problemática
 La asociación Dadaísmo y Surrealismo es más contextual que estructural. Ambos están en contra del discurso
oficial clasista y nacionalista. Las creaciones de dadaístas y surrealistas, están destinadas a destruir las
convenciones culturales y sociales y por eso son piedra de escándalo. Pero, mientras los primeros denuncian y
ridiculizan, los surrealistas aspiran a crear un nuevo humanismo reconciliando los aspectos racionales e
irracionales del hombre por necesarios. Coinciden en la prevalencia de la idea frente a la forma. Y por último hay
una transferencia de integrantes dadaístas en el Surrealismo: Tzara, Breton, Max Ernst, Hans Arp, Duchamp,
Picabia, Ray… Ambos movimientos reafirmaron la importancia del azar, aunque para los surrealistas es una vía
mágica y mística que permite al inconsciente humano llegar a conseguir sus deseos.
 El Surrealismo fue visto como algo incómodo en las vanguardias, por el aspecto figurativo, el uso del
simbolismo de la muerte unido al componente sexual y el obsesivo tratamiento de la mujer como objeto.
 Fue la última de las vanguardias, el último producto europeo en las artes plásticas. Tras la Segunda Guerra
Mundial y el declive europeo lo arrinconan, aunque será el núcleo tanto de la Escuela (pictórica) de Nueva York
como del realismo mágico de la literatura hispano-americana.
 2.2 Características surrealistas
 Intenta enlazar psicoanálisis y comunismo, algo difícil de combinar. La figura de André Breton con su
Manifiesto Surrealista, intenta de forma autoritaria mantener el movimiento cohesionado. Se reprocha al
Surrealismo que no es posible unir lo inconsciente y la disciplina artística. Sus técnicas artísticas como la libre
asociación, el azar y la búsqueda de lo maravilloso, sugieren un artista más como técnico que como un creador.
 1.4 Dada y la imagen
 Artistas como Picabia, Duchamp o Max Ernst mediante violentas
asociaciones, crean paralelismos entre aparatos mecánicos y figuras
humanas, para señalar el aspecto maquinal del hombre que por seguir
las normas alienan su autonomía convirtiéndolo en títere de su propia
vida. También critican el optimismo técnico, ya que saca lo peor del
ser humano, destruye y mata en mayor número, algo patente en la
Primera Guerra Mundial.
 Experimentan con el arte abstracto. La obra de Hans Arp y Sophie
Tauber, ejemplo de un arte que busca sus raíces en la naturaleza pero
sin copiar sino captando su sentido espiritual. Es la sintonía creativa en
una pareja de artistas: riqueza de formas abstractas y utilización de
materiales inusuales que define su arte más puramente dadaísta de los
años 20.
2. SURREALISMO: LA PINTURA ENTRE EL AMOR Y LA MUERTE

33. Carnaval del Arlequín
2.3 Cronología: Evolución de la imagen surrealista
El surrealismo procede del dadaísmo, pero intenta transformar lo negativo de éste en algo
positivo. Se apoya en el inconsciente (psicoanálisis Freud) y en la revolución rusa. Pero ni Freud
quiso saber nada de ellos ni el espíritu crítico de los artistas casaba con el comunismo. Sin
embargo la estética surrealista como conjunto de diversos elementos artísticos, literarios y
sociales, funcionó.
Empezó como fenómeno poético que desemboca en la pintura, fotografía, cine. Surge como
oposición al cartesianismo, ya en crisis. Es la exaltación del arte como obra del inconsciente y,
que junto a subjetividad, individualismo y libertad, seran los pilares de la modernidad.
Hay tres momentos claves en su desarrollo.
1. En 1919 son experiencias que van desde la hipnosis a juegos sicológicos colectivos, es la
época de los sueños, influida por Giorgio de Chirico.
2. Marx Ernst se hace con el liderazgo, mediante el collage da vida a imágenes en que los
tópicos son asaltados por fantasmas de lo inapropiado, el deseo sexual y la razón dentro
de una poética de lo extraño y la sinrazón.
3. A partir de 1925 cambia tanto la obra de Ernst como la pintura surrealista. Dos
tendencias, el automatismo como un arte semi abstracto y otro que representa sueños y
visiones fantásticas. Las técnicas que se emplean son el grattage, frottage,
fumage,decocalcomanía, dando lugar al surrealismo abstracto: Ernst, Masson, Joan Miró.
La otra tendencia sería figurativa, basada en la representación de sueños, visiones: René
Magritte, Frida Kahlo, Paul Delvaux y Dalí. Será la tendencia más conocida y oscurecerá
el abstracto en los 30.
Surrealismo abstracto.
André Masson y el automatismo libre de la mano, para llegar a crear una imagen. Ha de ser
muy rápido para que la creación interior y lo que se hace se correspondan lo más fielmente
posible.
Joan Miró, se inicia en Barcelona, viaja a París, pintura figurativa, sentido del color
primario, amor por lo primitivo (paisaje mediterráneo), se alía con el simbolismo
surrealista: La masía, La mesa del guante. En 1925 evoluciona hacia un mundo inconsciente,
muy personal y mágico: El carnaval de Arlequín, El nacimiento del mundo. En las que se
hace alusión a un espacio abstracto e infinito con una serie de criaturas muy pequeñas, que
posteriormente sustituirá por menos figuras y más grandes. Un rasgo(mano, pie) por el todo
(hombre) junto con otros elementos de significados más abiertos. El nacimiento del mundo le
franquea las puertas del grupo surrealista. Por lo sugerente de su obra era el favorito de los
poetas, especialmente de Louis Aragón

34.  De entre todos los artistas de la tendencia figurativa y de los sueños, nos centraremos en Dalí y Magritte.
René Magritte tiene en sus comienzos
una obra ligada a la ilustración popular:
carteles, anuncios, papeles pintados.
Su estilo es límpido y simplificador,
pero proponiendo interrogantes.
Su surrealismo es intelectual: el sentido
del lenguaje de la palabra y el de la
imagen: “Esto no es una pipa” dice
debajo de un dibujo de una pipa. Quiere
decir que no es una pipa sino la imagen
de una pipa. O de la idea de pipa y la
realidad de una verdadera pipa.
En su obra está presente el trayecto entre
la representación de las cosas y su
realidad.
En “La violación” un rostro de mujer es
reemplazado por su cuerpo desnudo: une
cuerpo y rostro en una imagen que es de
ambos y de ninguno al mismo tiempo.
Alude quizá a la consideración de la
mujer como objeto sexual sin ver su
riqueza como persona.
 La obra surrealista de Dalí empieza en los años 30,
cuando se integra en el grupo surrealista y conoce a
Gala Eluard convertida después en su musa y
compañera.
 Dalí propone su propio método asociativo: la paranoia.
Es la visión de alguien cuya obsesión es la perspectiva
desde la que se construye su obra.
 Logra una obra simbólica que juega con el doble
sentido, doble imagen, trampantojo, amor y muerte,
paisaje y objetos, la belleza de siempre y el asco.
También la yuxtaposición de su formas blandas
(decadencia, muerte) junto a lo rígido de acantilados,
estatuas, piedras, esqueletos, que aluden a lo eterno.
 En este sistema daliniano se enmarcan “el hombre
invisible” o “el enigma de Hitler” con imágenes dobles
o fragmentadas que se construyen (anamorfosis) frente
a la mirada del espectador.
 Breton lo expulsa del grupo surrealista en 1934 por su
postura política conservadora y su afán de
protagonismo.
 En Nueva York evoluciona, se centra en la construcción
de su propio personaje por encima de la obra. Se
convierte en una marca registrada.
 A partir de los 50 se instala en España y con su loa al
franquismo, ofrece un arte tradicional y una vida
extravagante.

35. El elefante de las Célebes. Marx Ernst
Bodegón loro y frutas. Frida Kahlo
Remedios Varo,Creación de los pájaros
Bibliografía: ANTIGÜEDAD,MªDolores,NIETO,Victor y SERRANO DE HARO,Amparo,El arte del siglo
XX,EURamónAreces,Madrid,2011
Imágenes extraidas de Imágenes Google y Wikipedia
ESQUEMA REALIZADO POR: Carmina Magdaleno Florentín
CENTRO ASOCIADO DE ELCHE
2.4 Temas: Meditación en torno a un secreto
En torno al núcleo surrealista se mueven un
gran número de artistas, hombres y mujeres
de fuerte personalidad que adaptan el
Surrealismo a lo aquello que les interesa
desde un punto de vista personal.
Análisis de los distintos géneros.
 Autorretratos como animales.
 El recurso al simbolismo animal como referencia cultural que
ha pervivido en el tiempo en el arte visual. El Surrealismo hace
uso de este imaginario expresivo para dar cuenta de los
instintos primitivos del hombre. El artista puede así ahondar en
sus propios conflictos eludiendo la confesión directa (no en
Frida Kahlo).
 Señalar las preferencias de algunos artistas por determinados
animales. Leonora Carrington se identifica en el caballo
marcando semejanzas en la melena, deseo de libertad y la
nobleza del animal; Picasso en el Toro; gatos y pájaros en la
obra de Remedios Varo; Frida Kahlo se rodea de monos,
pájaros y perros; en Dalí y Miró la obsesión por los insectos en
el primero o de extraños signos de puntuación en el segundo.
En artistas mujeres aparece la figura de la esfinge, como
guardiana de su secreto, reflejando la situación de la mujer en
el Surrealismo que es a la vez musa y artista.
 Paisajes o espacios de ensoñación.
 Aunque las primeras obras de carácter surrealista serían las
calles vacías de De Chirico, para los surrealistas el paisaje es el
imaginario, resultado de frottage, fumage (Marx Ernst) El
ejemplo más notorio de abastracción y figuración entre sueño y
realidad es el de Ives Tanguy. Paisaje abierto también es el de
Kay Sage, el paisaje costero de Cadaqués que Dalí utiliza de
fondo en sus cuadros de los treinta, señalar los curiosos paisajes
sexuales de Ithell Colquhoun. El paisaje doméstico de Varo o
Carrington como laberinto y símbolo del alma.
 Para los fotógrafos surrealistas y los poetas (Breton) el paisaje
es la ciudad, donde el azar guía al caminante. Siguen esta senda
Man Ray, Henri Cartier Bresson , Dora Maar…
 Naturalezas muertas o el Bodegón surrealista
 Lo que los dadaístas habían tomado para ridiculizar es puesto
en valor desde el Surrealismo. Ya Freud había analizado el
valor simbólico de los objetos siempre en relación con la
represión y la sexualidad.
 En Desayuno con pieles de Meret Oppenheim se ve la tensión
entre lo cotidiano, la taza, y lo salvaje, la piel, para reflejar el
doble papel de las mujeres de entonces. En los numerosos
bodegones de frutas de Frida Kahlo se puede ver de forma
directa y exhuberante un canto a la vida, en sus colores,
sabores, placeres.
 También interesantes los bodegones dalinianos y su tensión
entre lo perecedero o blando y lo eterno o duro, que retoman un
tema típico del Barroco español, la vida y la muerte.

36. TEMA 6. LA ARQUITECTURA DESPUES DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL
1. Introducción
-Efectos en el desarrollo cultural y artístico de la segunda guerra mundial y como los marcos políticos
condicionan dicho desarrollo en los diferentes países.
-Proceso de cambio o trasvase cultural-geográfico (de Paris-Berlín a Nueva York-Chicago).
-En Europa las labores de reconstrucción determinan el modelo arquitectónico, rompiendo principio
atemporales modernos en aras de una funcionalidad y compromiso social.
-Adecuación del lenguaje arquitectónico a las nuevas situaciones (Fragmentación y disolución del CIAM,
figura de Le Corbusier…).
-El movimiento moderno se convierte en patrimonio cultural internacional y aparece el Estilo
Internacional con la exposición de N.Y de 1932, de clara simplificación y equilibrio volumétrico y
progresiva simetría. Rechazado por rigorista y carente de señas de identidad. Su homogeneidad genera
monotonía de barrios y ciudades construidas.
-se produce una academización del movimiento moderno (sus arquitectos) y un diferentes propuestas en
busca del éxito y la espectacularidad que los avances permiten.
-Texto de Marchán Fiz sobre la sensibilidad postmoderna en torno a la fragmentación y el eclecticismo
(fragmentos y simulacros en la reactualización del pasado).
2. La difusión del Estilo Internacional
-Búsqueda de un Estilo Internacional sustancial al arte moderno (Hitchcock, Philip Johnson, Lewis
Munford y el primer director de MOMA, Alfred Barr, exposición de 1932.
-Características de la Arquitectura Moderna en el libro “The International Style: Architecture since 1922”
de Hiitchcock y Johnson:
 Edificio aislado
 Volumen puro modulo como patrón configurador del conjunto
 Con estructura portante de acero-hormigón revestida de vidrio (a veces)
 Uso de muros-cortina como único ornamento
 No precisa de simetría sino de yuxtaposición de módulos
 Uso de techos planos
 Arquitectos Gropius, Le Corbusier, Van der Rohe vs Wright o Neutra (posturas funcionalistas
diferentes)
Ludwig Mies van der Rohe
Director del Illinois Institute of Technology, antes había erigido el pabellón de Alemania en la Expo de
Barcelona1929, verdadero manifiesto arquitectónico del Movimiento Moderno.
El pabellón era una síntesis de viviendas unifamiliares relacionadas por algunos con el Estilo de la
Pradera de Wright y se caracterizaba por una sucesión de spacios de acusada horizontalidad, cubierta
plana y planta abierta solo compartimentada por pilares y muros exentos, patio interior de mármol
travertino y cristal (mobiliario-“sillón Barcelona”)

37. Richard Neutra
Arquitecto austriaco formado con Adolf Loos, cuya obra la casa Kaufmann nos muestra una construcción
adaptada a un medio desértico. Frente al rigorismo de Mies su criterio es el de atender al bienestar de los
propietarios y asegurar las mejores condiciones bioclimáticas; configura una nueva clase de “casa de la
pradera” en el uso de plantas libres, módulos yuxtapuestos y grandes ventanales, de cuidadoso tratamiento
técnico. Neutra busca la comodidad de los habitantes para una vida mas saludable.
Mies van der Rohe y su experiencia en Chicago con un uso casi preciosista de los materiales ofrecidos
por la industria y sus constructores. Sustituye los soportes de sección cruciforme por las vigas de doble T.
También los rascacielos de cristal con estructura reticulada cubierta con muros cortina. Ejs;
 Apartamentos Lake Shor Drive de Chicago (1948-51); dos bloques contiguos sobre solar de diseño
asimétrico con distribución simétrica de viviendas sobre planta cuadrada y con fachadas de malla
reticular.
 Edificios del campus IIT; reflejó estructura portante en las fachadas con edificio central (Crown
Hall) de planteamiento monumental y clásico-Schinkel pero bajo ppios del Movimiento moderno
 Edificio Seagram de N.Y de estructura de hacer que permite dejar varias plantas diáfanas y
cerradas al exterior con piezas de cobre pavonado que ocultan la estructura, mármol pulido y
cristales rosados. Renuncia a ocupar toda la parcela dejando espacio para contemplar la técnica
moderna del edificio
 Elementos cemento, hierro y cristal, nuevo clasicismo para la ciudad.
Frank Lloyd Wright
Mantiene su particular estilo y concepto utópico de lo urbano, frente a los bloques en altura de Le
Corbusier, en su Broadacre City de su libro “The Disappearing” 1932. Se ve como utiliza elementos del
estilo internacional (hormigón armado y cubiertas planas) pero adecuadas a la tradición americana con
importancia de la diferenciación funcional y el transporte (utopia antiurbana). Otros ejemplos son sus
oficinas para Johnson en Racine o el diseño helicoidal del Guggenheim para N.Y
Louis I. Kahn
Profesor de Yale y Pensilvania experimenta una metodología arquitectónica al contrario que Mies, dando
a los materiales unas calidades específicas que convierten los centros de trabajo en construcciones
atemporales y monumentales, mostrando un juego de volúmenes prismáticos, composiciones asimétricas y
techos de hormigón para lograr un expresionismo ausente en el Mov. Moderno. (Coexistencia de motivos

38. antiguos y modernos). En el Capitolio de Dhaka en Bangladesh muestra su ruptura con el E.I por la
espectacularidad del diseño y el empleo rotundo de materiales.
3. La aportación Nórdica
Se mantienen ciertas traiciones existentes. En Escandinavia se produjo según Renato Fusco la primera
reacción al código del Racionalismo.
Eric Gunnar Asplund (1885-1940)
Máximo representante de la arquitectura moderna escandinava, en la que evoluciona hacia el
modernismo sin olvidar la tradición clasicista dando lugar a un estilo propiamente nórdico de
características:
 Volúmenes depurados y notorio esquematismo que definirá el diseño escandinavo
 (Biblioteca Municipal de Estocolmo) en la que recupera el geometrismo de los visionarios del
s.XVIII, al insertar el cilindro, la sala de lectura, en un prisma, una combinación de formas puras
con ricos materiales y cuidado de detalles dando una gran monumentalidad y sobriedad decorativa
 Ampliación del ayuntamiento de Goteborg en la que muestra su capacidad e influir en
monumentos antiguos conciliando tradición y modernidad
Arne Jacobsen (1902-1971)
 Con el Dinamarca se incorpora al movimiento moderno con su torre de reloj muestra una
esquematización de los modelos tradicionales pero con la ambición de formar parte del paisaje
circundante .
 Sus famosas sillas Ant o Swan mantenido una enorme difusión como símbolos del diseño sueco
 Otros ejemplos e influencia de Mies los vemos en SAS Hotel Roya de Copenhague (como el
Seagram de N.Y).
Hugo Alvar Aalto (1898-1976)
 Mas genuino representante en los CIAM aporta una visión orgánica de la arquitectura que tiene en
cuenta los territorios donde se emplazan las obras-edificios
 Su arquitectura es para ser habitada, ensalzándose los rasgos vernáculos como la madera
(sanatorio de tuberculosos de Paimio) siempre con el lenguaje del movimiento moderno según las
necesidades de cada espacio. Se ha convertido en modelo para tipologías sanitarias
 Interés por hacer mas acogedores los espacios, aislándolos con diferentes materiales
 Necesidad de humanizar y responder a las necesidades del individuo mediante la creación y
combinación de distintos objetos técnicos.
 Ayuntamiento de Saynatsalo (1949-52) tras separarse del racionalismo y deseo de ordenar los
espacios con apariencia heterogénea (uso del ladrillo), forma de U
 Inserción en la naturaleza e importancia del mobiliario diseñado por él y su esposa de diseños
ergonómicos y objetos de uso cotidiano (MOMA 1939 Exposición)
4. la lección de Le Corbusier
Único que permanece en una Europa marcada por la postguerra. Los ideales de modernidad quedan
supeditados a la reconstrucción y en Francia se intenta evitar la saturación de Paris mediante una política
urbanística de nuevas ciudades “Villes nouvelles”.
Sospechoso de colaboracionismo ve como sus propuestas de poner en marcha sus antiguas teorías sufren
de cierto aislacionismo, sin embargo se le encarga proyectos de reconstrucción de lugares bombardeados

39. donde deja de manifiesto su sentido de la monumentalidad en los enclaves urbanos puesto a debate en los
CIAM.
El reto aparece en el encargo de la construcción de “Unité d´Habitación en Marsella”:
- donde pone en uso los criterios vanguardistas para la habitabilidad de una vivienda
- con todos los adelantos y criterios recogidos en la “Ville Contemporaine” (uso del modulor como
unidad de medida)
- Uso escultórico de los materiales y retorno al primitivismo en el relieve
- Uso de los “brisesoil” parasoles o celosías y que protege el “pan de verre”
- Uso de colores primarios huyendo de la monotonía
- “maquina para habitar”(uso de las chimeneas de barco)
Otro ejemplo la capilla de peregrinación de Notre –Dame- du- Haut:
- reflexión de la arquitectura religiosa en el mundo moderno (Renovación)
- Icono de peregrinaje
- Monumentalidad y “cascarón de cangrejo” o “lona agitada por el viento”
- Forma de barco y su significación
- Uso del modulor y articulación integrada en la naturaleza(significado místico)
La ciudad India de Chandigarh,
- traslada a la escena urbana los criterios del Mov. Moderno
- vuelta a diseños urbanos reticulares con diferenciación funcional del espacio
- conexión campo-ciudad
- monumentalidad y claro signo escultórico de los edificios institucionales
- importante el edificio del parlamento y su cúpula helicoidal (mitología antigua)
5. España, entre la tradición y la renovación
La guerra civil y la fractura en el desarrollo de la arquitectura española, que sale de los circuitos
internacionales (hasta los años 50)
Desaparición en la guerra de importantes arquitectos (Aizpurúa, Clavé y su GATEPAC o sección
española del CIAM)
Exilio de la generación de 1925 o depuración de sus ppales representantes (Felix Candela, Roberto
Fernández, Bergamín, Sanchez Arcas etc…). Pero para tres de ellos el exilio fue forzoso (Luis Lacasa
Navarro, Manuel Sanchez Arcas, Bernardo Giner de los Ríos). Reseñable el pabellón de la República de
Lacasa (París 1937), convertido en símbolo (contenía “el Guernica” y “La Montserrat”.
Sánchez Arcas continúa su carrera en Polonia y Berlín colaborando con La Casa en el edificio
Rockefeller que unía tradición y modernidad. También la Central Térmica de la universidad de Madrid.
Como especialista en arquitectura hospitalaria y colaborando con Eduardo Torroja edificó el Hospital
clínico de Madrid o el Mercado de Algeciras.
Eduardo Torroja fundó el Instituto Técnico de la construcción y la Edificación y parte del Hipódromo de
Madrid-maestría en el uso de hormigón- con resultados técnicos excepcionales y referencia obligada
(junto con Arniches y Martín Domínguez).
Bernardo Giner de los Ríos ve ligada su suerte a la Institución Libre de Enseñanza y lo que ello supone
en planteamientos, contenido y objetivos (especialización en Arquitectura escolar). Su relación con
proyectos de la II República y sus uso de materiales tradicionales y diseños funcionales han dejado una
impronta en tipologías abandonadas tras la guerra civil y no recuperadas hasta mucho después.
Su obra “cincuenta años de arquitectura Española”.
En cuanto a la arquitectura anterior y posterior a la guerra civil la modernidad no guarda relación con una
tendencia política. Tan solo el caso de la Generalitat de Cataluña la opción moderna de Joseph Lluís y Le
Corbusier se adscriben a la modernidad.
Fernando García Mercadal y su “El Rincón de Goya” introducen el racionalismo centroeuropeo (tibia
acogida).

40. Con la llegada de Franco se establecen ppios funcionalistas travestidos con los emblemas del Régimen.
(Gutiérrez Soto, López Otero, Muguruza), desde diferencias encauzan la arquitectura para darle la
representatividad y la monumentalidad necesaria.
Así Le Corbusier (diseños de barco) inspira a Gutiérrez Soto con el cine Callao de Madrid, intenta definir
una arquitectura nacional considerada anacrónica donde el sentimiento nacionalista y tradicionalista se
impone a otra consideración (influencia del Escorial…)
Pedro Muguruza y su “Valle de los Caídos” verdadero manifiesto de las ansias megalómanas y místicas
del dictador, edificado gracias al trabajo de presos políticos
Luis Moya (1904-1990) desplegó una cultura arquitectónica en construcciones de centros docentes la
medida del Régimen.
La arquitectura residencial o burguesa prefirió volver a modelos historicistas y regionalistas y todavía en
los años cuarenta con el estilo clasicista de recuerdo vienés en la Banca Viñas Aranda de Vigo (1941-44)
de Antonio Palacios Ramilo.
Los viajes a Europa ven en la arquitectura mussoliniana les ofreció un modelo a seguir (Casa Sindical
como primer edificio moderno del franquismo, donde se recoge el estilo de Giuseppe Terragni pero
adaptado a la tradición constructiva madrileña (empleo de piedra y ladrillo rojo) los mismos materiales
usados en el Museo del Prado de esquema reticulado con connotaciones fantásticas del pintor Giorgio
Chirico de acusado clasicismo moderno.
En las arquitecturas menores la pobreza de recursos no se tradujo en una menor calidad en la construcción
co Rafael Aburto con modelos que fundían en feliz convivencia la tradición española con el Movimiento
Moderno.
El Instituto Nacional de Colonización como nuevo tipo de agrupación rural a la búsqueda del
asentamiento de la población en el campo (José Luis Fdez del Amo y Belvis del Jarama), presentando
viviendas realizadas con materiales autóctonos integrados en el paisaje a la búsqueda de expresividad y
pintorequismo, plasticidad sorprendente de su imagen.
Vemos como España se incorpora a la modernidad con treinta años de retraso, siendo ya en los años
cincuenta en el terreno de la vivienda social donde mas se experimentó (conjunto de viviendas de Montilla
de Rafael de la Hoz Arderius, como muestra del uso del módulo de Le Corbusier adecuado a su
contexto).
El lenguaje de Le Corbusier también inspira el nuevo vocabulario arquitectónico de las iglesias y templos
religiosos incluidos en las barriadas, y que no recurren a modelos historicistas, rompiendo con los modelos
de planta basilical habituales y mostrando su relación con estructuras industriales. (Nuevas tipologías
usadas como reclamo, caso del Santuario de la Virgen del Camino de León.)
El grupo R de Barcelona muestra la búsqueda de renovación e innovación y está encabezado por Antoni
de Moragas (1913-1985), Josep María Sostres(1915-85) y J.A Balcells(1920-88):
- Elementos de la arquitectura popular Mediterránea para la renovación
- Proyección internacional y compromiso social de la arquitectura
- Reflexión sobre la vivienda social en la línea de GATEPAC (edificio de pescadores de la
Barceloneta de Jose Antonio Coderch y Manuel Valls)
- Bohigas y Martorell se orientaron en la investigación de la vivienda popular (viviendas de obreros
metalúrgicos en la calle Pallars de Barcelona (ladrillo)
- El hormigón armado en obras como el Camp Nou de Frncesc Mitjans (1909-2006)-icono de ciudad
- La facultad de derecho de Valencia de Fernando Moreno Barberá consolidándose el movimiento
moderno en el empleo de pilotis, vigas, columnas, fachada de malla neutra perforada con perfiles
laminados y aspecto ligero (regreso al brutalismo en realizaciones como la Ftad. Biológicas de la
ciudad universitaria de Madrid)
Arquitectos de los “veinticinco años de paz “
La mejora de los recursos técnicos y materiales mejoran desde los años 60 dan pas a representaciones ya
plenamente representativas de la sociedad industrial:
- Pabellón de los Hexágonos –Expo Bruselas 1958 de José Antonio Corrales y Vázquez Molezún
confluyen funcionalismo y organicismo dejando patentes los avances logrados por la arquitectura
española

41. - Gimnasio del colegio Maravillas de Madrid (1960-62) de Alejandro Sota (estructura de acero y
hormigón) de gran alarde técnico.
- La influencia de Mies Van der Rohe y sus edificios de cristal queda constatada en el Depósito de
automóviles Seat, de Cesar Ortiz- Echagüe y Rafael Echaide
Francisco Javier Sáenz de Oiza (1918-2000)
- Trayectoria centrada en la innovación y relación con movimientos internacionales
- Iglesia de Ntra Sra de Aranzazu en Oñate-Gipuzkoa, de manifiesto brutalismo en el tratamiento e
texturas del hormigón y la piedra,
- y ruptura con el ideal de Hermita
- las torres blancas en la Avda. América en Madrid
Miguel Fisac (1913-2006)
- Experimenta con hormigón armado y hormigón pretensazo para cubiertas que dota de gran
expresividad y riqueza de texturas enlazando con las obras del paralelo Informalismo pictórico
- Iglesia del Teologado de San pedro Mártir de Alcobendas Madrid inaugurando una nueva
tipología religiosa completada en La coronación de Vitoria
- Ingenioso sistema de cubiertas de hormigón pretensazo y gran ligereza en Los Laboratorios Jorba
de Madrid.
6. Después de los maestros
- Consolidación de la arquitectura del movimiento Moderno y transformación según las
características de cada país
- No es un código unitario sino doctrinas de modernidad
- Aumento demográfico da lugar a diferentes teorías sobre la ciudad
- Conciliación en la Europa de los años 50 con la reconstrucción
- Se cuestionan las teorías de Le Corbusier y su Ville Contemporaine en el IX Congreso del CIAM
1953.
El team X, encargados de organizar el X Congreso en la que cada uno de sus componentes trabajó para
hacer una arquitectura adaptada a las circunstancias sociales, culturales e históricas de cada comunidad.
Entre ellos:
Alison y Peter Smithson con su proyecto Golden Lane como afirmación de un nuevo modo de vida para
crear una comunidad basada en la movilidad con bloques de viviendas con calles a diferentes alturas
“street in the sky” con un sentido de comunidad en viviendas ejemplo de casa moderna. Trazado
curvilíneo y abierto y adecuados al las posibilidades de las New Town inglesas de la posguerra
(analizarlas en contraposición a la “Unité” de Le Corbusier.
Los Smithson: “Consideramos la arquitectura el resultado directo de un modo de vida” en una sociedad
en la que cada vez es mas importante la tecnología y las comunicaciones y necesita de una nueva
arquitectura (centros educativos y vivienda social).
Los Smithson formaron parte del Independent Group en el ICA junto a Banham, Paolozzi y Hamilton
siendo el germen del arte Pop británico. Exposición “Tis is Tomorrow” y el collage de Hamilton. ¿Qué es
lo que hace que los hogares de hoy en día sen diferentes, tan atractivos?”.
Cofundadores del llamado Nuevo Brutalismo:
- Arquitectura para la sociedad
- Centros docentes con pasos elevados a distintos niveles en donde aparece
- Estructura portante metálica vista que se ubre con forjados y paneles de hormigón armado
- Centros educativos adaptados a las modernas teorías pedagógicas
- Composiciones carente de formalismo
- Proyecto antigeométrico que crea obra de contundentes de gran vistosidad (departamento de
Ingeniería de la universidad de Leicester, de James Stirling)

42. Las New Towns sufren una transformación en los años 60 como se ve en le modelo de la Ciudad de
Milton Keynes para 250 mil habs establecidos en zonas compartimentadas por una red de calles trazadas
siguiendo cotas de nivel. Cada célula corresponde a un área ambiental con distribución equitativa de zonas
residenciales y servicios.
Aumenta el uso y experimentación de las posibilidades del hormigón armado. Así lo hace el finlandés
Aero Saarinen (1910-61) con cubiertas ligeras de diseño abierto y formas aéreas de la TWA en el
aeropuerto JFK de N.Y será un modelo imitado.
La opera de Sidney proyecto del danés Jorn Uzon (1918-2008) es una prueba de afán de
experimentación formal y tecnológica o su fusión habitual en los años 60.
Italia se debatió en dos orientaciones claramente divergentes: la que pretendía realizar labores de
restauración y de renovación (Giancarlo de Carlo-Team X)
de las ciudades con obras claramente respetuosas con la ciudad histórica.(Mercado de Pistoia de
Michelucchi o San Juan Bautista a las afueras de Florencia donde todos los parámetros del racionalismo
han desaparecido en la búsqueda de la espectacularidad en el tratamiento de los materiales) y los que
deseaban una arquitectura singular (Torre Velasca 1958, de Milán del estudio BBPR- rivalizando con
la altura de la torre de la catedral, o el palacio de deportes de Roma de Pier Luigi Nervi)
7. La nueva ciudad de Brasilia y otras utopías modernas
- Ciudad utópica que sigue los postulados del Movimiento Moderno promovida por le presidente de
Brasil Justelino Kubischeck (1902-1976).
- El proyecto parte del concurso ganado por el arquitecto brasileño Lucio Costa y que formado en
Francia comulgaba con el ideario de Le Corbusier.
- Influencias de lo proyectado por Le Corbusier para la ciudad de Chandigarh
- Esquema en cruz y eje axial con avda monumental preferente que articula malla de “súper
cuadras” que se curvan para convertirse en “la alegoría planimétrica de un aeródromo”
Parte del éxito gracias al arquitecto Oscar Niemeyer
a. Se ocupa de la arquitectura de los edificios nuevos destinados diferentes funciones con escala
según su destino
b. Extremo N-S se situó la plaza de los tres poderes
c. Los muros uniformemente acristalados de los ministerios contrastan con la arbitrariedad en el uso
de los nuevos materiales
d. En todos ellos el lenguaje del mov. Moderno es manipulado a la búsqueda de la mayor efectividad
(última obra- la catedral de Nossa Senhora Aparecida de pta central con 16 columnas hiperbólicas
y sentido religioso con un interior revestido de vidrieras que completan un conj. Claramente
escenográfico).
La obra es alabada y denostada dentro de los principios del movimiento Moderno.
México y la reinterpretación del Lenguaje Internacional
- Aportaciones autóctonas y reconocimiento de una arquitectura nacional
- Técnicas mas actualizadas pero presentes las raíces arcaicas
- Arquitectos como Juan O´Gorman de rigurosa formación racionalista (la biblioteca central del
recinto universitario) y Mario Pani (la Torre de Rectoria)
- Las casa-estudio de Diego Rivera y Frida Khalo con su significación de amistad entre los pintores
y el arquitecto O´Gorman ( arquitectura popular)
- Viviendas de Luis Barragan que también une tradición y modernidad y rompe con las pautas del
Estilo Internacional , mostrando su deseo de monumentalidad en las torres triangulares de Ciudad
Satélite (perfiles duros, esquemáticos y colorido amplio)
La disolución del Movimiento Moderno en el CIAM de 1959. (XI Edición)

43. La figura del Japonés Kenzo Tange (1913-2005)
- Propio punto de vista para luchar contra el hacinamiento de las grandes urbes
- Teorías brutalistas y uso abusivo del hormigón y células habitacionales (enlazando con Le
Corbusier)
- Propuesta para la expansión de Tokio por la bahía (1960) presentando una determinada forma de
planificación urbana que nada tienen que ver con la tradición japonesa, puesto que cifran en lo
tecnológico la viabilidad de la obra
Grupo Japonés Metabolism
- Kiyonori Kitutake, Kisho Kurokawa, Arata Izozaki
- Participan de ese afán tecnológico en propuestas como Sea City o Marine City, levantadas sobre el
mar
- Brutalismo y desarrollo celular se dan la mano con el empleo de módulos independientes que
cobran sentido en el montaje final.
Grupo Inglés Archigram
- Peter Cook, Warren Chalk, Ron Herron, Dennis Crmpton…
- 1961 teorías basadas en el uso de la tecnología como soporte para una forma de vida de la sociedad
de consumo y ciencia-ficción desde un punto de vista estético que enlaza con el pop dando paso a
diseños como la Plug-in-City
- Propuestas de maquinas-ciudad (ciudades utópicas de la era espacial)
- Richard Bukmister Fuller y su cúpula geodésica para la ciudad de Manhattan
- Exposición Universal de Montreal 1967 se presentan las teorías de Fuller junto con proyectos de
Moshe Safdie, Habitat ´67 (estructuras celulares para residencia, prefabricadas individualmente y
luego montadas
- En la expo de Osaka ´70, Olimpiadas de Munich ´72 Frei Otto (1925) estructuras textiles y
colgantes que podían inflarse en la línea de Fuller. Combina los materiales tradicionales con todo
lujo de novedades dando un resultado espectacular. LA ARQUITECTURA HABÍA LLEGADO A
SU REFUNDACIÓN.
8. La revisión del espacio moderno. La posmodernidad
 Charles Jenks y su polémico “movimientos Modernos en Arquitectura”(1971) donde resalta la
fragmentación y direcciones contrapuestas producidas en la búsqueda arquitectónica.
 Actitudes individuales en la arquitectura que sustituirían el lenguaje ya gastado del Movimiento
Moderno (Jenks)
 Robert Venturi y Dennis Scott Brown “learning from Las Vegas”-búsqueda de un nuevo modelo
de ciudad tomando como ejemplo Las Vegas
 Se rompe con el paradigma del Mov. Moderno según el cual el valor de una obra responde a la
unión de concepto y arquitectura
 Vuelta a la tradicional arquitectura “de ripias” de ruptura (Venturi…)
 Charles Moore y la posmoderna Piazza d´Italia en Nueva Orleans (clasicismo?)
Los Five Architects
 Meter Eisemann(1932), Michael Graves(1934), Charles Gwathmey (1938-2000) y Richard Meier
(1934)
 Aplican el viejo repertorio del racionalismo con los materiales y técnicas disponibles
 Eisemann considerado arquitecto deconstructivista (centro de Aret Wexner de la Universidad de
Ohio)

44.  Richard Meier al contrario ha continuado en la línea de las arquitecturas blancas, acristaladas
que dan imagen de refinamiento y claridad de sus líneas y transparencia de sus formas (Ateneo de
New Armony en Indiana)
 Graves y el edificio Portland, Oregon de brillantes y coloridas fachadas coloridas con referencias
a la modernidad también presente en el rascacielos para la ATT de N.Y Interpretadas a escala
gigantesca.
La posmodernidad en Europa
 Llega el estilo neoclásico pero tb la recuperación del lenguaje de la modernidad que como el
clasicismo había intentado convertirse en código atemporal
 Formas brutalistas de las viviendas del barrio Gallaratese de Carlo Aymonino en Milán de
acusada horizontalidad y repertorio modernista
 El teatro del Mundo de Aldo Rosi para la bienal de Venecia 1980 recordando los teatros flotantes
venecianos, así como la influencia de Chirico en el cementerio de san Cataldo de Módena con
fachadas en malla
 Ricardo Bofill (1939) y su vuelta al academicismo en su Taller de Arquitectura (viviendas para
Marne-la-Vallée)
 Corrientes tecnológicas de Fuller darán lugar a High Tech edificio-máquina habitada
 Cierta “arquitectura desnuda” que deja a la vista materiales entretelas etc…, pero esa supuesta
uniformidad es el producto de materiales duros, lisos y brillantes (metal, vidrio, etc…plástico).sus
combinaciones decolores y su terminación brillante y atractiva, como el recurso a formas
heterodoxas les hacen parecer de la mas rabiosa vanguardia
 Norman Foster y la arquitectura high-tech en el edificio de la central de Lloyd´s mostrando su
estructura portante para englobar los cerramientos de cristal.Mucho mas avanzado su
Commerzbank de Frankfurt como edificio inteligente de planta triangular y estructura de acero y
cristal regulador de energía y aprovechamiento de luz solar.
El Deconstructivismo
 Rompe con las normas del Mov.Moderno
 Rompe con las normas lógicas que han regido la construcción siempre
 Composiciones arbitrarias, abstracción geométrica, espacios imposibles y apariencia de
innovación-mas rabiosa vanguardia-
 Exposición del MOMA N.Y 1988:”Deconstructivist Architecture” con Peter Eisenman, Zaha
Haalid o Frank Gerhy con obras de autor
 La aplicación de las nuevas tecnologías como por e.”Morphing” (metamorfosis formal) en el
sorprendente edificio del National Nederlanden de Gerhy en Praga apodado “Ginger y Roger”.
Método similar se utilizo para el diseño del Guggenheim de Bilbao.
Escrito por: JOSE ELIZONDO GUTIÉRREZ

45. Abstract composition
Karl Appel
TEMA 7 EL GESTO Y LA MATERIA: EL INFORMALISMO
 Al final de la II Guerra Mundial hubo un gran desarrollo de la abstracción desplazando al surrealismo como
movimiento hegemónico, pero su ideología permaneció vigente en la nueva tendencia llamada Informalismo o
Arte Otro, abstracción expresiva, vital y palpitante.
 Conforma muchas tendencias que tienen en común su carácter abstracto, pero ninguna la define por completo:
 Expresividad del gesto, propia del Expresionismo abstracto.
 La pintura como acción, la Action painting.
 La pintura de materia, a través de la cual se conecta con la naturaleza, un nuevo paisaje y una realidad
inédita, inadvertida y desconocida.
 Las caligrafías pictóricas, pintura espontánea como la escritura (impronta del arte oriental).
 No tiene unos principios normativos, homogéneos y disciplinados, sino al revés es la suma de planteamientos y
experiencias que siguieron cauces diversos. Pretende ser corriente universal que rompe con la noción de grupo,
está formada por un nº inmenso de participantes, aunque también existieron grupos dentro de ella como el
llamado COBRA donde destacó Karl Appel (1921-2006)¸ con una abstracción desgarrada con toques figurativos
y de una gran expresión, o los españoles Dau al Set y El Paso. Los artistas que crean esta tendencia se mueven
en un mundo plástico indefinible de abandono y repulsa crítica de las concepciones formales preexistentes:
 Desprecian el valor de la forma construida limitadora de lo espontáneo, contraria a la subjetividad.
 Plantean la forma como imprecisa, dinámica, contraria a toda metafísica y a todo lo inmutable.
 Michel Tapié, crítico de arte dio nombre a la tendencia como el desarrollo de diferentes actitudes y
perspectivas individuales, importantes son las diferencias profundas que existen entre los individuos;
y este arte muestra lo más profundo de la intimidad humana y de la subjetividad del artista.
 Nueva forma de entender y ejercer la pintura: expresión libre sin limitaciones ni cortapisas.
 Todas las orientaciones tienen el interés común por el valor de la materia como forma de configurar y
descubrir una realidad otra, desde el gesto y el signo, o desde la poética espontánea de la mancha y el
trazo. Y la única forma existente en esta tendencia, es la propia de la materia trabajada o descubierta
por el artista (incorporada a la superficie o extraída de ella).
 Tuvo gran expansión, fue la tendencia hegemónica vanguardista e importante referencia en el arte del s. XX.
 En ella sobrevive el arte de vanguardia que se estaba agotando, pero en el inicio de los años 60 fueron tantos los
autores y obras que cayó en crisis. La mayoría abandonaron la tendencia y hasta el mismo pintar.
1. INTRODUCCIÓN
2. EL PAISAJE DE LA MATERIA
EL INFORMALISMO O ARTE
OTRO:
-Abstracción expresiva
-Pintura de acción
-Pintura gestual
-Pintura de materia
-Pintura caligrafíca.
-Etc.(Múltiples orientaciones)
 Experimentación, por medio del valor plástico y expresivo de la materia con una nueva relación entre realidad y
representación.
 Con la idea surgida del Surrealismo de interpretar de forma diferente la realidad, aunque siempre la realidad apareció
como referencia de una recuperación del sistema de representación tradicional. pero con una concepción al margen de
las limitaciones de la representación.
 El Arte Otro en su búsqueda de valorar también la realidad desde una nueva perspectiva, inédita, sustituye esta
representación por un descubrimiento y una valoración de la presentación de la pintura como una nueva realidad, que
nunca había sido atendida, estableciendo un nuevo valor del material, utilizando el soporte como elemento expresivo.
Se crea la imagen con la misma materia donde se concentra la expresión. El soporte no se oculta y cubre por la pintura,
se presenta en su escueta materialidad.
 Introduce el azar, abierto a la imaginación que suscita la materia, desde el diálogo con el mundo inmediato, que había
acompañado al hombre desde sus orígenes, y descubierto, a través del esfuerzo por situarse en un estrato primitivo.
 La nueva realidad adquiere gran valor para la pintura contemporánea, crea una nueva estética de los materiales.

46. Gran Pintura (1958)
Salomon R.Guggenheim Museum N.York
197,5x255 cm
Oleo sobre lienzo
La ventana )1963)
Saco B (1953)
Tela de saco y óleo 1x0,86 m.
Cabeza de rehén 14
Alberto Burri
(1915-1995/Italia)
En sus Otages (1943-1955), la materia se convierte en la protagonista, no es una materia
aplicada para representar, sino para expresar su plasticidad., inspirada en fragmentos de
cuerpos humanos desmembrados. Fue el pionero de este arte Otro al descubrir una nueva
realidad y pintura y ”competir” con la naturaleza al prescindir de la representación y presentar
una realidad “Otra”. En su obra Profile (1945) la materia descubierta se utiliza como material
plástico en sí mismo y no como medio técnico para la representación.
 Esta nueva sensibilidad tuvo una proyección importante en la valoración de los objetos y de las obras de arte. El valor
plástico conferido a la materia, a las texturas, a las imperfecciones y a la expresividad de las superficies, muestra del
paso del tiempo, ha convertido en nuevos valores estéticos de una sensibilidad ajena a cualquier análisis científico pero
integrada en el gusto contemporáneo.
 Ciertas texturas de la escultura contemporánea o de los paramentos de la arquitectura, como los muros encalados,
pavimentos desgastados, la madera vieja, etc. son una consecuencia de la influencia ejercida por este nuevo valor
conferido a la materia por el informalismo.
 Esta tendencia, la pintura de materia, arraigó enseguida en la obra de muchos artistas.
ARTISTAS
Antoni Tapies
(1923/Barcelona)
Lucio Muñoz
(1929-1998/Madrid)
 Pintor y escultor, abstracto de España, representante de esta corriente.
 En su pintura, es el valor de la textura en las imágenes parietales como las improntas
introducidas por la presencia de un universo inédito de signos.
 Introducía el azar surgido de los supuestos imaginativos suscitados por el material.
 Su sensorialización áspera y mural es su aportación fundamental, convierte la pintura
en nueva realidad, con imágenes análogas a muros silenciosos sorprendidos, basadas
en la elementalidad de su materia y con la presencia de gestos y signos producidos
como por azar. Nos enseña a percibir nuevos paisajes inadvertidos de la realidad.
 Desde 1950 se interesa por la materia pictórica frente al dominio de la forma, realiza
Buscaba una pintura orográfica collages con materiales residuales, alternando
abstracción con el primitivismo., recreándose en la presentación de texturas rugosas.
 En sus temas se encuentran símbolos del campo de la sexualidad, del universo o de la
muerte: figuras geométricas (ovalo, cuadrado, círculo, triángulo), signos como la cruz
(Pintura con cruz en rojo/1954), constante en su carrera (griega, latina, en aspa, en
forma de T (asociada a su apellido), números, letras, entre otros.
 Sus creaciones tienden a la abstracción, es el valor de las texturas de las maderas
sorprendidas, como un estrato geológico, calcinado e imprevisto. Quitando o añadiendo,
descubre una realidad desconocida como la aparición de un sustrato arqueológico.
 Cuando “termina” un cuadro muestra el último estado de sus diferentes fases. Cada vez que
quita una astilla y aparece la madera descarnada configura una nueva imagen, que la
pintura altera y reconvierte, a su vez, en múltiples imágenes. Por eso se dice, que sus
cuadros no están acabados, sino detenidos en su ejecución y creación. En algún momento,
deja el cuadro pero no lo termina, porque lo que hace no es pintura de materiales, sino una
indagación con la realidad de la materia misma. Se trata de por azar establecer un dialogo
con un mundo inmediato que había acompañado al hombre desde sus orígenes, descubierto
ahora por el esfuerzo de situarse en un estrato primitivo. La materia del cuadro abandona
su condición de composición abstracta o de medio para representar, y adquiere un valor
en sí misma.
 En 1955 deja la figuración y ordena la imagen, en composiciones geométricas de planos
que varían sobre una gama de color, utiliza polvo de minerales y pigmentos secos
mezclados con colas y barnices. Desde1958, utiliza la tabla de madera como soporte
habitual, la abre grietas, quema su superficie y levanta las capas superficiales desvelando
su estructura intima. Con los colores oscuros, terrosos y pardos dramatiza su obra.
Jean Fautrier
(1898-1964/Francia)
 Encuentra una solución inédita con la utilización del soporte de arpillera como “pintura”.
 Transforma la materia pulsante, que se agita y consume antes de tomar la forma definitiva,
utiliza desechos, materiales no tradicionales: Sacos, maderas, hierros, plásticos combustos,
tejidos, alquitrán, moho, limaduras, serrín, piedra pómez, caolín, cola, celofán, cellotex,
cemento; y a través del color, textura y artesanía convierte en objeto artístico.
 No se reconocen formas definidas, sino que los materiales mismos, organizados con
cuidado, otorgan eficacia y expresividad a la composición. De tal manera que la
transformación plástica de los materiales conforma a posteriori un objeto “polimatérico”;
alcanzando en este sentido un abstractismo artístico puro de la materia.

47. (1946) Óleo s/tela
Cuadro 62 (1959) Le Bateau Ivre 1945
Óleo s/sacos Óleo s/lienzo Kunsthaus
Blue Poles (1953)
Óleo s/tela
Colección particular. Nueva York
3. EL GESTO Y EL ACTO DE PINTAR
Manolo Millares
(1928/Las Palmas-1972/Madrid)
 Encuentra una solución inédita utilizando como soporte de arpillera convertido
en objeto e imagen “Otra” desde 1955, aquí son todavía un elemento que añade
a la superficie del cuadro junto con otros materiales como arena, cerámica o
madera. La arpillera es una evocación de las telas con las que se envolvían las
momias guanches. Realizaba sus obras con sacos agujereados, tela de arpillera y
cuerdas en las que pegaba objetos sacados de la basura, después los cubría con
capas chorreantes de pintura, de colores negro, blanco y rojo.
 Cofundador del grupo El Paso (1957).
Wols
(1913/Berlín-1951/París)
 Pintura con una nueva poética de las realidades olvidadas e inadvertidas donde la
materia aparece trabajada con signos y huellas casuales y rasguños del azar.
 Estilo fuerte y agresivo, rebelde y afín a un sentimiento muy negativo. Pinturas
con chorros de colores, como si hubiera tachado lo hecho, y con gestualidad
nerviosa, como el expresionismo abstracto americano. Improvisaciones de líneas
y manchas de colores muy expresivas, precursor del gestualismo.
 La Pintura de acción o pintura gestual unió el resultado con el mismo acto de pintar forma parte del llamado “Arte
Otro”. Los surrealistas, no alcanzaron nunca esto, por su lenta ejecución que lo alteraba. Esto lo consiguió este tipo de
pintura, al eliminar las barreras interpuestas entre la idea y el resultado durante su ejecución.
 Todos los pintores de esta corriente sabían a dónde querían llegar y lo que tenían que hacer para conseguirlo. Y también
sabían que muchos de los componentes del cuadro irían surgiendo en el proceso (el azar de un chorreón, la superposición
de una mancha, la salpicadura de una gota de pintura, la mezcla azarosa de la pasta de color), eliminando la lógica en la
ejecución. Había que proyectar con la pintura un gesto, un grito, un estado de ánimo interior.
 Intentaban relacionar su actitud y forma de pintar con el espíritu primitivo, del buen salvaje libre de contaminación
cultural. Primitivismo se identificó con gestualidad y caligrafía de lo espontáneo. El primitivismo como valor y mito de
lo no establecido tuvo otras dimensiones, aparte de la caligráfica, una dimensión figurativa como en los graffiti, pinturas
de monigotes imágenes espontáneas, aparentemente indefinidas, formadas igualmente por signos. Testimonios efímeros
de lo espontáneo revela los signos del azar sobre la materia y el primitivismo de la figura como otra forma de entender lo
espontáneo y primitivo. Se trata de establecer el valor de la imagen desde los supuestos de lo casual, de lo involuntario y
lo inadvertido como expresión espontánea de una forma artística derivada de una nueva poética planteada en torno a la
emotividad del signo. Lo cual se vinculaba tanto por el gesto, como por la acción y el graffiti a una acción “casual” del
individuo. Porque el Arte Otro era una tendencia basada en el culto a lo individual y lo espontáneo.
Jackson Pollock
(1912-1956/Estados Unidos)
Willem, de Kooning
(1904-1997/Estados Unidos)
 Pintura de acción como proyección directa de la idea y el resultado.
 Todo se centra en el acto de pintar.
 Extendía el lienzo en el suelo o pared, y distribuía la pintura sin tocarlo;
el chorro (dripping), el gesto espontáneo transmitían al cuadro el pulso
de un estado de ánimo y de una actitud vital. Prefería trabajar, así, que
en caballete, no extendía el lienzo del todo, le sujetaba al suelo o pared,
necesita tener un soporte duro que le acerca a la obra y le ayuda a pintar
a su alrededor, era como “estar en el cuadro”.
 El dripping o acto de pintar es un proceso natural, como una cascada o
chorro de agua que proyecta el trazo como surgido de lo espontáneo, y
la pintura que resulta era producto del subconsciente del pintor, de su
estado anímico y de sus inquietudes existenciales, es la imagen buscada
por el autor, pero que no controla, ni desea hacerlo. Aparecen manchas
pequeñas, salpicaduras y superposiciones de colores, surgidas de la
espontaneidad como el grafismo de una escritura.
Tensión concentrada de la pintura,
encarna la espontaneidad de la palabra, la
escritura, la acción y el dinamismo físico
del pintor. El resultado es algo buscado,
pero no en todos sus componentes que
proporcionan ese gesto intencionado de
espontaneidad incontrolada.
ARTISTAS
 Su pintura fue otra forma de pintura de acción, no es un proceso dinámico
sobre el lienzo, su forma es más tradicional, proyecta un estado de ánimo en
la aplicación espontánea del gesto al aplicar el pincel o brocha en el lienzo.
 Siguió una agresividad, con referencias figurativas semiocultas, de una
expresividad inquietante donde el gesto se sobrepone a la pintura.
 Sus trazos vigorosos, amplios y muy marcados